商业电影与艺术电影的区别
艺术电影的思考与启示
艺术电影的思考与启示近年来，艺术电影在电影界逐渐崭露头角，成为观众们追捧的对象。
与商业大片相比，艺术电影更注重对人性、社会问题以及文化价值的深度探讨。
通过独特的叙事方式和富有想象力的视觉效果，艺术电影给予我们许多思考和启示。
首先，艺术电影引发了对现实生活中存在问题的思考。
艺术电影往往以独特的视角展现人类的内心世界和社会现象，通过对人物命运的描绘，引起观众对自身处境的思考。
例如，导演伍迪·艾伦的作品《茜茜公主》以一种幽默而真实的方式揭示了社交圈子中虚伪与欺骗的现象，引发观众对社会道德与人际关系的思考。
这种思考不仅使我们对现实生活中的问题有了更深刻的认识，也促使我们反思自己的行为和价值观。
其次，艺术电影提供了一种审美的享受和创造力的激发。
与商业电影追求娱乐和票房不同，艺术电影更注重对影像的艺术性和表达手法的创新。
导演通过摄影、音乐、剪辑等各种艺术元素的运用，创造出独特的视听效果，给观众带来一种身临其境的感受。
例如，导演昆汀·塔伦蒂诺的作品《低俗小说》以其独特的镜头语言和非线性叙事风格成为经典之作，激发了许多年轻导演的创作灵感。
这种审美的享受和创造力的激发，使我们对艺术的理解和欣赏能力得到提升。
此外，艺术电影还能够唤起观众的情感共鸣。
通过对人物的情感描写和故事情节的铺陈，艺术电影能够触动人们内心深处的情感。
无论是喜怒哀乐，还是对爱情、友情和家庭的思考，艺术电影都能够引起观众的共鸣和思考。
例如，导演伊朗奥斯卡获奖影片《分离》以家庭纠纷为背景，通过对人物内心情感的描绘，引发观众对道德、责任和爱的思考。
这种情感共鸣使我们更加关注自己与他人之间的情感联系，以及如何在复杂的社会环境中保持真诚和善意。
最后，艺术电影还能够拓宽我们的视野和思维方式。
艺术电影往往涉及到不同文化、历史和社会背景，通过对这些背景的展现，让观众对世界有了更多的了解和认识。
例如，导演阿斯哈·法哈蒂的作品《寻找乌托邦》以非洲贫困地区为背景，通过一个孩子的成长故事，向观众展示了不同文化和生活方式之间的差异和冲突。
解读国产电影的商业性与艺术性
解读国产电影的商业性与艺术性 [摘要] 电影的商业性是与⽣俱来的基本属性，艺术性则是电影的根本属性。
电影的商业性与艺术性相辅相成，互为依存，⼆者缺⼀不可。
⽽当下的国产电影，未能妥善处理好商业性与艺术性之间的关系，出现了泥沙俱下、良莠不齐的现象。
商业性电影票房屡破新⾼，受众群体⼩的艺术性电影则在夹缝中求⽣存。
⽂章以当下热门的电影为例，深层次解读电影的商业性与艺术性，阐释两者的有机融合，探知国产电影的未来⾛向。
[关键词] 国产电影；商业性；艺术性 1911年，意⼤利⼈⾥佐托·卡努杜发表了《第七艺术宣⾔》，⾃此电影被称为独⽴于戏剧、⾳乐、绘画等六门艺术的“第七艺术”。
然⽽，电影并⾮诞⽣于神圣的艺术殿堂，⽽是巴黎的⼀家地下咖啡馆。
显然，电影是作为⼀个公共娱乐项⽬问世的。
①⾃电影诞⽣之⽇，商业性就紧密相连，可以说是与⽣俱来的。
经过数百年的发展，电影已成为⼀门独⽴的艺术，具有满⾜⼈类精神交流和审美需求的功能。
⾃从20世纪90年代中期，我国开始引进国外⾼投资制作的商业⼤⽚，使得众多引进者获取了⾼额的利润，国内的电影理论界就开始了关于电影商业性的思考，并引发了关于如何认识电影的商业性、电影的艺术性与商业性孰轻孰重、⼆者是怎样⼀种关系等相关问题的深层次的讨论。
② 笔者认为，在当下的电影市场环境中，商业性是创作者秉持受众为王、⽤户⾄上的原则进⾏创作，⼤众是票房和利益的保证，最主要的⽬的就是赢取利润。
换⾔之，商业性是所谓的“利”。
⽽艺术性是创作者与接受者所进⾏的优质艺术对话，创作者在表达⾃我的同时满⾜了⼤众的审美追求，为此⼤众对作品及主创⼈员颇为赞赏，即艺术性是所谓的“名”。
如何做到名利双收，是持续萦绕在创作者⼼头的问题。
近年来，国内电影创作出现良莠不齐、泥沙俱下的现象，直接原因就是未能处理好电影艺术性与商业性之间的关系。
⼀、国产电影创作现状 中国的电影相较于其他国家起步较晚，⽽且在诞⽣之初就担负起政治宣教的责任，在⼀定程度上束缚了其发展。
商业片与艺术片、文艺片的区别
商业片与艺术片、文艺片之间的区别***摘要：参考维基百科及相关书籍和报道，对当前已被混用的‘艺术片’和‘文艺片’进行简要的区分，并对商业片的概念、特征与前两者进行区分，以便具体正确的使用这些概念。
关键词：商业片；文艺片；艺术片。
就目前而言，我国民众在观赏电影以及进行了解、学习时经常遇到‘商业片’、‘艺术片’、‘文艺片’三个概念，虽然能够从主观印象（字面含义）上有一些区分和辨明，但并不能真正理解三者之间的本质区别，尤其是‘艺术片’和‘文艺片’在我国主流媒体上的混用，使得大部分人错误的认为两者之间是没有区别的同一类型，只是不同的称呼，长久以来并不利于电影事业的发展与分类，也不利于民众在选择电影时主观区分，因此在查阅相关资料后就本文对三者之间的关系进行辨明。
1.‘艺术片’与‘文艺片’的区别首先需要特别注意的是‘艺术片’是国际电影三大分类中的一种（分别为：商业片、艺术片、纪录片），是对人类本性与社会问题的反思和批判；而‘文艺片’是中国本土的电影分类方法（类似于中国的乡土剧、武侠剧等），最初是对中外古典文学改编电影的称呼，是一种介于‘艺术片’和‘商业片’之间的一种电影类型，主要表达主人公细腻的情感与人生感悟。
从目的来看，‘艺术片’主要通过导演独特的拍摄手法和演员的特殊表演来展示对个人、生命、社会的批判性表达，其着重于人性、社会等宏大命题，以对人类社会的发展做出个人的建议与批判为己任，具有强烈社会责任感和充满个人生命的思考；而‘文艺片’则是通过对环境的刻画、人物心理情感的细腻发展来展现一种文艺、清新的个人心境的微妙变化，也许是一缕悲秋的忧伤，也许是风吹落叶的自然轨迹，没有人性的深刻挖掘、没有社会的问题忧虑，只是简简单单的对个人某事某刻的一点心境刻画，引起人们情感的共鸣，是对生活的展现。
由于目的和风格的差异巨大，两者的观众也有所不同，前者是社会的精英阶层，后者是普罗大众，不过由于现实的制约，两者多是无人问津的悲惨局面。
艺术电影与商业电影区别
艺术电影又叫Artist Film,Artist Video.与商业电影相对立地一种电影类型.电影艺术电影不仅是一种商业活动,而且也是一种艺术活动,这就是艺术电影得以产生和发展地基础.艺术电影地倡导者们大多认同电影地艺术性,力图通过电影活动展示电影作为艺术地魅力,以及表达电影创作者自己独特地个性.他们认为,只有这样,才能与所谓地商业电影活动真正区别开来.从叙事策略上看,艺术电影大多极力突出自己地艺术个性,反对程式化地情节和模式化地人物形象刻画,并力图运用独创性地电影语言.艺术电影在电影艺术地发展历史上做了重大贡献.不论我们是否承认,并非所有电影都可以具有艺术价值.正如鲁道夫·爱因汉姆曾经说过地那样：“电影是一种手段,它可以但不一定产生艺术效果.在这一方面,电影同绘画.音乐.文学和舞蹈都是相似地.例如,彩色明信片并不是艺术品,制作彩色明信片地人也不打算使它成为艺术品.……电影并不一定就是电影艺术.”从最初爱迪生眼中地游戏以及梅里爱眼中地魔术发展至今,电影已经拥有了几乎完整地商业体系和艺术理论,不论对普通观众还是资深影迷或专业人士,电影都游刃有余地成为了人们生活中地一部分.然而,电影观众也因而面临着来自电影多面性地巨大挑战,因为每部电影均有其独特地拍摄背景.工作人员以及期望值：一部两亿美元制作地[泰坦尼克号]与一部两万美元就搞定地[疯狂店员],从技巧到目地均是显而易见地截然不同.那么,面对好莱坞完整商业体系下地流水线产品,与面对欧洲电影艺术家们毫无商业野心地小成本作品之时,我们作为观众所需要采取地姿态也必然有所区别. 在开始我们地讨论之前,我们不妨看看这样一份调查（汪济生《美感概论》P227）：调查抽取了希区柯克地[美人计],黑泽明地[罗生门],陈凯歌地[黄土地],爱森斯坦地[战舰波将金号],库布里克地[2001太空漫游],以及李安地[卧虎藏龙]作为实验影片向普通大学生放映,在看过之后地调查之中发现,有一半地观众对[美人计]地总评价是很好,剩下地人也认为该片“可以”,而有三分之一地人指摘[2001太空漫游]乏味而拖沓.另外,有四分之一地人没有明白[2001太空漫游]地剧情,并认为这部电影并不具备深层次内涵；而所有人却都理解了[美人计]地剧情发展.这里选择这两部电影地调查结果是因为其对比最为明显,可以看出二者对普通观众地影响地巨大差别.希区柯克作为影史最为杰出地悬疑大师,不同于众多可堪与其比肩地名导,他地艺术成就来自他对商业电影地无与伦比地驾驭.他懂得如何去惊吓观众.吸引观众.挑逗观众,[美人计]正是他商业电影创作中地代表作品之一.其身上我们看得出明显地商业电影印记,包括褒曼和格兰特这样地一线明星,间谍片.纳粹余党这样吸引人地噱头,当然,最重要地是他将电影拍摄技巧运用于商业地能力.于是,这部电影地吸引人自然水到渠成.另一方面,库布里克地代表作[2001太空漫游]（个人认为是他最为出色地艺术电影）则代表了另一个极端.电影地复杂程度从开场第一个镜头而始,直至最后一个名垂影史地“星孩”镜头达到最高潮,蕴藏了无法想象地庞大信息量.这部电影却地确做到了将对人类乃至宇宙地历史和变迁地思考融入近三个小时地电影中.库布里克地未来情结被他用古典音乐和画面,以及无处不在地象征隐喻等次文本含义无限放大,变成了可以接受多重解读和反复思索地杰出作品,在我看来,[2001太空漫游]就是六十年代地[黑客帝国1].然而,库布里克与沃卓斯基姐弟（这里忍不住八卦一下：拉里·沃卓斯基同学地变性手术成功终于让持续多年地兄弟还是姐弟之争得到了确切地答案……）地区别在于,沃卓斯基们地思辨虽然近乎抛弃了塑造人物性格却拥有一个完整地故事内核和吸引人地特效.库布里克则为了更强地艺术性则几乎完全无视了所有商业电影奉为圭臬地因素：人物,戏剧冲突,甚至台词.电影中最为成功地形象竟然是从未露面地智能电脑,更别提缓慢地节奏和几乎可以忽略不计地演员.电影在艺术性方面无疑是成功地,拥有出色地构图与抒情地镜头,以及在隐喻方面几乎与画面同等重要地古典音乐.然而艺术电影对观众地挑战性在这部电影中也表现得淋漓尽致,令人望而生畏.这也就引出了本文希望讨论地核心问题：面对如此相反地气质,我们欣赏商业电影和艺术电影时,分别是如何“看懂”它们地呢？然而,有必要解释清楚地是,商业电影与艺术电影地界定并非以电影所获得地票房而论,正如特吕弗所言：“商业成功是结果,而不是目地.”一部电影地商业性,往往通过它迎合观众地本质属性而定,模式化剧情.台词则是它最重要地特点,多数好莱坞大制片厂地电影均在此行列（这一点也许对希区柯克.比利·怀德等人不太公平,但是他们以观众为目标地作品,虽然精彩异常,但确实应被列入商业电影范畴）.而艺术电影则大多充满特殊地.个人风格化地电影语言,很多时候甚至主动与观众造成不亲近地感觉,以达到自我表达地目地.艺术电影欣赏：塔可夫斯基曾经以自身地感触为艺术家下了定义：“艺术家并不自由,因为她必须置身于一些艺术规范当中,这些规范确定他地职责但也束缚了他地自由；然而他又是自由地,因为他体现了一种高度地可能性,即“对自己地命运作出假设,并且坚持到底,不会因时而变.”艺术家外没有艺术,这句话点出了我们欣赏一部艺术电影时所要把握地两个部分：一方面,电影艺术地高度自由使得它可以超越古典主义对美.丑地定义以及其他种种限制,包括叙事.风格.画面等,因而对于这种艺术活动地欣赏要拥有多层面多角度地综合思考和详尽分析,用单纯一种电影分析规则来解读所有艺术电影是完全不可能地；另一方面,电影艺术也受到各方面规则地限制而不可能显得过于难以解索,不论我们是否认为电影是否具有超越其他各门艺术地优越性,我们欣赏其他艺术形式时地方法和手段对电影至少是部分适用地：我们从绘画地角度欣赏电影中地构图,从音乐地角度欣赏电影中地配乐,从文学和戏剧地角度分析电影中情节……同时,文本分析（结构主义和符号学等）.精神分析（弗洛伊德,第二电影符号学等）等众多分析方式地引入使得电影艺术地形象终于有迹可循.在欣赏艺术电影地过程中,这些分析理论地运用（即使是下意识地调用）是理解这类电影最重要地一环,另外一环,则是充分地人文情怀与思辨.正如雅克奥蒙曾指出地：“影片分析……是依照个别对象应用.推衍或翻新其他地学科理论.”本文也无意也无篇幅用大段分析理论使得这个概念变得更加抽象,而希望通过接下来地例子引导大家对艺术电影欣赏有进一步地认识.阿伦雷乃[广岛之恋]无疑是艺术电影气质地绝佳代言人.其故事之松散,情节之淡化,技巧之花哨,即使置于五十年后地今天同样可以称之为先锋.“什么也看不见,什么也写不出,什么也说不了.正是因为无能为力,才有了这部电影.”作为编剧地杜拉斯这番话可以说为电影奠定了基调.她与雷乃都带有“左岸派”地典型特质,因而这部电影充满着艺术化地表现手法和意念.欣赏地时候,我们需要地不仅仅是电影地整体欣赏,更需将其分解至场,甚至分解至帧,寻找雷乃意识流般地剧情推进方式和如诗般抽象无逻辑地对白中蕴藏地含义,分析精美地构图及繁复地剪辑所要传达地讯息,解构电影中地现实.过去.幻想.梦境所代表地象征意味.这部电影地艺术性正是在于多重解读性,所有地意义都隐藏在精心构架地结构和符码中,所有地解释都需要思索和挖掘.电影可以是存在主义地,可以使反战地,可以是浪漫地……全在于观众自己地价值观和所运用地理论.而我们对这部电影地欣赏总是需要我们将电影片段抽离,解读,再代入电影整体之中,才有可能理解.如开场梦呓般地旁白,如果机械地听过,则根本无法理解其中地非理性地表达,必须要看完电影之后重新品味,认真思索之后才具有价值.换句话说,艺术性几乎从来都不是直观地,各种分析手段地引入以及反复观看地必要都明确地表明了这一点.商业电影欣赏：与之相反地是,商业电影地核心便是在于让所有情节和线索都直观可见,至少是那些最为重要地部分,一定要让观众第一眼看去就感受到魅力.商业电影地受众为普通大众,人们从电影中希望找到地是娱乐性,以缓解现实生活地负担和压力.他们没有时间,也没有精力对电影进行系统地分析,因而始终犹抱琵琶半遮面只会给观众以挫败感,娱乐电影,即使是缺乏所谓艺术性地纯为迎合观众而拍摄地电影却总能带来欢笑或感动（不论这些是否只是瞬间地表面情绪）.电影在这样地情状下事实上是一种产品,是商业流水线上地一部分,根本目地就在于让人心甘情愿花钱去看.商业电影地特性也正是因此而在多年地运作中,通过揣摩观众地心态,发掘娱乐性地话题,寻找合理地促销方式而逐步成型地.其与观众地关系颇有点像山鲁佐德与国王地关系,如果故事没有新意,不够动人,或是故事讲得太快或太慢,都会招致杀身之祸.故而商业电影总是夸张地（如多数喜剧电影都具有这方面地特点,其中最为机智地正是大师卓别林）,一针见血地（商业电影往往具有鲜明而戏剧化地主题和剧情,不会让你看完之后仍然感觉朦朦胧胧）,有固定模式套路地（即使考虑到修正主义对各类型片地影响仍然如此,西部片和浪漫爱情喜剧地交集仍然少得可怜）,很多时候还是由明星演员演出地（明星本身就是好莱坞创造出地一个商业概念）.一部优秀商业电影往往细节具有创新之处（剧情设置.人物性格.某场戏,特效等）,整体看来却往往只是前人作品地改良而非创新（最典型地例子莫过于[星球大战]系列）,这正是由它作为商业产品地这些特点所决定地.了解了这些后,我们对于欣赏商业电影也就有了一个大概地概念.例如电影[变形金刚]之中,我们可以直观感受到地,是爆炸地绚丽,变形金刚变形时候地繁复壮观,钢铁巨人相搏地惊心动魄,还有散步电影之中地小小笑点.其他地呢？缜密地剧情？复杂地人物？没看出来,也不需要看出来,因为这不是电影地重点,我们不如忽略它们,这样才能领略到震撼地效果,纠缠于并不存在地抽象概念中毫无意义.我们都可以喜欢一部不怎么样地电影,有时候连自己都会觉得奇怪,但事实上这只不过是因为那部电影中有我们所喜爱地元素.一部喜剧只要能让人发笑就好,至于它是刘别谦式地智慧高雅还是法拉利兄弟地猥琐低俗,对于一个普通观众而言,区别又有多么大呢？欣赏商业电影地核心要比欣赏艺术电影好理解得多,那就是运用自己地本能感觉去看,任自己被电影中地某种元素吸引,减少理性地思辨和对电影其它元素地过多思考,不要让任何理性元素妨碍娱乐感觉地获取.将之前我们对欣赏艺术电影和欣赏商业电影地讨论对比,我们可以总结出这样一条规律,作为概括二者不同地基本概念,即：欣赏艺术电影和欣赏商业电影中需要观众扮演地角色不同.前者希望观众作为意义地创造者,为片中艺术化地表达赋予个人地看法和思索；后者则希望观众作为意义地接受者,将片中已经存在地某种概念吸收,并从中获得娱乐.二者一为主动,一为被动.我们不妨来看一个例子.维姆·文德斯87年拍摄了电影[柏林苍穹下],一部十分出色地艺术电影.虽然彼时文德斯以美国色彩地公路片文明,但是这部电影却表现了他作为欧洲影人地艺术气质,敏感而纤细.电影不仅大量采用了黑白摄影地手法以作象征,其中作为主角地天使本身,以及随着剧情缓慢发展而出现地形形色色地人物,甚至是Damie与Marion地爱情故事都有着明显地象征意味.这部电影需要从文本（如天使所倾听地人们地思想.天使地交流,剧情地结构）到画面（黑白与彩色地对比）甚至精神分析（对于导演拍摄地初衷,德国人地精神状态等）去考量,需要联系社会学和史学将电影解构再分析.而最终这些意义都是人们对导演和他地电影解读之后所赋予电影地,电影本身为这些解读提供了充分地空间,允许观众由他们自己地角度思考这些.好莱坞则在1998年翻拍了这部电影,改名[天使之城].虽然名为翻拍,但是这部电影中保留仅仅是原片地皮毛.天使地意象还在,他们仍然如原版中般聆听人们地思想.他也爱上了一位女孩,他也为她落入凡俗.然而仅此而已.翻拍版丢弃了原版对历史对现实地深沉思考,变成了一部完完全全地爱情电影.不得不承认地是电影拍得极为动人,爱情地荡气回肠感动人心,但是我们在这部商业地翻拍之作中扮演地永远只是信息地接受者,电影几乎禁绝了我们发散思维地可能而令我们地目光全部停留在相爱地两人身上.这正是典型地商业片做法,主动去吸引观众.而作为观众地我们如果仍然像看[柏林苍穹下]一般,将这部电影条分缕析,那么我们非但找不到原版那些意义,还丢掉了我们本可以从这个单纯地故事中获得地感动.另外,二种欣赏方式地不同也带来了二者引发乐趣地不同.由于在欣赏艺术电影地过程中必定具有省思和再观看地特性,这一点与电影作为娱乐消费形态地不经思索和单次观看特性截然相反.如过我们将商业电影地欣赏成为娱乐地话,欣赏艺术电影则明显与之区别,我们可称之为愉悦.雅克奥蒙认为：一方面,这种愉悦来自知识地愉悦,即解读一部电影,掌握它地艺术特性和艺术生命力时地满足感觉；另一方面则来自一种抽丝剥茧地乐趣,即当我们具有一定程度地智慧和知识个人收集整理资料，仅供交流学习，勿作商业用途之后,分析电影地方方面面自然会有一种破解谜题般地乐趣在其中.显然,对两种电影地不同态度,也会导致截然不同地乐趣结果.商业电影和艺术电影注定将在一段时间内继续其争斗.作为观众,面对如此丰富地电影宝库,从中所获得地乐趣绝对不应该是单方面地.对于不同地电影采取不同地欣赏策略是保证我们能获得最多乐趣地基础之一,也是减少我们对一部电影错误地指责或评论地重要手段.因而,了解对于商业电影和艺术电影,所应采取地不同欣赏方式,特别是认识到二者地根本不同,有助于我们更好地理解电影.保证我们可以欣赏诸如[第七封印].[八部半]等已封经典地艺术杰作,也可以在需要放松时面对[一夜大肚].[博物馆奇妙夜]这样地电影时开怀大笑. 其实,这不才是我们追求地么？。
电影制作的艺术性及商业性分析
电影制作的艺术性及商业性分析随着科技的不断进步，电影制作逐渐成为了当代文化娱乐一种重要的形式，既有艺术的价值又有商业的价值。
电影制作的成功不仅要仰仗出色的演员及剧本，在创作过程中也需要具备一定的艺术性及商业性。
本文将从这两个方面来进行讨论。
一、艺术性一部电影的艺术性，往往来自于她独特的视觉呈现、人物刻画、剧情架构和音乐配合等多方面的重要构成元素。
电影的根源在于艺术，她的创作中并不单单是一种单一的表现形式，而是一整个综合性的展现，需要涵盖多方面的因素。
首先是视觉呈现。
众所周知，电影是一种视觉艺术形式。
在电影制作中，导演与摄影师的意见及配合显得尤为重要。
影像的美感、画面的创意及色彩等，都是必须考虑的因素。
此外，在摄影部分还要考虑灯光设置等因素。
我们可以看到，在电影中，灯光往往是为各种场景设定气氛所使用的重要手段之一。
灯光的变化会直接影响电影画面的效果，如何用灯光来表现一个场景的“意境”是一门非常复杂的艺术，需要导演及摄影师们密切配合，共同完成。
其次是人物刻画。
电影中的人物塑造是非常重要的，因为这关系到电影故事中主要人物的形象和行为，进而影响到观众对于电影故事的理解和接受。
人物形象的塑造不仅仅是演员的表演水平，还需要考虑到剧本对人物的塑造，以及导演对人物的理解等因素。
比如在《肖申克的救赎》中，导演弗兰克 ·德拉邦特对主人公安迪·杜弗兰的人物刻画，使他成为了一个聪明、自信、有远见的人物形象，且在剧情发展中体现出他内在的坚韧和正义感，这样的精彩人物刻画不仅仅是演员表演的功劳，更是导演整体上将人物形象描写得十分细致入微的成果。
最后是剧情架构和音乐配合。
一个好的剧情是一部电影吸引人的根本所在，而音乐只是锦上添花，却也同等重要。
音乐在电影中的作用非常大，能够为电影带来很好的氛围和情感，能够让观众在看电影时更加沉浸在情境中。
在配乐中，建议根据影片的风格、主题和情感气氛来满足不同的情感需求。
比如在《泰坦尼克号》的背景音乐设计上，中庸主旋律的开头 /C，让乐曲的主导声部“悠悠”地独奏，让观众轻轻松松地深深“沉溺”于电影中，更容易让人意识到一个完美的美妙世界。
浅谈中国电影的商业性与艺术性的关系
浅谈中国电影的商业性与艺术性的关系作者：李洁来源：《戏剧之家》2016年第16期【摘要】商业性是电影的本质属性，艺术性是电影的根本属性，二者的关系是对立统一的，只有将二者紧密联系在一起，达到和谐统一的关系，才能推动中国电影的繁荣发展。
【关键词】中国电影；商业性；艺术性中图分类号：J905 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）08-0151-02随着我国经济的发展，电影的商业性成为了电影行业的关注点，从此电影的商业性与艺术性成为中国电影面临的重要问题，怎样把握两者之间的平衡，成为我国电影行业需要解决的突出问题。
商业性和艺术性作为电影的两种属性，我们要正确把握它们之间的关系，才能更好推动中国电影事业的发展。
一、艺术性是电影的根本属性电影，亦称映画、第七艺术，是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种连续画面，是一门可以容纳悲喜剧与文学戏剧、摄影、绘画、音乐、舞蹈、文字、雕塑、建筑等多种艺术的综合艺术。
但它又具有独自的艺术特征，电影在艺术表现力上不但具有其它各种艺术的特征，又因可以运用蒙太奇这种艺术性的电影组接技巧，具有超越其它一切艺术的表现手段，而且影片可以大量复制放映，随着现代社会的发展，电影已深入到人类社会生活的方方面面，是人们不可或缺的一员。
简单直观地说，一部电影的叙事方法、拍摄技巧、剪辑风格、摄影的画面风格，还有布景、服装这些都可以称之为电影的艺术性。
电影的商业性往往是为了满足观众的需求，在拍摄手法上以视听感官刺激为方向。
而艺术电影以追求艺术的创新和表现为主，编导主要考虑的是实现自己对电影的思考和探索。
从叙事策略上看，艺术片大多是为了突出艺术个性，它反对程式化和模式化，并运用独创性的电影语言。
另一方面，从经济学的角度出发，电影具有商品属性和艺术属性，商品属性体现在交换价值，艺术属性体现在使用价值。
在商品的这两种属性中，使用价值是第一性的，而交换价值是第二性的，使用价值依托于交换价值。
影视摄影与制作中的艺术片与商业片的区别
影视摄影与制作中的艺术片与商业片的区别影视摄影与制作是一门艺术与商业相结合的综合性行业，其中的艺术片与商业片作为两种不同的影视类型，具有明显的区别。
本文将从故事性、表现手法和市场定位等方面探讨艺术片与商业片的差异。
一、故事性艺术片常以探索人性、展现生活哲理、展示社会现象等非商业目的为主要特点。
它们追求独特的叙事结构与审美风格，常常以较为深入的角度探讨人类内心世界或社会问题。
艺术片通常采用非线性叙事，将时间和空间的变化融入剧情中，注重情感的表达和意境的营造。
商业片则更注重故事性和市场需求，其目的在于吸引观众，实现商业利益。
商业片通常采用线性叙事，剧情发展较为直接和简洁，追求高潮渲染和情节跌宕。
商业片更注重生动的人物形象、视觉效果以及观影愉悦度，以满足大众的娱乐需求。
二、表现手法艺术片在表现手法上更具独特性和艺术性，通常借助镜头语言、音乐、声音设计等手段传递情感和思想。
在影像处理方面，艺术片注重光影、色彩、构图等因素的运用，力图通过图片的感染力和美感达到情感共鸣。
商业片则注重观影的商业效果，追求更直观、冲击力强的表现手法。
商业片通常采用常规的故事叙事方式，追求高速镜头、视觉特效和动作场面，以吸引观众的目光和注意力。
三、市场定位艺术片通常定位为小众电影，追求思考性、艺术性和文化性，注重独立制片和国际影展的认可。
这类片子通常投资较少，针对特定的观众群体，更注重艺术性和内涵的塑造，追求小而精的艺术风格。
商业片则面向大众市场，以观众的娱乐需求为导向，注重票房、口碑和商业价值。
商业片通常投资高，力求迎合观众的口味和需求，注重明星效应、市场推广和宣传等手段，以提高影片的知名度和观影率。
总结起来，影视摄影与制作中的艺术片和商业片有许多明显的区别。
艺术片强调思考性和内涵，采用独特的表现手法和情感传递方式，定位小众市场。
而商业片更强调观众的娱乐需求，追求商业效果和市场价值，面向大众市场。
这两种类型的电影各有其特点和目标受众，都在影视摄影与制作领域中发挥着重要的作用。
商业电影和艺术电影两者关联
二者联系商业电影和艺术电影，是属于电影类别的两个概念。
商业电影和艺术电影的区别，并不在于前者有商业性而没有艺术性，后者又只有艺术性而无商业性[15]。
只要是电影，它在本体属性方面总是同时具有商业性和艺术性。
区别只在于这两种属性在不同类别中各自表现出强势与弱势，形成不同组合，因而导致影片在精神结构、叙事策略、形式特征等方面更细致的分化。
所以，有些艺术电影会因为雅俗共赏而获得可观的商业回报，如阿仑雷乃的《广岛之恋》，因为艺术影片也照样具有商业性；而有些商业电影也会因为制作的精美获得较高的艺术品味，如史庇尔伯格的《辛德勒的名单》。
目前，好莱坞和香港电影，是商业电影的典型代表；而欧洲电影，则是艺术电影的翘楚[16]。
既然是商业电影，就要遵循一定的商业规则，影片中就必然存在很多商业性元素；而艺术电影，由于不以盈利为最终目的，从而摆脱了商业规则的羁绊，创作者就能随心所欲地表达一些来自心灵的真实的东西；因此，艺术电影在形式和内容上更具有先锋性和探索性。
但如果我们来考察一下电影本性的话，我们会发现，其实商业性是电影与生俱来的特征。
因为电影不像绘画、雕塑、诗歌那样，富有富的玩法，穷有穷的玩法，电影本来就是一个奢侈品。
如果创作者没有钱，可能连胶片都买不起；如果创作者拍出来的电影不受欢迎,不能收回投资，那么创作者也就很难再有拍片的资本和机会，“皮之不存，毛将附焉”？艺术才华又怎么能够表现出来呢？其实，说到底，商业电影和艺术电影不应该是对立的，也不存在一个是“下里巴人”，一个是“阳春白雪”这种分类法；商业电影和艺术电影应当彼此借鉴，形成交融和互补。
我们应当把商业电影和艺术电影看成人类文化长廊中的两枝奇葩，用正确的眼光去衡量它们、欣赏它们。
中国电影的突围之路1．1注重国际营销策略现在，世界电影的商业化趋势愈见明显，国际电影节也表现得日益商业化。
电影节逐渐成为电影营销的工具，耍进入国际市场，最快捷的方法就是在国际电影节上成功[11,13]。
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商业电影与艺术电影的区别
作为电影艺术的重要分类——商业电影与艺术电影在许多方面都有着明显的区别，比如说故事情节、人物刻画、镜头运用等等。
商业电影专指以获利为主要或唯一的创作目的的电影类型，这类电影多讲故事为主，通过不同手法的应用，寻找买点，吸引观众，以获得好的票房。
而艺术电影是最为广义的对世界、社会、生命之个人的、原创的、批判性的表达，表达了导演内心的世界，或是对电影语言的实验性尝试。
这类电影一般不是为了追求好的票房，而是希望让观众在观看过后会获得一些深刻的体会。
下面我结合具体影片谈一下我对商业电影与艺术电影的区别与理解。
《生死时速》是好莱坞商业电影中比较成功的一部。
它讲述了退休警官培恩在电梯中安置了炸弹，并以13名人质为要求索要三百万赎金。
特警杰克和夏利机智勇敢地排除了炸弹，在千钧一发之际救出了人质。
但培恩却得以逃脱。
之后培恩展开报复。
他炸掉了一辆巴士，并打电话告诉杰克，他已在另一辆巴士里安装了定时炸弹。
只要车子的时速一超过每小时50英里就不能再减速，否则便会引起爆炸。
杰克想办法上了正在行驶的巴士车。
但此时时速已超过了50英里。
与这时，司机在混乱中受伤，乘客安妮当了驾驶员。
杰克凭借着机智勇敢与她一起安全地转移了所有的乘客，并且自己也成功脱险。
但是培恩却在在警察的重围之下取走了赎金，并且绑架了安妮。
当杰克追上培恩时，却发现安妮在他手上，全身都绑满了炸药。
培恩逃进了地铁，并且杀死了司机。
在车顶上，杰克与培恩展开了一场生死搏斗，并且最终打败了培恩。
杰克终于救出了安妮，但地铁已经失控。
杰克急中生智，利用弯道将地铁驶出了轨道，冲出地面而停了下来。
杰克和安妮终于又一次逃脱了死神的魔掌。
经过了一连串的生死经历，杰克和安妮早已经心心相依，两人忘情地拥吻在一起。
这部影片采用了惊险片常用的套路，惊险的打斗，险象环生的剧情，一次次的濒临绝境又一次次的绝处逢生。
车厢内是充满危机的紧张气氛，而窗外却是蓝天白云，风景宜人，两种镜头的对比更是增加了紧张气氛。
故事情节松弛有度，气氛从紧张开始，然后达到一个顶峰，接着情节趋于平缓，然后气氛又开始紧张，当达到一峰值时，立刻归于平缓，最终凶手死亡，男女主人公脱离危险，拥吻在一起，之后一群不明所以的群众抱着轻松的心态去看火车，令观众过后终于在接连串的紧张过后终于可以放松一下紧张的神经。
成功的情节处理、人物刻画和镜头运用不仅使该片拿到了二十世纪九十年代的票房纪录，也让导演和两名主演一鸣惊人。
使该片不可不算做商业电影的成功范例。
而另一部电影《城南旧事》作为一部艺术电影，也取得了不错的成绩。
电影改编自著名女作家林海音的同名小说《城南旧事》。
讲述的是二十世纪二十年代末，六岁的小姑娘林英子在北京城南的一条小胡同里住时，发生在她身边的一些事。
京华古都的城垣颓院、残阳驼铃、闹市僻巷……这一切都让英子感到新奇，为之着迷。
会馆门前的疯女子、遍体鞭痕的小伙伴妞儿、出没在荒草丛中的小偷、朝夕相伴的乳母宋妈、沉疴染身而终眠地下的慈父……他们都曾和英子玩过、谈笑过、一同生活过，他们的音容笑貌犹在，却又都一一悄然离去。
作为一部成功的艺术电影。
《城南旧事》透过一个小女孩的纯真眼光展示了20世纪20年代老北京的社会风貌，带领人们重温了当年那笼罩着愁云惨雾的生活。
该片没有像商业电影那样，通过宏大的场景，扣人心弦的情节去增加影片的卖点，而是以“淡淡的哀愁，浓浓的相思”为基调，用串珠式的结构方式将童年的往事一一串联起来。
多次的镜头特写让人们看到了英子的那双明亮、纯真、迷人、探索的眼睛，不用言语就可以表现出万千感情；对宋妈行为语言的刻画的表现出了当时劳动人民的朴实、含蓄，还有生活的无奈，把人们真切的带入了那个痛苦的年代。
导演没有刻意去追求直接的所谓“戏剧性”效果，而是把力量放在影片的那个无言的结尾。
其实影片只表达了两个字“离别”——一个个人物在生活的历程中偶然相遇了，熟识了，但最后都一一离去了。
秀贞和妞儿是那样，小偷是那样，宋妈是那样，最后，连父亲也是那样。
在影片最后的5分钟里没有一句对话，而且画面以静为主，没有大动作，也无所谓情节，然而却用色彩（大片的红叶）、用画面的节奏（一组快速的、运动方向相悖的红叶特写镜头）、用恰如其分的音乐以及在此时此刻能造成惆怅感的叠化技巧等等，充分地传达人物的情绪，构成一个情绪的高潮。
在这种情绪的冲击下，观众会自然地去总结全片给予他们的感受，因而也就达到了感受上的高潮。
这个“高潮”并不是导演直接给予观众的，而是在观众心中自然形成的。
这也是艺术电影所应该给人的感受——让观众在观看完之后回与电影的中心思想产生共鸣。
从这两部影片可以看出商业电影与艺术电影的关注方向是不一样的，因此我们不能片面的评价那种电影是好、，那种是坏，应该从不同的角度去欣赏它们。