国画赏析
国画赏析
内容摘要：本文从国画的不同角度赏析，通过对画的画法、线条等多方面的不同揭示了画的内容及深度。
关键词：气韵、笔墨、形式、构图
参考文献:
[1]郭玫宗，中国画艺术赏析。中国纺织出版社
[2]罗淑敏，对焦中国画。广西师范大学出版社
中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它植根于华夏浓厚的文化沃土之中，跨跃不同时空，历经萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。它与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。
欣赏中国画要抓住绘画的常理与绳纲。何为绳纲呢？谢赫提出的“六法”论；顾恺之“以形写神”；张彦远“载其容，备其象”；荆浩“六要”原则；齐白石“似与不似之间”，等等。本文研究的重点是以谢赫的“六法”为基础，提出欣赏解读中国画要注重作品的气韵、笔墨、构图和形式，掌握方法后，才能真正读懂作品的底蕴和内涵。
一、欣赏作品要看气韵
早在1500年前，南齐的谢赫就提出了品画艺术的标准“六法”论。即“气韵生动。骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写”六项法则。气韵生动，是对作品的总体要求，是艺术达到的最高境界，也是品评、赏析中国画的主要原则。
气韵，在传统中国画中，是指神气与韵味的总和。石涛曰“作书作画，无论老手后学，先以气胜得之者，精神灿烂，出之纸上”。元代杨维桢指出：“故论画之高下者，有传形，有传神。传神者，气韵生动是也。”清代唐岱谈到：“六法原以气韵为先，然有气则有韵，无气则呆板矣。”清方薰则说：“气韵生动，须将生动二字省悟，能会生动，则气韵自在”。由于历代艺术家的分析、总结，气韵生动成了绘画的首宗要义，成为画家在创作中追求的最高目标，也成为中国画品赏的主要准则。
二、欣赏作品要看笔墨
“六法”中，谢赫将“骨法用笔”列在第二位。“骨法”在中国画中指的是运用线条作为骨架进行造型的方法。它融合了汉字书法中用笔的规律和美学原则，体现出线条的力度、质地和美感。通过不同的线条去体现笔墨的动态、势向、韵律、节奏，以写神、写性、写心、写意为目的。
中国画以线条构成，是与中国艺术家对线条的情有独钟和独特感受分不开的。我们绘画的先祖认为，以点作画易于零散、琐碎，以画作画易于模糊、平板，用线最易捕捉物体的形象及动感，最适宜发挥毛笔、水墨、宣纸绢帛的特性。可以说，线条是中国画家独到的艺术语言，是中国画的灵魂。
用于绘画的线条是有生命力的。千百年来，中国艺术家伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆、繁简等不同质地、不同感觉的线条，并用这些含情线条的渐变、排列、组合、交搭、分割、呼应，在画面上构成造型的诸多形式。抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿、无不显现着画家的才思、功底。
笔韵是中国画家追求的较高境界。运笔时所表现出的一种内在节律，情感起伏，通过气与力的统一变化而形成用笔的韵律感和节奏感，亦是画家心弦的拨动。笔力、笔气、笔韵是有机的统一，以气统力、统韵，以韵助气、助势，三者完美的结合，方称上佳的用笔。或浑厚苍劲、刚健挺拔或含蓄内敛、简约空灵、飘逸洒脱，无不是画家千锤百炼，用心血和汉水浇灌的结果。
中国画以墨为主、以色为辅，是其基本特点。笔墨二字几乎成了中国画的代名词。如果说西画是体、面和色彩的交响，那么，中国画就是点、线与水墨的协奏。墨分五色，释为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五大色阶，并由五种色阶之间（加水量多少）形成的无数细微的渐变。唐代张彦远在论墨时说：“草木敷荣，不待丹绿而采，云雪飘扬，不待铅粉而白，山不待空青而翠，风不待五色而卒。是故运墨而五色俱，谓之得意。意在五色，则物象乖矣。”说明墨不仅能决定形象，分出明暗，拉开距离，代替色彩，还能制造画面的气氛。中国画家深谙绘画要旨，认为画面太枯则有燥气、画面太湿则无生气，墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以淡墨破之；一片淡墨必以浓墨破之；一片枯墨必以湿墨润之；一块湿墨必以枯墨提醒。观其面目时往往尚未看清具象形态，就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染。在欣赏中国画时往往也从这里入手。
在中国画创作过程中，始终离不开墨。用墨有几种主要方法，泼墨法、积墨法、破墨法、宿墨法、渍墨法、蘸墨法，等等。好的画无不在用笔、用墨、用线、用水方面有高妙之处，在画面上显现出浓淡干湿变化。古人说的好，“干裂秋风，润含春雨”，就是这个道理。
三、欣赏作品要看构图、形式
中国画的构图有多种形式，也有多种提法，习惯称谓“章法”、“布局”。东晋顾恺之称之为“置陈布势”，谢赫则称之为“经营位置”。提法虽不一样，但其意相同，即作者将要表达的内容与形式加以组织、安排，构成一个体现个性、呈现气势、和谐统一的整体画面。一幅作品境界或高或低，或奇或特或平庸，构图至为关键。
构图法则有其自身规律，最主要的规律就是辩证法中的对立统一。凡符合对立统一规律的作品，就耐看，就有美感，就有吸引力，反之，美的因素就会大打折扣。构图的来源是生活，是眼界，是修养，是格调。构图具有极大的灵活性，因为中国画使用独特的散点透视法。用这种透视法来展现绚丽多姿的世间万物，给作者带来极大的自由性和灵活性。它不受时间和地点的限制，不求物体具象，只求构思和形象入“理”。
中国画讲究稳中求奇，险中求稳，着意对比，打破对称，形成一个富有节奏的协调整体。大多采用“三七停”起手法则，把主体物象放在三七点上，对打破均衡起到至关重要的作用，也易于形成韵律节奏，给观者以视学美感。
中国画博大精深，源远流长，融诗、书、印于一炉。宋人邓椿说：“画者、文之要也。”“画到极至”谈何容易，能创作出一两件与众不同，经得起历史检验的作品并非易事。因循守旧不行，越雷池甚远也不行；不师古人不行，师古不化也不行；不师自然、不师心不行，走捷径、搞旁门左道更不行。
绘画有高有低，因而就有了不同时代的品评标准。张怀瑾提出了“神、妙、能”三品，朱景玄提出了“神、妙、能、逸”四品，黄修复则强调“逸、神、妙、能”四格，张彦远定了“自然、神、妙、精、谨细”五品级。不论是神行逸后，还是逸先神后，都说明中国画始终追逐着高品位。充满着美学意识，自我意识，在借鉴传统的基础上艰难探索，力求创出个人高雅的风格，力争呈现出更加自然的气息。
看画还要远观其势，近取其质。利用不固定的视距、观其物象。远看大势气韵，近看点线质量。“六法”精论，是画学传统的金科玉律。在中国绘画史上这一理论具有无法憾动的深远作用。也是时下评价、品赏中国画的根本法则。凡属画人必受这一法则的约束和检点，用这一法则鉴赏，评价中国画作品，其高低自可辨也。
欣赏一幅中国画不仅要看它的笔墨，更重要的是欣赏它的气韵和意境。线条是中国画的灵魂，是作者在抒情达意中的宣泄，画面形式技法构成中国画的外表形象。气韵，在传统中国画中，是指神气与韵味的总和。中国画最妙之处还是它的意境，只有为观者营造出一种意境的作品才是一幅好画，如“行到水穷处，坐看云起时”，含有无穷的韵味在其中。体会作品在时代背景中表现的个性,从作者的经历、思想上领会作品的意境，把作品置于中国画发展的历史长河中来省视, 通过对中国画艺术来龙去脉的领悟,更深入地欣赏一幅中国画。
仙山稻鱼香国画赏析
仙山稻鱼香国画赏析
《仙山稻鱼香国画赏析》
嘿，同学们，今天咱们来一起看看一幅特别的国画——《仙山稻鱼香》。
我第一次看到这幅画的时候，就感觉像是被拉进了一个神奇的小世界里。画里的山啊，那可真像是神仙住的地方。山峰一座接着一座，有的高耸入云，就像一个个巨人站在那里，守护着这片美丽的地方。山上的树郁郁葱葱的，那颜色绿得哟，就像有人把最鲜亮的绿色颜料一股脑儿都倒上去了一样。我就在想啊，这画里会不会真的藏着什么神仙呢？也许在那些树后面，就有个白胡子老头儿在那儿下棋或者练法术呢。
再看看山下的稻田，哎呀，那一片金黄，就像铺了一地的金子。风一吹呀，那些稻穗就像一群穿着金色衣服的小娃娃在跳舞，摇头晃脑的，可有趣了。我就想起我在乡下看到的稻田，到了丰收的时候也是这么一片热闹的景象。那时候我还跟着大人们去田里，结果不小心摔了一跤，弄了一身泥，就像个小泥猴似的，现在想起来还觉得好笑呢。
稻田里还有好多鱼呢。那些鱼画得可逼真了，感觉就像真的在水里游来游去。有的鱼嘴巴张得大大的，好像在说：“这儿的稻子可真香啊，我都想吃了。”我就寻思，鱼真的会吃稻子吗？可能不会吧，但是在这幅画里，感觉鱼和稻子就像是一家人似的，和谐得很。 这画里的颜色搭配也特别妙。就说这山的青、稻子的黄和鱼的黑灰吧，放在一起，一点也不突兀，就像有人精心调配的大餐一样。青的像那清凉的薄荷糖，让你看了心里就觉得清爽；黄的像那甜甜的蜂蜜，满是丰收的喜悦；黑灰的鱼呢，就像巧克力豆，给整个画面添了点俏皮。
我觉得这幅画不仅仅是好看，它好像还在讲一个故事呢。也许是在说这片仙山脚下的人们，靠着勤劳的双手种出了这么好的稻子，养出了这么肥的鱼，过着幸福的生活。又或许是在告诉我们，大自然就是这么神奇，山、稻子和鱼可以这么和谐地相处。
不过我也有点小疑问。这画里的仙山到底有没有路可以上去呢？要是有，上去之后能看到什么呢？是更多的稻田，还是真的有神仙的宫殿呢？我想啊，如果我能走进这幅画里，一定要去山上探个究竟。
国画部分作品赏析 小学美术
- 1 - 1、《富春山居图》黄公望 元
富春山居图是元朝的书画，以浙江富春江为背景，全图用墨淡雅，山和水的布置疏密得当，墨色浓淡干湿并用，极富于变化，是黄公望的代表作，被称为“中国十大传世名画”之一。《富春山居图》是黄公望七十九岁高龄时开始创作的。这幅纵33厘米，横636．9厘米的长卷，是他生活在富阳，又以富春江为题材推出的力作。为了画好这幅画，他终日不辞辛劳'奔波于富春江两岸，观察烟云变幻之奇，领略江山钓滩之胜，并身带纸笔，遇到好景，随时写生，富春江边的许多山村都留下他的足迹。深入的观察，真切的体验，丰富的素材，使《富春山居图》的创作有了扎实的生活基础，加上他晚年那炉火纯青的笔墨技法，因此落笔从容。这件宏幅巨制直到他谢世前不久才告完成，前后倾注了大约七年的心血，这是画家与富春山水情景交融的结晶。
- 2 - 2、《韩熙载夜宴图》 五代 顾闳中
《韩熙载夜宴图》是中国画史上的名作，中国十大传世名画之一。它以连环长卷的方式描摹了南唐巨宦韩熙载家开宴行乐的场景。韩熙载为避免南唐后主李煜的猜疑，以声色为韬晦之所，每每夜宴宏开，与宾客纵情嬉游。此图绘写的就是一次韩府夜宴的全过程。这幅长卷线条准确流畅，工细灵动，充满表现力。设色工丽雅致，且富于层次感，神韵独出。
- 3 - 3、《捣练图》 唐 张萱
《捣练图》卷是一幅工笔重设色画，表现贵族妇女捣练缝衣的工作场面。这幅长卷式的画画上共刻画了十二个人物形象，按劳动工序分成捣练、织线、熨烫三组场面。第一组描绘四个人以木杵捣练的情景；第二组画两人，一人坐在地毡上理线，一人坐于凳上缝纫，组成了织线的情景；第三组是几人熨烫的场景，还有一个年少的女孩，淘气地从布底下窜来窜去。
4、《五牛图》 唐 韩滉
韩滉《五牛图》，目前中国所见最早作于纸上的绘画。图上五牛的姿态各异，或行，或立，或俯首，或昂头，使这些牛也有了性情：活泼的、沉静的、爱喧闹的、胆怯乖僻的。韩滉以淳朴的画风和精湛的艺术技巧，表现了唐代画牛所达到的最高水平。
望庐山瀑布国画赏析
《望庐山瀑布》是一幅中国画，作者为唐代著名诗人李白。这幅画以庐山香炉峰为背景，描绘了瀑布从天而降、气势磅礴的景象。画中突出了瀑布的主体，以流水、山石、树木、云雾等元素为衬托，展现了自然景观的壮美与恢弘。
在构图上，画家运用了远近法、透视法和留白等技巧，将画面层次感和立体感表现得淋漓尽致。画中的山石以淡墨勾勒，水墨晕染，呈现出苍劲有力的质感；瀑布则用浓墨渲染，水流湍急，水雾缭绕，与山石形成强烈对比。画家还巧妙地运用云雾作为遮挡，使画面更具深远感和神秘感。
此外，画家通过诗与画的结合，使画面更具有意境和内涵。在画面的左上方，题有李白的《望庐山瀑布》一诗，诗与画相互呼应，相得益彰。李白在诗中描绘了香炉峰的美景，以及瀑布从天而降、如银河落九天的壮丽景象。画家则通过绘画将这种美景呈现在画布上，使观众能够更加直观地感受到诗的意境和画的美感。
在色彩运用上，画家采用了水墨淡彩的画法，以墨色为主，以色彩为辅。墨色呈现出山石的坚硬和质感，色彩则用于表现云雾和瀑布的水流，增强了画面的层次感和视觉效果。
总的来说，《望庐山瀑布》是一幅具有极高艺术价值的中国画。它以诗与画的结合展现了庐山瀑布的壮美与恢弘，运用了多种绘画技巧和元素，使画面层次丰富、意境深远。同时，画家通过诗与画的呼应，使观众能够更加深入地理解和感受画面的内涵和美感。 此外，《望庐山瀑布》还具有深刻的文化内涵和历史背景。庐山是中国著名的风景名胜区之一，自古以来就是文人墨客、诗人学士的胜地。李白作为唐代著名诗人，曾多次游览庐山，并留下了许多脍炙人口的诗篇。《望庐山瀑布》作为李白的代表作之一，不仅描绘了庐山香炉峰的美景，更表达了诗人对自然景观的热爱与敬畏之情。
这幅画作为中国画艺术的经典之作，不仅展示了古代文人的审美情趣和文化底蕴，也体现了中国画注重意境和内涵的特点。画家通过笔墨的运用和诗画的结合，将自然景观与人文情感相互交融，展现了中国传统文化的独特魅力。
国画《遵义会议》赏析
国画《遵义会议》赏析
为庆祝中国共产党成立100周年，由中央广播电视总台、中国国家博物馆、中央美术学院等机构联合制作的百集特别节目《美术经典中的党史》在中央广播电视总台播出。节目以画为体，以史为魂，从中国共产党成立以来各个历史时期，特别是党的十八大以来的美术作品中，遴选出100件最具代表性的美术经典作品，生动再现中国共产党100年来波澜壮阔的光辉历程。本期为大家介绍的党史中的一幅画是画家沈尧伊创作的油画《遵义会议》。
遵义会议是党的历史上一个生死攸关的转折点，在最危急的关头挽救了党，挽救了红军，挽救了中国革命。1994年，画家沈尧伊应原中国革命博物馆之邀，开始创作油画《遵义会议》，这幅油画成为新中国美术史上的经典作品之一。《遵义会议》以独特的构图形式，描绘了会议开会的那段时间里，20位参会者人物神态不同、内心世界各异的情景，完成了一幅真实可信的历史画作。画家通过空间的营造、人物形象的塑造和安排，很好的表达了遵义会议意义最深刻的一个场景。1935年，中央红军纵横11个省、历时1年又10天的二万五千里长征，3个多月的时间转战于遵义地区。遵义地区是中央红军停留时间最长的地域，举世闻名的遵义会议和四渡赤水战役就在此发生。遵义是著名的转折之城，在遵义会议后，红军才开始摆脱了数十万国民党军的围追堵截，取得了战略转移中的决定性胜利。在今天和平幸福年代回看历史，追忆先烈，遵义会议会址纪念馆里一幅幅纪录长征历史的油画让我们感动、动容、追忆。 近些年来，在商品大潮的冲击下，不少画家对革命历史题材的创作失去了兴趣。在各种美展中，不仅见不到革命历史题材作品，连主题性作品都越来越少。而著名油画大师沈尧伊对长征题材的创作，一直有着特殊的感情，画过不少这类题材的作品，他曾几次沿长征路线深入生活，访问过不少老红军，积累了大量素材，这就为创作好油画《遵义会议》奠定了坚实的基础。从现实来看，沈尧伊创作油画《遵义会议》是非常合适的。
国画基本技法赏析——点
国画基本技法赏析——点
历代山水画家重视点苔，明代唐志契《绘事微言》：“画不点苔，山无生气。昔人谓：'苔痕为美人簪花’，又谓：'画山容易点苔难’ ”。
清代方薰《山静居画论》：“古画有全不点苔者，有以苔为皴者。疏点密点、尖点圆点、横点竖点、及介叶水藻点之类，各有相当，斟酌用之，未可率意也。”国立艺术专科学校（中国美院前身）校长潘天寿讲“点上积点之法”说：“一，醒目点；二，糊涂点；三，错杂纷乱点。此三种点法，工于积墨者，自能知之。” 潇湘图
五代十国 董源 长卷 绢本 浅设色 50X141.4厘米
故宫博物院藏
董源的山体苔点中锋行笔，圆润饱满，疏密有致。树叶点法与山体苔点笔法一致，疏密、浓淡交替。浑然一体，平淡天真。 安处斋图
元 倪瓒 手卷 纸本 水墨 25.4×71.6厘米
台北故宫博物院藏
倪瓒苔点用焦墨、横点，笔笔分明，笔简意远，舒朗洒脱，幽秀旷逸。 青卞隐居图
元 王蒙 立轴 纸本 水墨 140.6×42.2厘米
上海博物馆藏
王蒙这张画中用到了“破笔点”，一个中锋散开成无数个小中锋，山石苔点与树叶并用，朴茂厚重，苍劲浑蒙。 清江幽居图
明 沈周 立轴 纸本 浅设色 174.3x71.7厘米
大英博物馆藏
沈周的点称为“马蹄点”，逆锋用笔，干湿并用，墨色兼施，疏密有致，厚重凝炼。与其线条粗厚老辣相映成趣。 搜尽奇峰打草稿图
清 石涛
长卷 纸本 水墨 42.8x285.5厘米
故宫博物院藏
石涛此画用点干湿并用、浓淡交替，密密麻麻，苍苍茫茫，酣畅淋漓。形成了“我用我法”、“搜尽奇峰打草稿”等绘画理念。
基于自然景象的不同，土山、石山的皴法和点法也不一样，苔点须适应皴法的变化。在山水画中，常见点苔于“石嘴山脊处”以明确结构关系；点苔于“山巅石隙” 处以帮助显示阴阳、向背、起伏；点苔于“山水交互处”，以加强层次变化；点苔于“界线未清”处以分出空间层次；点苔于“分界凹凸”处，以醒脉络转折。一幅画是由点、线、面三者结合构成的整体。点作为笔墨的造型手段，是整体画面的组成部分，因此画面加点不能游离于造型整体之外，使点苔不松散、不凌乱，达到“融合自然成一片”的造型要求。
中国当代著名国画家张仃四十六幅经典绘画作品赏析
中国当代著名国画家张仃四十六幅经典绘画作品赏析
主要作品有：《我们一定要解放台湾》《宗圣宫遗迹》《终南远眺》《枣林之晨》《颐和园知春亭》《颐和园后湖》《一夜雨》《野葡萄》《西湖岳庙》《西北炼油厂》《瓮城》《天津新港》《太行秋收》《苏州庭院》《苏州留园》《石景山钢铁厂》《山深春到迟》《三味书屋》《青龙桥》《农家老宅》《林海》《老井》《海滨》《海湾小镇》《富阳村头》《房山十渡写生·绝壁夕照》《谛听》《大连新港》《鞍钢在建设中》《紫砂艺人》《织网女》《灶头》《苏州近郊老农》《苗家绣女》《葵花与柿子》《纸老虎》《辛集面塑》《喜气临门》《人民翻身兴家立业》《捷足先登》《儿童劳军》《武陵源天桥》《太行十渡之秋》《丽江老街》《哪吒闹海》《中华人民共和国国徽图案》等。
中国当代著名国画家张仃《我们一定要解放台湾》赏析
张仃《我们一定要解放台湾》33x49cm中国美术馆藏——张仃捐赠作品 1950年作。
中国当代著名国画家张仃《宗圣宫遗迹》赏析 张仃《宗圣宫遗迹》68x138cm中国美术馆藏——张仃捐赠作品
1989年作
中国当代著名国画家张仃《终南远眺》赏析 张仃《终南远眺》90x57cm中国美术馆藏——张仃捐赠作品
1994年作。 中国当代著名国画家张仃《枣林之晨》赏析
张仃《枣林之晨》中国美术馆藏——张仃捐赠作品 1994年作。
中国当代著名国画家张仃《颐和园知春亭》赏析 张仃《颐和园知春亭》68.5x68.5cm张仃作品 60年代。
中国当代著名国画家张仃《颐和园后湖》赏析 张仃《颐和园后湖》70x70cm中国美术馆藏——张仃捐赠作品
70年代。
中国当代著名国画家张仃《一夜雨》赏析 张仃《一夜雨》68x68cm中国美术馆藏——张仃捐赠作品 1991年作。
中国当代著名国画家张仃《野葡萄》赏析 张仃《野葡萄》68x68cm中国美术馆藏——张仃捐赠作品 90年代。
中国当代著名国画家张仃《西湖岳庙》赏析 张仃《西湖岳庙》44x34cm中国美术馆藏——张仃捐赠作品
大美无言——闽籍名家朱家陆国画作品赏析
054艺苑/ Forum of Arts
《春更》69cm×136cm Copyright©博看网. All Rights Reserved. 0552022年第4期（总第130期）朱家陆生于1931年，原籍浙江宁波，长期在福建工作，曾从事搪瓷工艺美术设计，后为福建省文史馆馆员，创作不止。先生出身书香门第，从幼时起就研究传统，从海派开始，由吴昌硕、任伯年到徐文长，甚至于还有花鸟画之外的浙派山水画的笔墨，在每方面都下了很坚实的功夫，所以从笔墨、造型、构图的造诣上，可以说是学养深厚。几十年间，先生把书法融入绘画的同时借鉴西方的构成意识，探索出自己的艺术风格。他对自己的艺术观点进行了总结：一是“要超越时空，形成自我”。花鸟画在吴昌硕、齐白石、潘天寿已达到了相当的高度，此后往前每走一步都很难，这是花鸟画家和美术史论家都在困惑的一个问题。二是强调中国画要保持民族风格，主张中西艺术可以互补但又要拉开距离；还强调时代性与个性的表现，追求大方、潇洒、挺险的艺术境界，“单纯、朴素”是其构图的主宰。在花鸟画上，人们似乎只知道福建有陈子奋、郑乃珖，以及宋省予这样的地方性画家，而从历史上看，福建的花鸟画是有传统的，福建的画家可称为“闽派”。 明代边氏父子带到北京宫庭画院的花鸟体，对明清两代的院画产生了很大影响，但是这种地方画派的传统，在当今几乎消失了。朱先生的运笔速度比较急疾、豪放，线条的性格有一种不加修饰的直率感，画面结构也偏向动态，看上去充满花鸟形象运动的生机，既有文人气又偏离文人气中的雅、静、清等原则，这种风格与地方人文传统有暗合之处，也反映了朱先生强烈的、不平静的、奇倔的心理性格，这使他的画既有大写意花鸟的共同性，又有自己的个性。朱先生的画有一个突出的特点是其他一些绘画中不易见到的，那就是“野逸”的境界。这个“野”和“逸”实际上包括了两方面：所谓“逸”就是我们通常讲的文人画的传统文人的精神、文人的气质和学识，表现在画境中有 深厚的文化性，体现很高的修养；但是这个“野”并不是每个画家都能体现的，这个“野”字包括了画家个人的气质，甚至包括某些地方文化因素对画家的影响。画大写意画的人不少，但真正功力比较深厚、体现中国画特色的大写意花鸟画并不多见。朱家陆的作品属于文人画中的豪放派一路，他作画时充满了一股激情，没有雕琢、没有修饰，这是他的个性。韩愈有言：“至宝不雕琢。”这也是朱先生画风的可贵之处。在布局上，朱先生善用纵横交错的构图，尤其是在长条上采用横向取势与不同间距的线条穿插，使画面产生了一种新奇的韵律感。党的十八大以来，习近平总书记高度重视文化建设，多次强调要坚定文化自信，传承和弘扬中华优秀文化，继承革命文化，发展社会主义先进文化，不断铸就中华文化新辉煌，建设社会主义文化强国。朱先生在福建默默笔耕，积累经年，他表示“宇宙是无穷的，要穷其吾生而求吾画”，其所推陈出新的花鸟意境，当得起“大美无言”。 （文/景献钰） ——闽籍名家朱家陆国画作品赏析大美无言《紫藤小鸟》34cm×136cmCopyright©博看网. All Rights Reserved. 056艺苑/ Forum of Arts
青绿赋彩山水秀——刘旭国画《瀑布出云韵独清》赏析
ＷｅｎＳｈｉＺｈｅ ｌ文史哲
青绿赋彩山水秀 ——刘旭国画《瀑布出云韵独清》赏析 色 。 蒙 冬为玄英。”大自然一年四季的色彩变化的确能牵 动人的情思，从而引发艺术联想。在接受美学看 来，色彩甚至比形状、线条更能直接地影响人的情 绪。 中国画无论水墨、淡彩还是重彩哪种形式，其 色彩追求都越不出“随类赋彩”的范畴。若以此品 评画家刘旭的青绿山水作品，其设色之传统丰衍， 画面之平和雅逸，无不展现了自然的青翠交辉、清 醇至美。 刘旭的青绿山水画充满静雅秀爽的品格。一 幅《瀑布出云韵独清》图，设色建构均有出新。画 面以大幅青绿色块取形造势，尤以石绿色彩为重， 于或多或少、或大或小、或深或浅、或浓或淡的变 化中，造就峰峦云岫叠翠、烟岚气脉贯通，遂得盎 然生机。山之精彩浮动，全藉于树。刘旭注重林 ［封底佳作赏析］
木的视觉主体地位，多以墨线勾勒点画，与山体开 合和色彩抑扬相应合，参差错落不繁乱，生气顿 出。画远景，淡染淡晕，呈轻烟远渚无涣散，对比 中青绿色彩更为突出。在处理水时，刘旭极少作 大水面和长瀑流，多在坡脚交错、碎石幽涧之处留 出有限空白，塑造狭阔有致的河道和蜿蜒谐趣之 溪流，见气见眼，为画面色彩构成生发提神之效。 他还运用大面积重墨以衬托石青石绿，稳重而跌 宕，令色彩更为响亮。 观《瀑布出云韵独清》，觉刘旭山水画，见笔， 见墨，见染，见色，赋色不遗墨骨，墨以托色，色中 润墨，融合为贵。笔墨原自楚楚，令其作品洁整浓 郁见清冷畅和。刘旭作品师法古代山水画，但在 设色上以现代绘画理念强化丰富性。借鉴古人的 “青绿”语言来阐发自己对现代山水的理解，使刘 旭的青绿山水作品与传统样式必然不同。 责任编辑：杜蕊 静观察，沉着应付，韬光养晦，有所作为……”的方 针，使我们在国际关系错综复杂情况下能够处于主 动，在国内坚持“走自己的路”，“把自己的事情办 好”。他对国际形势冷静分析之后，作出了“第三次 世界大战打不起来”的判断，果断地裁军百万，把全 国工作的重心转移到国民经济建设上来。他说，“和 平与发展是当今世界的两大主题”，得到了国际社会 的普遍认同。 邓小平是一位既高瞻远瞩、又脚踏实地的政治 家。他不讲空话，不讲套话，不讲大话，不讲长话。 他的语言，人民群众听得懂、记得住，并能照着行动 起来。他为国家发展提出了“三步走”战略，第一步， 解决温饱问题；第二步，实现小康；第三步，达到中等 发达国家水平。句句言之有物，又言简意赅。开会 讲话，他强调要“话不离题”，说“没有话就把嘴巴一 闭”。他在“南方谈话”中还特别指出：“现在有个问 题，就是形式主义多。电视一打开，尽是会议。会议 多，文章太长，讲话也太长，而且内容重复，新的语言 并不很多。重复的话要讲，但要精简。形式主义也 是官僚主义，要腾出时间来多办实事，多做少说。”他 当年这些中肯的告诫，至今仍具有现实意义。 责任编辑：戚本逊 前线２０ ３ ７ Ｉ ９
齐白石作品赏析《荷花》
齐白石作品赏析之一荷花篇
笔墨是中国画中最重要的特点之一。中国画为什么这样强调笔墨呢?因为它标志看中国画的艺术性的重要郎分。肯定一幅画的优劣和价值的高低，与笔墨有极大的关系。中国画家通过笔墨才能画出想表达的事物。笔墨掌握得愈好，所表达的事物的精神也就愈突出。所以说，笔墨就是中国画家表达思想感情的手段。白石老人的绘画，就是用笔墨和形象高度密切结合的艺术，它是中国民族绘画的传统，是积累了千百年艺术实践的经验而又进一步创造发挥的成果。
荷花篇：
多年来，齐白石再传弟子、原上海齐白石书画院院长-少白汤发周先生通过走访新加坡、马来西亚、澳门、香港、以及北京、湖南等多地，探访关于齐白石书画艺术的成长和成功，齐白石早年做过木匠，临摹过《芥子园》画册，也奠定了他以后的国画基础。齐白石遂在吸取八大山人以及吴昌硕笔墨精神的基础上，自创了“红花墨叶”画荷法： 齐白石作品《荷花》 收录于：齐白石花卉·荷花篇 《齐白石花卉·荷花篇》里记载了齐白石用饱满的洋红直接泼写荷花，衬以黑呼呼的浓墨叶和用焦墨写就的荷梗，在红黑、浓淡、干湿的对比变化中形成鲜明奔放的视觉效果。表现出浓郁的民间审美趣味，传达了强烈的生命勃发意识。齐白石的画一扫传统文人画的荒寒之气，生机盎然，具有烂漫的情趣。七、八十岁时正是齐白石老人荷花创作高峰期，精品居多。 齐白石作品《荷花蜻蜓图》 此幅国画作品是齐白石老人八十七岁时所作，墨叶大红荷，是齐白石老人最喜欢的方式，他所用的基本上都是洋红、赭石、胭脂、藤黄色，此幅作品竖幅，构图大胆，墨色分明，干湿浓淡用的恰到好处，淡墨加重墨画荷叶，干墨勾叶径，洋红画荷花，用胭脂勾花径，藤黄点莲蕊，荷梗使用干墨侧锋穿插，湿墨点鸳鸯。整个画面给人丰富多彩，动静分明。 齐白石作品《花红荷丰鸳鸯梦》 此幅应叫《花红荷丰鸳鸯梦》，从此图可以看出齐白石老人内心很孤独，虽然那时候的他物质生活已经很丰富，名气也已经响当当，但是内心的孤独是不言而喻的，因为齐白石老人虽已年高，但是爱美的心始终不老。
赏国画（23）朱瞻基《五狸奴图卷》高清局部赏析
赏国画（23）朱瞻基《五狸奴图卷》高清局部赏析
朱瞻基（1398年－1435年1月31日），即明宣宗（1425年－1435年），明朝第五位皇帝。明仁宗朱高炽长子，幼年就非常受祖父朱棣与父亲的喜爱与赏识。永乐九年（1411年）被祖父立为皇太孙，数度随朱棣征讨蒙古。洪熙元年（1425年）即位。 朱瞻基在性格上，他与其父朱高炽相似，也具有他父亲那种对皇帝作用的理想主义的、然而是保守的想法。朱瞻基是文人和艺术的庇护人，他的统治的特点是其政治和文化方面的成就。在位期间文有「三杨」（杨士奇、杨荣、杨溥）、蹇义、夏原吉；武有英国公张辅，地方上又有像于谦、周忱这样的巡抚，一时人才济济，这使得当时政治清明，百姓安居乐业，经济得到空前的发展，朱瞻基与其父亲的统治加在一起虽短短十一年，但却被史学家们称之为「功绩堪比文景」，史称「仁宣之治」。 宣德十年（1435年）驾崩，终年38岁，葬景陵。庙号宣宗，谥号宪天崇道英明神圣钦文昭武宽仁纯孝章皇帝。
明 宣宗 唐苑嬉春图 美国纽约大都会艺术博物馆
年代：明