谈线在艺术中的运用——以保罗克利和本沙恩的绘画为例
浅谈中西方艺术作品中的“线”
浅谈中西方艺术作品中的“线”【摘要】西方绘画中的“线”始终是在为着造型的目的服务，在写实的绘画手段中属于次要位置。
中国画中“线”的独立性、审美趣味性和表现风格必然会给当代西方艺术的发展以深刻的影响。
反之，西方绘画艺术中对“线”的一些认识观念和现代的表现手段也值得当代中国画家借鉴。
【关键词】线中西方融通差异关于线的艺术作品可以追溯到西方最早的岩洞壁画——西班牙的雅尔塔米拉山洞《受伤的野牛》，中国最早的仰韶时代的彩陶纹样对线的应用。
虽然迄今已有几于年，但其艺术作品中线的造型作用和审美价值表现却始终是在承传和阐扬。
1 中国绘画作品中线的西用中国绘画作品中线的西用主要体现在中国近代画家吴作人与徐悲鸿身上，我们看到的是中国与西方风格的交替出现，不是融合。
他们的油画是写实的，水墨是中国的，两者结合有限。
而在将两种绘画，两种传统，两种风格的结合上，吴冠中比他们前进了许多。
我们可以看到，在一些国画近作中，吴冠中最得意之处是成功地运用了一些油画里不可能的技法。
这正是他最为人欣赏的个人风格。
古柏，石林或长城蜿蜒伸展，流动，全看那支中国毛笔向无尽处挥洒。
中国画家很久以前便开始运用水墨画手段勾勒线条构图的形象。
即使在古代风格的线——彩——墨技法被线墨不再明显分割的风格取代之后，即出现了讲究多种用笔形式之后，某些画家仍使用线勾勒形象。
这些画家的线描轮廓一般认为曲折，简练，而实则十分细致丰富。
吴冠中在这两类线条中找到出路，他自如的运用到了这两种传统，在他的默写老树作品中正是用交替重叠的毛笔线条构成形象。
他手握饱蘸墨汁的毛笔挥洒，或说不以他的意志为转移，毛笔在纸上的运动却为现代西方艺术观念所引导。
这里，我们再次看到吴冠中在两种相反文化之中求协调的苦心经营。
可以说，吴冠中对线条形式美的探索，把中国绘画艺术的“线”推进了一个新的发展时期。
2 西方艺术作品中线的中用文艺复兴时期绘画大师荷尔·拜因（德国，1497～1543）用冷静、理性的心态观察物象，绘画中抛弃了明暗阴影的约束，以洗练、简约的线条来表现任务肖像中的服饰、外貌和心理特征。
浅谈插画艺术中线的应用
浅谈插画艺术中线的应用在绘画艺术实现的过程中，线条是十分重要的构成要素，尤其是在进行插画创作的过程中，线条成为插画创作最基本的构成要素。
通过线条的展现，能够促使画面富有生命感，富有故事情节。
在知名的艺术家比亚兹莱的插画创作中，就十分擅长借助线条来进行画面的设计。
由此可见，线条对于插画艺术效果的呈现具有重要的意义，在进行绘画艺术设计的过程中，线条的应用十分重要。
在插画艺术中应用线条，不仅可以更好地将插画艺术形态呈现，同时也能够更好地将绘画者的艺术情感通过线条的表现进行呈现。
所以，在进行插画艺术设计的过程中，巧妙通过不同线条就能够巧妙地、更好地呈现插画的艺术情境。
一、插画概述插画与图案有着密切的关系，从图案产生开始，就为插画艺术提供了创作的依据。
插画具有一定的审美性，能起到沟通和交流的作用。
现代艺术家将一些生活现实以插画的形式进行展现，从而将插画的装饰作用发挥出来。
( 一) 插画的概念所谓插画艺术，按照学术界的观点，就是附在书刊中的图画形式，是一种独特的艺术形式，属于艺术设计的范畴。
从目前的画面创作来说，插画有的是用插页的形式穿插在书本中间，也有的直接是以插画的形式穿插在文字中间，借助插画艺术，可以更好地呈现故事情节，起到丰富故事情节的作用。
( 二) 插画的特点一般说来，插画往往是被应用在书籍或者漫画中，用于解说故事情节的内容。
因此，插画具有以下两个主要的特点。
1. 具有阐述故事情节的功能插画是借助画面表现的方式进行相关内容的阐述，所以，插画艺术本身必须具有一定的画面感。
在插画设计过程中，其目的是为了更好地进行故事情节的阐述。
在进行插画画面创作的过程中，故事情节展现是插画创作的主要特点，借助故事情节的融入，能够更好地实现插画艺术创作的目的。
2. 具有一定的思想表现和感染力插画艺术发展到今天，不仅仅是文字的陪衬，同时也是一种思想的表达，一种艺术感染力的呈现。
插画也成为一种多元化的艺术发展形式，被广泛应用于多种不同的行业和领域，通过插画能够更好地进行视觉艺术的表达。
线的艺术——浅析中西方绘画艺术中线的历史表现及异同
具有一定的格式化和强烈的节奏感。
欧洲文艺复兴时期(13一1 世纪)， 6 提倡
人康定斯基(俄国，866一1944)和蒙德里安 ， (荷兰1872一1944 十分注重绘画中线的构 )
成和精神的表达， 使线的本身意义发挥到了 一种极致， 线已经从西方传统的造型功能中 彻底的解放出来， 它既是一种表现形式 ， 同 时也就是表现的内容。 线条本身已成为一种 纯粹的视觉审美语言。 二、 中国绘画艺术中“ 的历史表现 线” 作为东方绘画艺术的代表。 中国绘画艺 术中的线不仅有“ 应物象形” 的功能意义， 更 具有对物象内在的本质表现， 并赋予了 “ 线” 在质感， 力度、 律韵方面其独特的审美价值。 中国画的线最早可 以追溯到仰韶时代 的彩陶纹样， 在其彩陶作品中， 多用鲜明、 生 动、 简洁有力的线条去描绘旋涡以及人形， 鱼虫， 鸟兽等形象， 表现了原始绘画艺术的 朴素， 雅拙的线条美。 出土于湖南长沙南部的陈家大山战国 墓中的帛画 人物夔凤图》以中国画“ 《 ， 白描” 勾线的手法， 线条简洁细腻， 表现了人物的 神态情感。 秦汉时期， 其墓室帛画和壁画中， 物象 仍以线描勾勒为先， 后再染色， 线条随笔而 流畅， 《 如 漆面罩彩绘鸟兽云气图冷 。 东汉 时期的画像石和画像砖虽人物多为点面表 现， 但其中的树草， 田禾， 水溪用线却精细而 又概括。吠盐并画像砖九 女 魏晋南北朝时期， 受其佛教的影响画面 色彩鲜明， 但人物服饰线条描绘有飘逸秀神 之感。 这个时期涌现了我国第一批确有历史 记载而具有很高绘画才能的著名画家。
毕加索(西班牙， 1881一1973)， 作为立
体主义的代表人物 ， 其绘画中的线简法有 力， 通过线对形的平面概括处理， 传递出丰
富 思 涵。 斯(法国， 的 想内 马蒂 1869一1954)，
线条在绘画艺术中的魅力
线条，是最简单的审美符号，也是绘画艺术最基本的原素，勾勒着多彩的世界，蕴含着丰富的生命情感。
西方画坛泰斗毕加索曾对中国画赞誉有加：“中国画真是神奇。
齐白石先生画水中的鱼，没有一点颜色，用一根线画水，却使人看到了江河，嗅到了水的清香，真是了不起的奇迹！有些画看上去一无所有，其实却包含着一切。
”本文从绘画中线条的源起、线条美的表现及线条在绘画中所体现审美意味几个角度，展示线条艺术的魅力和线条美的最高形式——有意味的形式。
一、线条的内涵中国艺术很早就创造性地运用线条来造型。
从原始彩陶到夏商周青铜器、汉代石刻、敦煌壁画、宋元水墨画、书法、建筑和园林艺术等，无不昭示着中国人对线条天生的领悟力和把握力。
唐代张彦远说“无线者非画也”。
唐代画家吴道子曾请斐将军为他舞剑，启发了他以线造型的灵感与丰富的想象力。
人们赞扬吴道子的人物画，用“吴带当风”来形容。
唐以来所推崇的画风“曹衣出水”、“吴带当风”的说法，以及所谓的“铁线描”、“兰叶描”是对线条所造成的绘画的雕塑感和飘逸洒脱的动态美生动的概括。
西方艺术重视线条也甚于色彩。
以康德为代表的西方美学传统一直贬低色彩，重视线条。
康德在《判断力批判》中说“渲染着轮廓的色彩是属于刺激的，它们固然能使对象本身给感觉以活泼的印象，却不能使它值得观照和美。
”而“素描是十分重要的，在素描里对于鉴赏重要的不是感觉的快感，而是单纯经由它的形式给人的愉快”。
因此，他有几分否定色彩，将它仅仅看成是提高了线条的可见度和价值的视觉刺激。
由上可以看出，中西方对线条的感知力和重视程度都在色彩之上。
人类对线条和色彩的审美感受有共同性，即色彩偏重于感觉，偏重于生理；线条偏重于精神，偏重于心理。
二、线条在绘画中运用的历程线条在绘画中的使用，最早可上溯到仰韶文化中的彩陶。
彩陶纹样最初为写实的，生动形象而多种多样的鱼纹（半坡）和鸟纹（庙底沟）蛙纹（马家窑）等，后来就逐渐演化成图案化、风格化、规范化的漩涡纹，大圆圈纹，拟目纹等。
“线”在美术作品中的重要作用
“线”在美术作品中的重要作用“线”是美术作品中最基本的语言单位和视觉艺术形态。
画面的组织离不开点、线、面。
线条是美术最基本的造型要素，是构成视觉艺术形象的一种基本符号，无论平面的还是立体的；不论是写实的，还是装饰的；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中，“线”作为美术家创造形象和表达思想感情的艺术语言，不但处于十分重要的地位，而且越来越多的表现出丰富的表现力及艺术美感。
在美术作品中，线有极强烈的直觉暗示力量，如李可染曾说齐白石的草虫“那两根敏锐的触须，真有一处即动的感觉”。
马蒂斯说过，他的素描只存在于一鼓作气的线条对比所作的空间分割和由此表现的情感在观众中唤起的共鸣中。
这又说出了线在构筑空间和表达情感时，运用起来表现力是十分丰富的。
古瓷上的龟裂纹，是线的自然构成，那分割出的疏密参差、变幻不定的小区域的几何形象，却有着十足的神秘韵趣。
明式家具以简练的线体切割了空间，显得大度、豪壮、洗练、富有生机，体现着人的尊贵。
线的符号性成为画家的重要标志，线的面貌也就反映了艺术家的面貌。
我们可以看到李苦禅的线与潘天寿的线之韵味分割相差甚远。
线是画家们之间绝不会混淆的个性显示。
安格尔曾说“线条就是素描，就是一切”。
德加喜欢纤细连贯而清晰的线条，认为这种线条是高雅风格的保证，是实现他所欣慕的那种美的唯一方法，线条成了他的欲望。
毕加索、马蒂斯都用线创作了大量动人的佳作。
艺术家们喜欢线，是因为线把世界和生命最辉煌最美好的瞬间记录下来，是那样快捷，那样概括，那样灵便，那样富有意味地凝结在自己面前，会得到无可比拟的创造的畅快与喜悦。
再则画面线的组合全靠“气韵”的统摄作用。
所谓“气韵”者，是指画幅线条形状和谐，大致要在两个方面实现：一是气贯，解决线在使用时可能出现的“单兵作战”的孤立感，组织好各种线的复合变化，注意线的走向，不杂乱，似以气脉贯通，有线处气脉相连，无线处也要意气相承，虚实相生。
气不足、不周，神韵乃去。
“线”在美术作品中的应用
“线”在美术作品中的应用作者：赵威来源：《大观》2014年第09期摘要：一直以来，无论是中国的美术作品还是西方的美术作品，“线”为最基本的要素，是美术中不可缺少的一部分，“线”的艺术之美是每一个艺术家都孜孜以求的。
关于“线”的观点，在美术界有着不同的观点，笔者从实际工作出发，在参考大量文献的基础上对东西方美术作品中“线”的作用进行了阐述，进而对“线”在美术作品中的具体应用进行了分析探讨。
关键词：线；美术作品；应用“线”可以说是美术创作中最基本的造型手段，在中西方的美术作品中都得到了广泛的应用，其具有其它艺术形态要素所没有的艺术美感。
著名的画家张彦远先生曾说过：“一幅画作如果没有线，那根本不能算在美术的范畴内。
”早在远古的岩画时期我们的祖先就已经利用“线”来表现绘画艺术了，而各国的文字也可以说是在“线”的基础之上产生的，由此可见“线”在美术作品中的巨大作用，因此对“线”在美术作品中的应用进行分析和探讨对于了解美术的形式、风格、表现力以及感受美术家的思维观念有着重要作用。
一、美术作品中“线”的作用（一）无穷的变化张力从本质来说，线其实就是点和面一种过渡，起着一种桥梁式的作用，但在美术作品中它却有着无穷的变化张力。
在中国的传统山水画之中，画家们通过毛笔将自己心中的情景表现出来，在这个过程之中无论是最基本的顺、拉、逆、提等绘画动作还是浓淡干湿的笔墨都充分体现出了线条的无限变化的张力之美，其直观强烈的丰富美感直入人心。
而在西方绘画之中无论是后现代艺术还是抽象艺术都在通过线的无穷变化张力来改变世界美术艺术。
（二）炫彩的意趣空间线条本身的表现是简单朴实的，但是其视觉形式也是多变的，不同的线条组合可以抽象情景，而这些情景所产生的意趣是丰富多彩的，能够给人们带来不同程度的影响。
一般来说，流畅的线条能够让人们产生一种愉悦之感，与其相反的曲线则会使欣赏者感到压抑；斜线是体现运动感的一种极佳方式，但是如果一幅作品中各种长短线条充斥其中，那么会让人们有一种紧张之感。
211102423_保罗·克利：颜料是我的琴弦
保罗•克利出身于瑞士，父亲是一名音乐老师，母亲是一位歌手。
因为从小就受到音乐氛围的熏陶，克利自幼就是一个天才小提琴手。
21岁时，克利在德国慕尼黑学习美术，当时的他还在犹豫未来的艺术生涯是选择音乐还是美术。
最终，克利选择了美术，理由是音乐已经走向完美，而绘画还有很多路可以走。
克利的绘画与音乐分不开，他的生活习惯是每天早上创作之前，都要拉一曲巴赫的作品，就像为美术创作而热身。
多年的音乐熏陶使克利的画作充满了音乐的痕迹。
音乐最重要的就是节奏，克利的绘画同样如此。
他总是在寻求画作中的平衡，作品里的色彩体现出张弛有度的和谐，就像富有节奏的音乐律动。
如在画作《节奏的三•四面》中，黑色、白色与灰（蓝）色的正方形和长方形沿水平、垂直方向有序排列，无论欣赏哪个色彩，你总能发现其中有节奏的排列法则。
画作《蛇形路线》中红色线条在棕色、黑白色的衬托下，以蛇的形式在四条有节奏、互相交织的线条中占主导地位。
明显的不同节奏，且对红色线条的强调，体现了音乐的节奏和韵律。
画作《北极解冻》则是克利想象中的北极景观，他在画的上部描绘了涌动的北极光，在画的中部和下部描绘了尖锐的冰山。
克利用的是带有节奏的简单线条，通过三条线交叉表现冰山的节奏，线条的上下浮动类似旋律的上下起伏。
《红色赋格曲》，1921《节奏的三•四面》，1930《蛇形路线》，1934主持：牙牙/责编：韦春艳/4C Copyright ©博看网. All Rights Reserved.《前往帕那苏斯山》，1930《北极解冻》，1920《大路与小径》，1929保罗•克利一些充满童趣的画作1929年，克利在埃及之旅后创作了《大路与小径》，这是他最具有音乐性的代表作之一。
这幅画的几何形式比较松散，让人想起音符，同时也有不完美和变化，表达出克利的理念：构图应该自洽，而不是去遵从什么严格的规则。
之后，克利又把“复调音乐”的概念引入绘画，他画了许多这类作品，《前往帕那苏斯山》就是克利“复调音乐绘画”的巅峰之作。
谈保罗·克利绘画对空间情感表达的借鉴意义
谈保罗•克利绘画对空间情感表达的借鉴意义□付中杰陈忠强摘要:现在的很多空间研究以家具、装饰、材料等作为切入点，探讨人与空间产生的情感交流,但很少涉及人的精神层面。
保罗•克利作为一名画家，在创作一幅作晶时本质上的设计方法与设计师设计空间有共通之处，感性在设计过程中占了大部分比重。
正如保罗•克利每幅作晶都有其个性，设计师在设计具体空间时也不会出现一模一样的拓版，作晶中也常常会出现对空间的描述。
因此，艺术家对空间的描述会对设计师产生借鉴意义。
该文从保罗・克利二维绘画表现空间的作品入手，分析其画面形式和蕴含的情感表达,探讨其对情感化空间的借鉴意义,并通过这些研究对情感化空间的未来趋势作出预测。
关键词:保罗•克利情感设计空间人工智能综观保罗•克利(Paul Klee)的作品，描绘的元素较为多样，风格变化较大，没有苛刻固定的艺术语言，每一幅都蕴含了其内心的情感，需要观者的进一步解读。
“外师造化，中得心源”便如同保罗•克利的创作理念。
空间在他的作品中更多是作为表达情感的媒介，甚至作为一种元素，就如苏珊•朗格所说：“只有表达一定意义的形式才是有意味的形式，它是明确表达情感的符号，并传达难以捉摸却又为人熟悉的感觉。
”8°一、保罗•克利绘画的内涵保罗•克利将自己的旅行经历、对宇宙空间和自然万物的探索同创作相结合，并将艺术化作情感符号表达自己。
他曾说：“在自然的发源地里，在创作的源泉中，在那里完好地保管着打开所有困难和疑惑的机密钥匙。
”他认为艺术家应在自然中寻找适合自已的创作方式。
如苏珊•朗格所说:“艺术家的工作就是创作情感的符号，这种创作需要各种技巧和技艺。
一个艺术家不仅要知道尽人皆知的基本技巧一运笔技法、语言技巧、刮校木条、开凿石块、演唱曲调，还要学会自己的目的所需要的技巧，而他的目的就是创造一个具有表现形式的虚幻的对象。
”叫他对自然的探索没有停留在具象事物的表态上，而是推理至宇宙空间，思考表态背后的动力学、平衡等一些构成规律。
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美术时空
ARTEDUCATIONRESEARCH
本 沙恩会利用相机辅助自己的创作。由于相机只有一个取 景镜框，其拍摄的照片往往比人眼所观察的更为平面化。之后， 本 沙恩再通过观察照片进行艺术创作。本 沙恩时常会抓拍一些 生活中有趣的琐碎画面，这使他十分激动，并认为这样会使作品更 加具有人情味，更能体现当事人的情感。如作品《巴尔托洛梅奥 万泽提和尼古拉 萨科》（图 3），这是本 沙恩最著名的作品之一， 原照片拍摄于 1921年，根据当时著名的万泽提和萨科案进行创 作。本 沙恩将原照片的黑白背景改为褐色，用白色线勾勒出门 框，使其与画面中的人物形成距离感，并用富有张力的线条特写人 物的面部表情，通过不对称的眼睛诉说被告人证明自己清白的奔 波劳累。人物衣服宽松、凌乱，肩膀如同被人削去一般。整幅画使 人感觉肃穆、愤怒、悲伤。看似笨重的线条，却隐约透露出真实的 图 1 情感。这种情感不是清晰的，而是强有力的。
一、保罗 克利与线的艺术
生于 1879年的保罗 克利是一位反清晰的艺术家。他与表 现主义、立体主义、未来主义、超现实主义和抽象主义等都有很 多联系，但是他的画作却难以被归为其中任何一类。保罗 克利 通常会与他的同行保持距离，并以自己的方式诠释新的艺术趋 势。在身为音乐家父母的培育下，保罗 克利自幼年时便具有艺 术家的潜质，深爱思考，通过音乐构架出自己独特的思想价值 观，从而创作出具有深刻内涵的艺术作品。“保罗 克利是一个浪 漫又神秘的艺术家，他把创作绘画的过程，看作一次次在自然界 中不可思议的体验过程，在这个过程中，他把得到的启发以及内
在艺术发展历程中，有许多艺术作品在不知道作者是谁、只 观赏到画面时，人们便已经清楚可能是某位艺术家所创作的。 对于美术史学家而言，这些作品充满了画家的个性化特征。即 使是题材和画面较为相似的作品，观者也能从画面线条的流动 看出不同之处。日本江户时代著名作家夏目漱石在他的长篇小 说《我是猫》中说“十人十色”，意为每个人的思维方式不同，所以 每个人都是独立个体。德国画家阿德里安 路德维格 里克特在 他的回忆录里讲述了一件事情：他和三个伙伴一起画风景，四人 都一丝不苟地参照自然作画。虽然画作主题一样，每个人都严 格按照自己眼中看到的风景描绘，但四人最终完成了四幅完全 不同的风景画。因此，许多艺术家开始把重点从清晰的写实转 向模糊的写意，弱化了形体的画面，使作品更具情绪的渲染力， 也更能体现他们想要表达的内心世界。
谈线在艺术中的运用
——以保罗 克利和本 沙恩的绘画为例
□罗廷伟 陈忠强
摘 要：保罗 克利是一位浪漫、神秘的艺术家，他通过无形、无序、杂乱的线条和颜色创作出具有律动感的艺术作品。他在创作 艺术的过程中，把内心的幻象与对外部世界的体验结合起来。本 沙恩的艺术作品混合了多种风格，他擅长弱化清晰的事物，利用线 条勾绘出具有强烈表现力的视觉语言。因此，人们经常将本 沙恩与同时期的保罗 克利作比较。
关键词：线 艺术 艺术风格来自从原始社会开始，人类就通过朴实的线条刻画自然事物， 如，西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画中，以简单的线条刻出俯卧在地 的野牛的清晰轮廓。原始时期，先民用简单的线条绘出眼睛所 见的真实场景，而现代的艺术家也会运用线条、形状和颜色叙述 自己的真实所见。
在巴洛克风格盛行以前，人们对艺术表现的评判往往以“清 晰”为标准。“清晰”即对于所有形体都要求具有既定的外观，画 作被要求以展示出最细致、完整的形体为目标。如梅西斯的《一 场皮奎特游戏》（图 1），画中人物表情刻画细腻复杂，观众的种种 表情栩栩如生，富有质感。当时的人追求艺术的清晰，画面中的 细节一览无余，每个部分都被完全展示，每个形状都被赋予了独 特的含义。之后的巴洛克风格开始避免这类追求极限的清晰， 为观者创造出更大的想象空间。
心的幻象和对外部世界的体验结合起来。”①如，《吱吱叫的机器》 （图 2）的画面并不像传统的艺术作品一般具有完整性、清晰性， 画面中只有用线条勾勒出的小鸟与摇杆把手，其形状令人想起 毕加索的画作《格尔尼卡》。这两幅作品都是通过扭曲的线条构 成 画 面 中 杂 乱 而 又 不 真 实 的 物 体 ，而 杂 乱 中 又 具 有 一 定 的 规 律。在《吱吱叫的机器》中，画面四周像是不经意之间染上了苋 红色，而画面中间是相对的天蓝色，两种色彩的重叠处又变成了 紫色；画面主体是用线条构成的小鸟站在扭曲成波浪状的摇杆 把手延长线上，在摇杆把手延长线尾部通过一根细细的线连接 在底部的茶几上。对于这幅作品，不同人有不同的看法。有的 人认为画面中的鸟是引诱受害者进入陷阱的恶魔噪声机器；有 的人认为图中的鸟与机器是被强行结合的，暗示了保罗 克利对 动物与机器、有机物与机械的兴趣，也是对实验室科学的一种讽 刺。但保罗 克利并没有给画作一个清晰的定义，他这样评价自 己的作品：不是模仿自然，而是制造“第二视觉”。在“第二视觉” 中，保罗 克利为观者展现了一个他所创造的朦胧的世界，在这 个世界中，每位观者都能找到自己对这幅作品的独特诠释。
二、本 沙恩与线的艺术
自 1826年发明摄影术后，在艺术界一直存在着关于其价值 的争论。一部分人认为，摄影会冲击现有的绘画艺术的地位，其 精准度超越了以往人们对艺术画作追求清晰的看法。同时，也 有一些赞同、接受摄影术的艺术家存在，本 沙恩就是其中之一。
本 沙恩的艺术作品混合了多种风格，他擅长弱化清晰的事 物，利用线条勾绘出具有强烈表现力的视觉语言。因此，人们经 常将本 沙恩与同时期的保罗 克利比较。评论家托马斯 黑斯 发现，本 沙恩的线条表现出“描绘庞大笨重的形体，但仍隐含着 微妙的书卷气”，使人联想到保罗 克利的线条。