当代美国电影艺术

战后意大利和法国电影继承曼、普鲁斯特、皮兰德娄和萨特的传统，在生活中竭力探索真正富有生命力的价值，推出了一批世界级的严肃的、存在主义的、现代主义的电影艺术大师和作品，意大利和法国的电影运动——新现实主义与新浪潮——使电影美学与价值发生革命化的变化。

欧洲电影对心理问题的关注使它成为20世纪思想和文学的主流之中。

它所涉及与讨论的心理问题正是卡夫卡、庞德、乔依斯、普鲁斯特、曼、沃尔夫、福克纳、贝克特等伟大作家所探索与阐释的。

这影响了美国电影，波及好莱坞。

意大利电影运动更关注内容，从社会文本出发，对普通人的生存状态进行仔细的观察，表现了对工人阶级的同情与对政治问题讨论的热情。

意大利电影通过内容创造一种新的风格，法国电影通过风格创造了一种新的内容。

欧洲的电影往往围绕一个主题或心理问题展开，而不象好莱坞那样仅仅是讲故事。

正当美国电影在探索如何面对宽银幕的美学挑战时，意大利电影革命和法国电影革命都对好莱坞在内容和风格上产生巨大的影响。

它们迫使美国电影制作人重新思考摄影的现实主义问题，形式的政治性以及电影时空的形而上概念。

它们提供了应对20世纪后半斯社会危机和美学挑战的规范，使美国电影进入了一个崭新的时代。

世界电影的艺术复兴的潮流包括意大利电影大师罗塞里尼、维斯孔蒂、费里尼、安东尼奥尼的作品和法国新浪潮特吕福、戈达尔的作品。

对于这股艺术复兴的潮流，好莱坞贡献甚微，它只有受这股潮流冲击的份儿。

好莱坞失去它昔日在世界电影中独领风骚的地位。

在这样的批评气氛中，“新颖”就成为美国电影追求的首要目标。

在低成本制作的试验性电影中，出现了所谓的“新美国电影”，包括乔纳斯?梅卡斯、肯尼思?安杰尔、约翰?卡萨凡茨的作品。

新美国电影表明了一种与经典主义决裂的意愿。

在好莱坞，有一群原来是电视的导演，包括西德尼?卢默特和亚瑟?潘恩，成为新一代的导演，将对社会问题的关注与风格试验结合起来，成为美国的“新浪潮”。

这是美国电影对世界电影的现代主义思潮的一个积极的回应。

从欧洲进口的影片，特别是《罗马，不设防的城市》（1945），对好莱坞产生重大影响。

这些影片是艺术上极好的影片，对于现实有一种激情和理解，用实地拍摄，制作很低，作者和导演都是极有才能的人们。

这给美国电影艺术的精英以极大的启示。

战后好莱坞向准记录片——现场拍摄和引用大量事实材料——靠近的倾向，特别是在象《裸城》这样的匪徒片中。

欧洲的主创导演论(auteur theory)对美国电影的影响是巨大的。

一方面，这些电影的成功使电影制片厂总裁们确信主创导演的品牌和以导演艺术个性为基础而拍摄的影片可以为影片销售提供一个不同的手段。

另一方面，主创导演论使美国电影大大地年轻化。

不仅导演年轻了，而且年轻导演执导的影片更加迎合年轻观众的兴趣。

当美国电影的传统特点和欧洲电影的新导演和新浪潮的理智复杂性和风格的创新结合在一起，企图回答当代美国的问题，好莱坞的复兴便开始了。

标志这场好莱坞复兴开端的应该算是亚瑟?潘恩的《邦尼与克莱德》（1967）。

这部电影是一部有实质性内容的卖座率极高的影片，建立了好莱坞新一类电影的信誉。

它对美国生活中犯罪作了诗意的描写，动作迅猛，对话简洁，表演干脆利落，不拖泥带水，也表现了传统的好莱坞娱乐片的特点。

按照好莱坞浪漫主义精神，《邦尼与克莱德》用一种现代的方式宣告对世界持怀疑态度的游离于社会之外的硬汉子的独立性。

它宣告旧好莱坞主人公的死亡，过去的坏人成为电影中的好人，成为令人尊敬的社会的捍卫者。

影片与它的主角保持一定的距离，给观众心理上一种紧张感和不平衡感。

影片既没有为主人公行为提供任何依据，也不对他们的行为作道德判断。

它表现当代美国的问题，特别是暴力在美国社会中的作用。

《时代》周刊将《邦德与克莱德》视为美国电影文化的复兴。

《时代》的封面文章提到了“新电影”，认为“新电影”源自欧洲，现在好莱坞终于成为新电影的一部分。

新电影叙事复杂，将电影技巧放在十分重要的位置，不拘泥于一种电影类型，允许电影类型的交叉，同时每每以禁忌话题为主题。

这是《时代》所谓的新电影的特点。

它成为美国文学、绘画和音乐对传统道德和美学原则提出质疑的潮流的一部分。

总之，意大利新现实主义和法国新浪潮对美国电影的影响，我想可以归纳为以下几点：1. 它们促使美国电影更为关注社会现实问题，特别是在60年代民权运动的社会环境中，美国电影不可能无视种族问题和下层劳动人民的生存状态；这是对“梦幻工厂”的一个巨大的冲击；2. 意大利新现实主义刺激了一批地下电影制片人制作关注现实的低成本的电影，间接地刺激了美国电影的繁荣；3. 法国新浪潮的全新的电影时空观念促使一批美国电影艺术家在电影的技巧上更为现代，更为抽象而大获成功；4. 意大利和法国电影的政治性，诸如对性别政治的关注，引发了黑人电影、女性电影、同性恋电影在美国的发展；5. 意大利和法国电影在电影结构上的全新概念促使好莱坞重新审视20、30年代以来的电影公式化、类型化传统，促使一批心理描写的电影的产生。

这些电影不再依赖直线的故事和叙述，而依赖心理的与主题的展开；6. 意大利和法国电影对电影美学和艺术的关注促使好莱坞有些电影艺术家除了关注电影的娱乐性之外，还关注电影的艺术性，拍出了一批艺术水平极高的电影。

新好莱坞的出现是战后美国电影史上的一个重要事件。

新好莱坞是美国社会文化发展的产物，同时又对美国社会文化产生了影响。

新好莱坞起始于战后的岁月，在60年代得到发展。

这是由一系列事件造成的，如对好莱坞主要电影制片厂的反垄断裁决，看电影人数的骤降，和电视的兴起。

新好莱坞是指美国电影在经济—社会组织和文化表述形式上的根本性变化，表明美国电影经典主义时代的结束，在美国主流电影中，占统治地位的美学形式和组织瓦解。

虽然在风格和组织上存在一定的连续性，好莱坞经历了一些根本性的变化。

新好莱坞必须寻觅与探索新的美学的、社会的、道德的、心理的、政治的内容。

新好莱坞电影是不纯洁的，较为松弛，十分灵活的电影，矛盾的美学方法，如经典性的剪辑，表现主义，现实主义并存，而不是一味地追求分镜头剧本；它将各种类型的电影揉合在一起，而不追求类型的纯洁性；它追求表现有争议的话题，特别是禁忌话题。

这是一种艺术发展的必然趋势。

这种艺术发展的结果是电影作为一种媒介更为现实地表现世界。

新好莱坞放弃了关于美国男子的传统形象：成熟，积极，有效率，优雅，坚忍，而专注了一种新的以蒙哥马利?克利夫特、马龙?白兰度、詹姆斯?迪安为代表的男性形象。

这类男性电影明显的崛起和战后美国文化的代际演变是联系在一起的。

占50年代电影观众大多数的年青人不再满足于他们父辈的政治与物质成就，开始对传统价值和生活方式提出质问，由此产生了美国社会中的少年反叛与犯罪问题。

在美国文学上的经典之作是萨林格的《麦田守望者》。

新好莱坞也很快关注了这种文化演变，选择了白兰度和迪安来表现这反叛的年轻的一代。

这些电影形象和传统的男性形象不同，他们是本质上幼稚的一群，靠本能冲动行事，自由散漫，以自己的稚气外表为骄傲。

他们能够在电影院中激发起激烈的热烈的反应，他们的新的性格类型是一种全新的类型，是对过去英雄主义概念的全面否定：英雄对自己的行为是不负责任的，疯狂的幼稚的少年成为一个罗曼蒂克的英雄。

新好莱坞拍摄这些新的英雄，或者说反英雄，在于吸引年轻的男性观众。

在60年代末，美国电影对其基本走向作了重新的定位，这种走向由于它对反文化的皈依而更加巩固了。

1968年的反文化的《逍遥骑士》，与50年代凯鲁亚克的小说《在路上》有异曲同工之妙。

它们是60年代美国整个文化氛围的产物。

在这些现代美国电影中，主人公的情绪越来越失落，影片几乎没有中心动力和戏剧性。

现代电影的主人公的行动没有明确的目的，也没有明确的道德与社会目标，只听命于完全非理性的暴力的驱动。

现代电影象征英雄个人的垮台，电影不描写明确的结局，因此它们的结尾总是暧昧而朦胧的。

新好莱坞电影对世界则采取一种自由主义的看法，由此产生对美国梦、思想和动力的怀疑主义，由此产生激进主义。

这种变化一方面是由于电影的地位造成的，另一方面也是因为观众的构成的变化造成的。

新好莱坞服务于在意识形态上属于少数的人群，反映他们的不满与反叛情绪。

新好莱坞的自由主义的回应以描写上路流浪的影片为代表。

在这些电影中，主人公的行为没有任何动机，上路本身就是目的，以发泄主人公的失望感和犬儒主义。

在70年代中期，好莱坞经历了一个美学和文化的重新定位。

这种重新定位以《大白鲨》（1975）和《星球大战》（1977）为标志。

在70年代后半期，好莱坞在其重新定位中越来越强调特技和宏伟的场景，回归到保守的政治立场和心理，同时越来越强调拍摄大制作的巨片。

1967-1975年是美国电影史上一个特别的时期。

在这个时期中，艺术上雄心勃勃、政治上进步的影片在商业上也极为成功，而且在与保守的电影界进行竞争时毫不逊色。

人们普遍认为大卫?林奇的《蓝色的丝绒》（1986）——一部关于性觉醒、纯真与家庭关系的影片——标志美国电影后现代的开始。

后现代电影的主要特点是什么呢？这至少有3点。

1. 电影事业的组织体系具有后现代的特点。

好莱坞经历了从福特式的大生产（电影制片厂体系）到更为灵活的独立电影制作体系（新好莱坞和后新好莱坞时期），独立电影制作体系具有后现代经济的特点。

同时，好莱坞融入多元的媒体大集团公司使工业、技术、和文化形式之间的界限模糊，这也是后现代的一大特点。

2. 电影在许多方面表现后现代的主题和后现代社会的形象。

当代科幻片表现那些糟透了的社会形象，这是与后现代对社会进步失去信心的思想有关。

3. 电影表现与后现代文化实践有关的美学特征（如折衷主义和传统的艺术阶梯的丧失）。

自从新好莱坞在60年代末发展之后，好莱坞电影的后现代文化是浮浅的，代表形象的或假象的一种新的文化，是一种新的空间化的瞬间，创造一种新的情绪基调，这意味着情感的趋弱，如《中国城》（1974）和《体热》（1981）。

它们是东拼西凑的大杂烩，引用大量其他的文本，这些典型的后现代电影失去了历史的深度，它们不可能再现过去的真实，而仅仅是对过去的风格的一种摹仿而已。

后现代的好莱坞“空泛”，在意识形态上是保守主义的。

60年代末和70年代初的对形式的创新和对社会问题的关注便让位给70年代中期，特别是《星球大战》大获成功后的更为世俗的和保守的好莱坞电影。

这样，新好莱坞的现代主义被后现代美国电影所取代，后现代美国电影致力于完全根除60年代和70年代的试验成果。

新好莱坞十分关注电影历史，电影技巧，将高尚的和世俗的低下的艺术结合在一起（如欧洲的艺术电影和好莱坞的类型电影）。

事实上，虽然许多后新好莱坞电影回归了叙事和性格描写的经典传统，但它们仍然致力于借鉴各类型电影的成份。

美国电影的发展与美国20世纪后半期整个社会文化的发展轨迹是一致的。