油画人物肖像的起源和发展
浅析油画人物肖像的起源和发展
肖像画是描绘具体人物形象与神态的一种绘画体裁，力求描绘真实而富有典型特征的人物形象。西方肖像画起源于古罗马帝国，最初是从宗教画分离出来的。我们有记载的美术史，是以从奥地利维伦多夫地方发现的一个妇女石雕像开始叙述的。这件仅有10多厘米高的小石像，被考证为公元前30000年～25000年的史前文明遗迹。她低着密布卷发的头，却被略去了面容，硕大无比的一对乳房，如小山丘一般堆置在饱满之极的腹部之上，造型极实在又极夸张。这是一个始祖母的形象，在荒蛮时期，她是人类先祖们对生命能得以延续，对生殖、对性神秘力量崇拜的女神偶像。她标志着肖像艺术有着最古老的起源。人类可模仿、可描绘的宇宙万象之中，人当然最先关注自身形象。无论是出于崇拜，出于敬仰、亲爱，出于对美的倾慕、怀念或者出于憎恶、仇恨、鄙视，肖像作品都可能成为这种种感情借以对话的媒介，因而有史以来肖像作品的创作都源于人们自我相互关照的需要。
油画肖像艺术的发展经历了以下几个阶段：
一、表现另一个自我阶段
古埃及的法老们，在他们的宫殿和陵墓中，为了永远地拥有另一个自我，驱使艺术家们为他们及其后妃与亲属、随从等制作肖像，这些被指令要求仿真人的雕塑与绘画，在古埃及艺术家手中产生了惊人的写实感觉，同时又形成了高度概括的装饰性效果，具有一种庄严、宏伟肃穆而神圣的意象。埃及艺术气度博大，影响波及古希
油画人物写生的注意事项
除极少数国家和地区以外，人物画几乎是全人类各民族进行艺术表现的第一主题。可以说一部西方艺术史就是在研究如何表现人这一主题的过程中发展起来的。 油画由于其所具有的那种丰富的表现能力，它在记录人的音容笑貌、人类的社会活动和揭示人的精神世界的各个方面都具有得天独厚的功能。 用油画这一艺术形式去表现“人”这一永恒的主题离不开人物写生。人物写生主要包括头像写生、半身着衣人像写生（含全身着衣人像）和人体写生三个大的部分。由于“人”本身所具有的那种造型的复杂性和人们对于“人”自身的熟悉程度，往往会对人物画的方方面面较之静物、风景提出更高的要求（特别是在造型的准确性上提出更高的要求）。如何在较短的时间内通过有效学习使我们可以较快地基本掌握人物画的表现方法，这对于教与学的双方都是一个甚为复杂的课题。 1. 头像写生 人的头部是人们认识某人和与他人相区别的基本特征所在，是记录其社会属性和传达内心情感的最为重要的关键部位。由于其在生理结构本身所具有的复杂性和通过其可以传达出的精神世界的丰富性，
都使我们在对之进行写生时必须先经过静物、风景的学习并拥有相应的油画写生的知识和能力，方可得以顺利地进行。同时因为头像写生本身所具备的那种造型上的难度，因此它又对有关人物画的其他各方面的练习具有一定的启动作用。当我们具备了一定的关于人物头像写生的知识并在实践中可以游刃有余的时候，这就意味着我们已为后一步的学习铺平了道路。 我们可以从如下几个方面来组织和进行一幅人物头像的练习。 (1)挑选模特 进行油画人物写生练习时应尽量去挑选那些个性特征比较突出的模特儿。世人心目中那种长相乖巧漂亮的面孔往往并不一定适合作为绘画表现的对象。这既是因为一个个性特征突出的人物形象，其本身所具备的那种生动的表现性有助于锻炼我们大胆的处理和概括对象的能力，而那种乖巧的形象由于其五官各部的过分精致，反而会妨碍我们抓大体，特别是初学者在作画时谨小慎微，从一开始就易于陷入被动的亦步亦趋的描摹之中。这也是一个美学上的问题，要将那种艺术的美和生活中的“漂亮”区分开来，从学画之始就应该树立起这种观念。 （2l设置对象
茶叶的起源与发展历史及种类
一、茶叶的起源与发展历史 1、中国是最早发现和利用茶的国家 ①神农尝百草至今有5000多年的历史： ②我国的地区有树龄超过2000年的野生大树： ③茶叶是从唐朝起自我国向朝鲜、日本、荷兰、葡萄牙、英国、俄国、美国等传播： ④茶称谓起源于中国。 2、茶叶在我国的发展历史 我国是世界上最早发现、栽培、利用茶叶的国家。据历史资料考证，茶树起源于中国。早在5000多年前，我们祖先就发现茶有解毒的功效。中国是茶的故乡。经过漫长的历史跋涉，现在茶已经在全世界50多个国家中扎下了根，茶叶已经成为风靡世界的三大无酒精饮料之一。 ①神农时期：大约5000年前，茶生叶被用来煮着喝，作药用； ②春秋时期至西汉初：大约2000年前，茶叶作为食用； ③汉朝：1500年以前，茶叶已成为宫廷饮料；开始制作茶饼，以便运输。是我国最早的茶叶集散中心； ④唐代：1200年以前，受唐代经济、文化的影响，陆羽《茶经》的倡导，饮茶已十分普及，兴起茶道； ⑤宋代：1000年以前，讲究水质、斗茶活动，是茶文化发展的鼎盛时期，已达登峰造极； ⑥明代：据今600多年，朱元璋下诏“摆造龙团，惟芽茶以进”，撒茶开始流行；黄茶、黑茶和花茶的工艺相继形成； ⑦清代：300年以前，茶馆开始盛行，中国茶开始大量出口，独布世界茶市，乌龙茶、红茶、白茶的工艺相继形成：
⑧清末至建国前，由于清政府腐败和战乱，茶道走向衰弱： ⑨改革开放后，政府的支持和重视并随着人民生活水平的提高，茶道开始复兴。 二、茶区的分布 1、世界茶区分布 有50多个国家和地区产茶，分布在世界五，其中亚洲的面积最大，并以中国为最。 印度和斯里兰卡等国以生产红茶为主，出口占据欧洲市场的主要部分；日本主要生产蒸青绿茶，有小部分乌龙茶；中国的茶叶种类最齐全，有六大茶类。 2、中国茶区分布 四大茶区：江南茶区、江北茶区、华南茶区、西南茶区。
古典油画
古典油画.txt其实全世界最幸福的童话，不过是一起度过柴米油盐的岁月。一个人愿意等待，另一个人才愿意出现。感情有时候只是一个人的事，和任何人无关。爱，或者不爱，只能自行了断。古典油画古典油画(5张) 600年前起源于欧洲，大公元1th 油画（an oil painting; a painting in oils）是以用快干性的植物油（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。油画是西洋画的主要画种之一。人类最早使用的颜料是以水溶性材料为主的。在早期绘画中自发地以水、树胶或动物胶等天然的物质作为颜料的稀释剂和粘合剂是十分自然的，它们取材方便，使用简单，这在东西方早期绘画中是一致的。今天的水彩和水粉的颜料等都是水性媒介型的，其表现技法自由、流畅，可产生轻快、透明的效果，也是中国画、日本画等东方绘画的主要材料类型。古代欧洲的画家们在谙熟和热衷于坦培拉绘画技法的同时，渐渐发现了它的缺陷与不足，比如：颜色之间难以融合晕接，色彩不够柔和光艳，小笔多次排线过于费力，以及在潮湿的气候条件下易发霉和低度抗碰撞能力。鉴于此，画家们发明了用透明漆上光以保护画面的办法。而后又有人在坦培拉底层画面上做多层透明色罩染，后称之为上光油画术或釉染法，这便形成了混合技法，一种非坦培拉绘画亦非油画的技法。达·芬奇的《最后的晚餐》就是油性坦培拉绘画。达·芬奇对油性颜料进行过多次研究运用，但技术不够成熟，致使许多作品没能留存下来。油画的发明者是谁？单纯用油做绘画媒剂，在拜占庭时代就有人试验过。据记载，这种画放在烈日下曝晒数月仍不会干燥。1200年，僧侣西奥费尔·鲁济罗斯写了有关油画论文《多样化的艺术形式》，在这篇论文中，他介绍了亚麻仁油和阿拉伯树脂的使用方法。13世纪末在英伦三岛出现过类似油画的绘画。14世纪末，尼德兰的两位画家凡·爱克兄弟（杨·凡·爱克及其兄胡伯特·凡·爱克）找到了一种简便的用油溶化颜料作画的方法，创作了纯粹的油画。美术史家虽不能断定凡·爱克兄弟是油画的发明者，但至少他们是在前人试验的基础上找到了一种理想的以油脂为主的绘画媒剂配方。不少专家认为他们最大的功绩是在油脂中加入了天然树脂，使行笔流畅、媒剂速干。杨·凡·爱克的《阿尔诺芬尼的婚礼》一画和他最著名的作品《根特祭坛画》（现藏于比利时根特城的圣·巴冯教堂，由23幅画组成。）被认为是欧洲油画发展史上的重要作品。凡·爱克兄弟发明的调油技术，据说是用一种“白布鲁日光油”和亚麻仁油混合在一起作画，用它们调和他在坦培拉绘画中使用过的颜料，发现效果很好。（一些研究者认为，“白布鲁日光油”是精馏松节油，现在我们仍使用松节油稀释油画颜料。）意大利最早研究并掌握油画技法的画家安东奈洛·达·梅西纳（Antonueuo De Messina 1430-1479）据说是在去尼德兰了解到凡·爱克兄弟的油画技法之后，回到威尼斯传授油画颜料使用方法的，自此油画作为一个独立的画种在欧洲大陆流行开来。几百年来，经过各代画家的继承和创造，油画得到进一步的发展与完善。古典油画的发展600年前起源于欧洲，大约15世纪时由荷兰人发明的，油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画。用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。起源于宗教服务，是宗教的活动的重要组成部分。成为西方绘画史中的主体绘画方式，现在存世的西方绘画作品主要是油画作品。绝大部分壁画作品也是用油画颜料和创作方式制作的。随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现的一个普通妇女并广为流传。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。发展史油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。15世纪的欧洲的文艺复兴运动中，人文主义思想出于对宗教的批判,有着关注社
文艺复兴时期人物肖像油画选辑1
文艺复兴时期人物肖像油画选辑1 美术复兴是整个文艺复兴运动的一部分，大致发展阶段是在14世纪兴起，15世纪全面展开，16世纪达到了鼎盛期。17世纪后，欧洲美术风格渐渐转向矫饰主义。 由于文艺复兴时期倡导以重视人的价值为核心的人文 主义，美术家们的思想逐渐从长期的基督教神学的桎梏中解放出来，敢于探索，一方面从希腊、罗马的古典艺术中吸取营养；另一方面通过实践和科学的探索，发明了透视法，解决了在平面上真实地表现三度空间的方法；同时，改革了油画材料和技法，大大地提高了油画的艺术表现力，使西方绘画描绘客观对象的技巧得到了空前的提高，产生了波提切利、达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、乔尔乔涅、提香、扬·凡·埃克、勃鲁盖尔、丢勒、荷尔拜因等一批成绩卓著的画家。 Walter William Ouless Edward Armitage, 1817-1896 in 1886 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资 料收集整理。 Thomas Eakins The clinic of Dr. Gross, 1875,
文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。 Walter Frederick Osborne Summertime, 1901 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。 Charles Spencelayh A touch of rheumatism. British, 1865-1958 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。 Margaret Lindsay Williams Louise McIlroy, 1874-1968 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。
西方肖像绘画的发展史概要.doc
西方肖像绘画发展史概要 ▲综观西方艺术，其主体都是描绘了人，肖像更是其中最基础的东西。 ▲随着欧洲文艺复兴人文思潮的兴起和推广，倡导对人的尊重，人的价值得到肯定，描绘世俗的人和人的现实生活的肖像画随之出现。随着宗教的、国王的统治逐渐松散，伴随工业化以后商人阶层的出现，描绘普通人的肖像画快速发展起来。肖像画成为油画中极其重要的题材样式，几乎每个画家都画肖像画。而肖像画在中国的发展则比较晚，几经曲折，可以说至今仍是一个尚不发达的品种。中国长期处于封建社会帝王统治的时代，历史上的肖像画主要是帝王的肖像，鲜见普通百姓的日常容颜。辛亥革命以后，虽然社会的民主自由度在增强，但是中国社会在很长时间内仍处于动荡不安之中，接连不断的战争使得社会不稳定，经济发展缓慢，根本谈不上对人的尊重和关注，更难奢谈肖像画。 ▲西方的肖像画创作有着悠久的历史。肖像画的全盛期是在15世纪以后，著名的肖像画家有意大利的.达?芬奇、提香、卡拉瓦乔、德国的丢勒、西班牙的委拉斯贵支、荷兰的伦勃朗、.哈尔斯、.维米尔等人。其中达?芬奇的《蒙娜丽莎》，以卓越的艺术手法,生动地表现了人物微妙的心理活动,成为肖像画中的巨作。 ▲15世纪，肖像画被确立为西方的一种绘画类型。可以将画中人物的形象流传于世，而且保留他们的地位和尊严。最初，君主和地位显赫的人通常采用侧面像，后来肖像画在普通群众中得以普及。到十六世纪后，肖像画取得了突破，人物姿态更为自然。 ▲据相关史料记载，自中世纪以来，画家也开始在自画像中刻画自我形象。最早的自画像出现在十四世纪。当时的画家与自己的主顾一同纳入到宗教题材
的场景中。初创时期，画家只在神圣作品中刻画自我形象，位于他们赞助者一旁。后来他们开始专注刻画自己的形象。这些作品从中体现了艺术家所再现的人物的性格特征，同时也蕴含了艺术家的个人情感。可以说，自画像更能从艺术的角度反映出艺术家的性格。 ▲在西方，肖像画一直延续着两种不同的表现形式，一种是以表现对象的个性与思想情感为目标的所谓现实主义肖像。西方从文艺复兴开始到十七世纪正规的肖像画出现，委拉斯贵支、伦勃朗等人都是以表现对象为主，画面主要表现对象的性格与情感等。当然，真实的刻画对象是十分重要的，俄罗斯的肖像油画更是如此。列宾等人的作品便属于这一类型。第二种是象征性的，这种肖像画属于现代主义绘画。莫迪利阿尼、凡高都描绘了这样的肖像。 总体来说，肖像画是以体现作者的艺术风格及对象的情感为主导。而对象的真实性处于第二位。文革以后，中国的肖像画也基本是这两种形式，第二种更为普遍。 ▲在西方美术史上，有一些我们熟知的肖像画作，由这些画作我们可以看出西方肖像画的一些特点： 1、体现人物的性格特征 凡·高《割耳朵后的自画像》
油画头像教案————标准格式分解
2008--2009学年第一学期教学计划 课程名称：《油画头像写生》 任课班级： 07级美术学专业油画班 学时：48学分：3 开课学期：第三学期 课程类别：专业选修课 课程性质：专业课 先修课程：《素描头像写生》 考核方式：作业考评 一、教学目的： 油画人物写生一般按头像、胸像、半身像、全身像和人体写生等五个课题循序渐进。油画头像写生的教学注重人物写生造型能力训练，掌握基本的绘画方法和步骤，并对点、线、面、形、色、质在内的绘画基本形式要素进行深入的学习与研究。通过课程训练使学生掌握油画人物头像写生的传统方法，培养较高的绘画观察分析能力和熟练的表现技巧，为今后的油画人物课教学和创作打下坚实的基础。 二、教学重点： 本次教学课程开设在油画的低年级，本次教学重点在于使学生进一步加强人物写生造型能力并各对种绘画语言进行探索尝试，主要要求： 1.通过写生对点、线、面、形、色、质在内的绘画基本形式要素进行深入的学习与研究。 2.尝试油画语言丰富的表达形式，探索与学生自身个性相适应的表达方式； 3.绘画语言上仍以写实语言为主，并将写实绘画体系范围内的 4.人物头像写生，主要讲解头像的神情、结构、构图、人物的肤色、采光状况及其特 点等内容。 5.要求学生掌握头像写生的步骤与方法，能有一定的造型能力，注意形与色的结合，并 有一定的油画技巧。
二．油画人物（头像）写生基本要求： （1）人物的动态与个性表现。 （2）油画色彩的均衡与色彩的节奏 （3）油画的材料与用笔。 （4）要求学生掌握人物的动态与性格表现，注意油画的用笔与油画画面用色技巧对人物服饰的造型与质感有一定的处理。 三、课程的基本内容： 1、油画肖像艺术（头像）的美学特征和历史演变。 2、油画肖像艺术（头像）的构图形式规律。 3、人物结构。（重点是头、颈、肩的结构关系） 4、写生中色彩运用： （1）人物皮肤色彩变化的冷暖相对性。 （2）色彩运用的主观处理和把握。 5、油画头像的表现技法。 6、人物内在精神的感觉与表现。 7、个性的语言和特殊的形式感。 四、教学内容重点与难点： 1、重点：掌握油画肖像艺术的构图形式规律。 油画头像写生直接画法的方法步骤。 人物内在精神的感觉与表现；个性的语言和特殊的形式感。 2、难点：色彩运用；人物内在精神的感觉与表现。 油画头像写生的方法步骤与基本要求 五、课程学时分配：
油画肖像教学大纲
油画肖像教学大纲 课程编号：0556670 开课学期：第一学期 本课程课内学时: 72 学分：2 一、教学对象 四年制文学艺术学院美术学专业。 二、教学目的 本课程是绘画专业的主要专业课程。通过本课程的学习，使学生掌握油画肖像的基本理论、基本写生方法和技巧，能准确表现肖像的比例、透视、结构和色彩关系。并通过观看分析大师的名作提高学生的油画表现技法和艺术修养。 三、教学要求 首先从油画肖像的表现技法入手，介绍油画肖像艺术产生的历史文化背景和发展概况。在讲授了油画肖像的写生方法和步骤的基础上，深入研究现实人物丰富的色彩变化和具体的表达方法。 四、教学内容与学时分配 第一单元绪论（建议学时数：4学时） 学习目的和要求：本单元首先从油画肖像的表现技法入手，介绍油画肖像艺术产生的历史文化背景和发展概况。在讲授了油画肖像的写生方法和步骤的基础上，深入研究现实人物丰富的色彩变化和具体的表达方法。 第二单元油画肖像写生（建议学时数：64学时） 学习目的和要求：本单元是油画肖像最重要的内容。主要掌握写实油画肖像写生中的绘画步骤和主要表现技法、提高学生的造型和审美能力。 第三单元油画肖像写生整理与讲评（建议学时数：4学时） 学习目的和要求：欣赏大师的油画作品资料，结合学生自己的作品进行比较和分析，提高学生的油画技法和艺术修养。
五、教学重点难点 重点和难点：人物肖像的比例、透视、结构和色彩关系，写生表现技法，人像色彩关系，绘画语言的审美表达。 六、采用的教学手段与教学方法 实践教学为主结合教师示范与课堂讲授。 八、测试内容和方法 （一）单元结束为考查，全部课程结束进行考试，平时作业与考试作业成绩综合为总评成绩。作业成绩均按百分计，考试以随堂考试方式进行。 （二）平时表现占20%，平时作业占30%，考试作业为50%。 九、使用教材及主要参考书 教材：《油画肖像写生习作》付俊梅 参考书：《解读肖像》上海书画出版社编上海书画出版社 《名家名品》刘小东浙江人民美术出版社 大纲制定者： 大纲审定者： 大纲批准者：
浅谈油画创作过程
龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/7b12533049.html, 浅谈油画创作过程 作者：苗阳 来源：《艺术科技》2015年第12期 摘要：油画创作，实乃美术的一种表现形式，是运用油画材料、油画工具和技法生产油 画的过程。随着社会的发展，艺术家们的思想接收到不同国家的文化滋养、不同思想流派的渗透，油画创作的形式也展现出了形形色色的姿态。一般意义上的油画创作分为三类：人物画、风景画和静物画。细分题材、风格也大相径庭。由于油画创作的多样性，油画创作成为一个极其复杂的过程，它需要包含选题、构思、素描稿创作、油画正稿几个过程。 关键词：浅谈；创作过程；油画 1 选题 有人对灵感作过这样的描述：“灵感的确是一种特殊的思维现象。对某一问题百思不得其解而陷入山重水复疑无路的境地时，由于某一偶然事物或信息的激发或在某种特殊的思维状态下，主体在情感迂回、思路盘旋之中忽然顿悟、捕捉到了事物的底蕴，所要探索的问题一下子获得了明确的解决。”当然脱离了生活的灵感就成了无根之木；感受生活，把它融于作品创作中，为自己的作品增色，更会创作出与众不同的佳作。 随着物质文明时代的发展，人的审美意识不断提高，“人物画”这个有血有肉的生命实体的表现方式愈发突出。儿时的向往、青春的憧憬、壮年的打拼、残年的恬然安逸皆是生命在求索，追随幸福是人的本性，也是人类社会繁荣发展的原始动力。人们对审美观念产生新的认识，过渡到了物质文明的层面，升华到了精神文明的文化境地，把利欲私念割裂开来，越来越呈现着和谐大同的氛围。《雨·碌》的灵感源于一场毛毛细雨。暮色降临，灯火阑珊，人们漫步于街头，紧张忙碌了一天之后，带着丝丝的倦怠和匆匆的脚步。但一场淅淅沥沥的小雨给大家带来一阵清凉，雨水平复了躁动的心，如同青涩的心情，焦躁却也带着美满。创作自始至终是要用心灵、智慧、学识、功力、修养、勤奋等去支撑的，一幅成功的作品是创作者怀着无暇的心面对现实、体察生活，敏锐地捕捉到事物的内在而提炼精髓、表现艺术美感完成的。 人类喜欢自然之美，自然之美是和谐纯净的，如春天一束含苞的花朵。《雨·碌》引发的美感，是自然的造物，是人们生活的物质存在，整个画面的节奏和旋律协调。静观画中的几个青年，不混杂忧喜，也不带任何感情冲动，只因一场淅淅沥沥的小雨将大家带回了一个青涩无忌的时代。整个画面进入了表现人的自然之美的情形当中，显示出绘画主体的淡泊清净和坦荡胸怀，其感情明晰，无遮掩藏饰之意。天然去雕饰，返璞归真地表现人的物质生活，体察生命之歌、青春之歌，进入无我之境，到达物我两忘的审美境界，超越了大自然中的美，保持了精神的纯净。 2 构思创作
油画人物
油画人物 油画是以易于油剂（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等），在制作过底子的布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。作画时使用的稀释剂为押发性的松节油和干性的亚麻仁油等。 画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。油画是西洋画的主要画种。它起源并发展于欧洲，到近代成为世界性的重要画种。 油画产生于15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前身。在运用蛋彩画法的同时，许多画家继续寻找更为理想的调和剂。一般认为，15世纪初期的尼德兰画家凡·爱克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上,用亚麻油和核桃油作为调和剂画,致使描绘时运笔流畅，颜料在画面上干燥的时间适中，易于作画过程中多次覆盖与修改，形成丰富的色彩层次和光泽度，干透后颜料附着力强，不易剥落和褪色。他们运用新的油画材料创作，在当时的画坛很有影响。油画技术很快在西欧其他国家传开，尤其在意大利的威尼斯得以迅速发展。油画适合创作大型、史诗般的巨作,成为西方绘画史中的主体绘画方式。 人是艺术表现的主体，自古以来，人物一直是画家创作的重要题材。人物画是绘画门类中最难解决的课题。人物画需要了解人体解剖学、人体比例结构、运动透视学等方面的知识，同时还要充分把握人物写生中微妙的色彩变化、精神面貌和性格特征。我们可以看到，每一历史时期都有脍炙人口的人物画创作的名作；但由于社会历史的不不同，画家的思想意识及处理手法也大为不同，他们都会以各自的角度诠释与描绘。人物画包括头像、肖像、人体、群像、风俗画与历史画等。 油画人物是油画造型基础课中重要的课程，是培养正确的观察、感受和表现对象能力的训练，是用具象的表现方法或者说是写实的方法表现所见人物。因此，严格的遵循造型规律对油画人物写生尤为重要。在专业学习的过程中时刻注意以下几个问题会有助于画面质量的提高。 正确的观察方法是画好油画人物的重要保证。这就是整体的、感受的、比较的方法。要做到这一点并非易事。必须强制自己从一开始就在充分观察、感
西方绘画发展史
●西方绘画发展史 ●史前时代 西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在维也纳附近的威伦道夫出土的女性雕像被称为“威伦道夫的维纳斯”，是其中最著名的代表作。 ●奴隶社会时代 进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人类美术史的辉煌篇章。美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域）的雕塑，如巴比伦王国的“汉漠拉比法典”浮雕，亚述王国那些表现战争和狩猎的紧张场面、手法极为写实、充满激烈动势的浮雕。
古埃及的庞大金字塔建筑，按照正面律程式雕刻的人像雕刻和神秘威严的狮身人面像。 古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，其中留存于世的不少健美而优雅的雕刻形象，如《掷铁饼者》、《米洛斯的维纳斯》等，尤其具有无穷的魅力。 古罗马美术承继着古希腊的传统，但罗马人的美术更倾向于实用主义。规模巨大的科洛西姆竞技场和万神庙是古罗马建筑的杰出代表。而曾被维苏威火山灰掩埋达1700多年的庞贝壁画，则给我们展示了古罗马绘画的独特面貌。 封建社会时代自公元476年开始，欧洲历史进入封建中世纪。受基督教制约，中世纪美术不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。建筑的高度发展是中世纪美术最伟大的成就。拜占廷教堂、罗马式教堂和哥特式教堂，各具艺术上的创造性。与宗教建筑相结合，雕刻、镶嵌画和壁画也取得了一定成就。 ●欧洲文艺复兴时期 14-16世纪的欧洲文艺复兴美术以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，在追溯古希腊古罗马艺术精神的旗帜下，创造了最符合现实人性的崭新艺术。
中国茶文化的起源与发展历史
中国茶文化的起源与发展历史 对于茶文化的具体起源时间目前尚有待研究，但不可否认的是茶文化在中国的发展历程是极为悠久的。 元代蒙古人入主中原，使中华各民族文化全面融合的步伐**加快。一方面，北方少数民族虽喜欢茶，但主要是出于生活、生理上的需要，从文化上对品茗之事兴趣不大;另一方面，汉族文人面对故国破碎，异族压迫的现状，也无心再以茶事来表现自己的风流倜傥，而 希望通过饮茶表现自己的情操，磨砺自己的意志。这两股不同的思 想潮流，在茶文化中契合后，促进了茶文化向简约、返璞归真方向 发展。 茶道 茶德 茶德是指茶自身所具备的美德。茶有八德——康、乐、甘、香、和、清、敬、美。“茶德”的概念自唐代从中国传播到日本、韩国等，丰富了这些国家的茶文化内涵。 茶精神(茶道精神) 茶联 茶书 我国悠久的茶业历史为人类创造了茶业科学技术，也为世界积累了最丰富的茶业历史文献。在浩如烟海的文化典籍中，不但有专门 论述茶叶的书，而且在史籍、方志、笔记、杂考和字书类古书中， 也都记有大量关于茶事、茶史、茶法及茶叶生产技术的内容。 茶具
现代人所说的“茶具”主要指茶壶、茶杯、茶勺等这类饮茶器具。按唐文学家皮日休《茶具十咏》中所列出的茶具种类有“茶坞、茶人、茶笋、茶籝、茶舍、茶灶、茶焙、茶鼎、茶瓯、煮茶。”其中“茶坞”是指种茶的凹地。“茶人”，按照现代观点，不应纳入器具。 茶画 茶艺 茶艺是一种茶文化。茶艺在汉族优秀文化的基础上又广泛吸收和借鉴了其它艺术形式，并扩展到文学、艺术等领域，形成了具有浓 厚民族特色的汉族茶文化。茶艺包括：选茗、择水、烹茶技术、茶 具艺术、环境的选择创造等一系列内容。茶艺背景是衬托主题思想 的重要手段，它渲染茶性清纯、幽雅、质朴的气质，增强艺术感染力。不同的风格的茶艺有不同的背景要求，只有选对了背景才能更 好地领会茶的滋味。 看了中国茶文化的起源与发展历史还看了：
周丽萱肖像油画作品(1)
周丽萱肖像油画作品（1） 周丽萱,1975年生于辽宁铁岭。2001年入广州美术学院油画系研修班学习。2002年作品《戏剧人生》获广州美术学院第二届“王嘉廉优秀毕业创作奖学金”三等奖(广州美院)。2005年4月有罗马艺术学院终身教授特劳蒂技法班学习。广东青年美术家协会会员。现居广州,职业画家。作品曾在《中国油画》,《中国当代艺术》,《艺术界》,《美术大观》,《美术学报》等刊物发表。作品被国内外艺术界友人收藏。 周丽萱作品中出现的女性形象，较其他男性古典主义油画家而言，画家更强调画中人与画布外观众视线的交流。这种交流并非或充满欲望、或带有诱惑、也许满是迷茫的人与人之间的眼神沟通；很多时候更像是夜晚昏黄的灯下一个美丽女孩对着玻璃窗看到里面映射出来自己的面容。换句话说，就是女画家和画布上的自己的交流。这种交流直接、无需掩饰，但又带有自我欣赏和一丝得意——即使面带忧色，也是很酷的那种pose。
周丽萱和她的古典主义油画 1971年，美国女性主义艺术批评家琳达?诺克林（Linda Nochlin）在《艺术新闻》上发表文章“为什么没有伟大的女艺术家？”，该文揭露了在男性为主宰的权力结构中，女性创作受限制的事实，被视为女性主义艺术批评的“开疆”之作。 这篇文章推出之际，正值女性主义第二次浪潮（the second wave）兴起。第二次浪潮与前不同，主要关注男女的差异，并探讨妇女因与男性有别而遭受的压迫以及压迫的历史根源。诺克林指出：艺术并非个人感性经验的直接而个人的视觉的表达；相反，艺术生产包含前后一贯的形式语言。这些语言符号系统需要通过教学、学徒制或长期的个人实习才能学成，而这个体制是将女性排除在外的。具体来说，女
西方美术发展史
西 方 美 术 发 展 史 专业：工商管理 学号：20134030304 班级：130303 姓名：韩子琦
西方美术发展史 ——以时间角度 摘要:西方的美术发展就是一个从浑朴天真的原始艺术，直至令人眼花缭乱的后现代艺术的发展过程。 关键词：发展，西方，画派，美术，艺术 西方美术史经历了较长的时代，总的来说西方美术史概括起来可分为史前时代、奴隶社会时代、封建社会时期、欧洲文艺复兴时期、17世纪时期至19世纪时期、20世纪时期至今等几个阶段。西方美术发展过程在我看来就是一个人的发展过程，从天真到成熟，西方的美术发展就是一个从浑朴天真的原始艺术，直至令人眼花缭乱的后现代艺术的发展过程。 史前美术 史前美术又称“原始美术”，西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。即地球处在玉木冰河期。这种旧石器时代的美术,约在公元前1万年随着冰河期的结束而消失。中石器时代美术的类型有所增加，随着各地区文化发展的不平衡，出现了各自独立发展的美术传统，不同程度地演化为新石器时代的美术。旧石器时代晚期之前，虽然缺乏人类对于形象的模仿表现的证据，但实用的工具制作和改进，已经显示了许多审美因素。如手斧的几何化造型、对称感，刃口的细小修饰以及刻痕，都不无初级的装饰价值，而且制造工具的过程也为创作艺术作品准备了造型的技巧。随着冰河时期的结束，气候转暖，陆地动物和植物都经历了变化，影响人类生活，人类文化也适应新的环境发生了改变，产生了艺术表现的新形式，制作了壁画、刻凿、小雕刻。新石器时代的欧洲岩画，完全脱离了旧石器时代洞窟艺术和器具艺术中的写实传统，这种状况在中石器时代已经有所预示。在西班牙的南部和西南部，集中了许多几何化、程式化图形的岩壁和洞窟。葡萄牙、西班牙北部也有所发现,同时还出土了雕像、凿刻过的石器以及带有花纹的陶器。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在维也纳附近的威伦道夫出土
西方美术发展史
艺术发展史脉络框架表现 拜占庭风格强调上帝的伟大与人的原罪整体艺术风格：人体造型瘦长，五个性 中世纪艺术玻璃装饰画色彩纯粹与光的透射产生的神秘感线条垂直，程式化的造型 精致的手工制作繁琐而精美的装饰花体字母 （历史背景：神学统治） 达芬奇将人间情感引入宗教的神话题材艺术风格：人物造型健硕 文艺复兴米开朗基罗强壮的人体造型与中世纪形成对比充满温情和人文主义思想 拉斐尔人物造型丰满充满温情 （历史背景：人文主义思想产生冲突中世纪神学对人性的压抑） 巴洛克艺术鲁本斯色彩艳丽造型动荡健硕艺术风格：宏顺的构图，强烈的运动感伦勃朗光的运用，神秘，明暗技巧富有想象力和戏剧性的情节，对比强烈饱 满的色彩 （历史背景：航海业，殖民主义兴起） 洛可可艺术华佗表现宫廷的奢华和雅致是法国旧体制最后的辉煌日子里奢华的缩影 （装饰用贝壳）布歇 古典主义大卫以古希腊，罗马神话及圣经故事为信息体裁，表现某种哲理观念和社 问题，宣扬一种理想化的最高境界 安格尔古典主义强调精确的素描技法和微妙的色调，追求庄重，完美的 （历史背景：由英国扩大到欧洲各国工业革命，社会革命）
艺术风格： 浪漫主义德拉克洛瓦他欣赏鲁本斯色彩强烈，构图动荡的画，喜欢画宏大的场面如主要作品： 《自由女神领导人民》《十字军进入君士坦丁堡》等 艺术风格：浪漫，自由奔放，即兴，激荡 德加整体艺术特点：是将灿烂的阳光替换了棕色的酱油色，开启了纯粹语言探索的历程， 造型松散，色彩明亮具有空气的颤动，表现户外的阳光是他们共同的 主题 （历史背景：科学进步，工业化社会发展到了顶峰） 塞尚（20世纪现代艺术之父）——将许多矛盾的造型因素集大成探索出全新独特的风格 并影响后来的艺术发展样式立体派 印象派后期凡高强烈色彩灿烂与颤动的用笔表现主义 高更质朴原始表现风格崇尚宁静生活环境超现实主义 （历史背景：人们渴望探索自然宁静和人生意义） 野兽派马蒂斯色彩鲜艳东方的平面装饰美与西方审美造型完美巧妙地结合 立体派布拉克艺术风格：开启了二维平面多视角，混合材质的毕加索立体派创始人艺术风格多变运用，对现代艺术各种流派产生发展影响
酒的起源与发展
茶与酒历来是中国饮食文化的两大主流。古人称颂的饮、食、起、居、行五大生活要素，就将“饮”(茶与酒)列为首位。 酒在人类的饮食生活中一直占有非常重要的位置，甚而在食之上。纵观中华历史，上至王公贵族，下至黎民百姓，逢喜庆节日，家宴祭祀，亲朋聚会，都离不开酒。 无酒不成席，无酒不成礼。 谈到酒，就不能不谈到中国的风雅文化。那带有明显富足颐养享乐性质的酒与中国文人士大夫间生来就有着一种天然的联系。中国的风雅文人们，往往愿意在酒海醉乡中咏叹，在酒海醉乡中抒情写意、恣意挥洒。 千百年来，由于酒与文化、文人、艺术的千丝万缕的联系，又自然衍生了众多与酒有关的饶有趣味的酒闻、酒趣、醉林笑集，读来诙谐幽默、情趣盎然而回味无穷。 总之，在中华美酒飘香的历史中，酒在社会生活的各个层面和诸多领域都产生过极其深远的影响，成为一种特有的文化现象，涵盖了中华传统文化的方方面面，也反映出芸芸众生林林总总的人生百态。 本课程即有饮酒的实用常识，又谈了饮酒文化。主要内容包括贴近生活的识酒、购酒、饮酒常识，以及品酒技巧、饮酒对人体健康的种种利弊，和有关酒的民风民俗、趣闻轶事、酒与文化的关系等，集知识性、实用性、趣味性于一 酒文化的几个基本概念 酒：凡是含有酒精饮料. 文化:书上说是一切物质和精神产品、能力及其所创造的物质、精神财富的总和。酒文化：在文化层面上进行酒的研究和探索，把酒与历史、文化、科学技术、经济
结合起来。集趣味性、资料性、学术性和娱乐性为一体。 学习酒文化的意义 酒，不仅是一种香味浓郁的食物饮品，同时也是一种内涵丰富的文化产品；饮酒不仅是一种饮食活动，同时也是一中文化活动；…… 在华夏历史的长河里，酒整整流淌了五千年，酿造了多少醉透古今的“文化遗产”。 第一章酒的起源和发展 一、酒的起源 酒是一种含酒精的具有普遍性的大众化饮料。千百年来，它与人类的日常生活切切相关。在悠悠五千年文明的中华大地上，酒的酿造可谓源流长，但酒的起源究竟于何时何地却是一个有趣而复杂的问题，但有一点不争的事实是可以肯定的，酒先于人类就客观存在。 原始野生的孢子附在成熟的野生谷物或果实上，这就开始了最原始的发酵作用，谷物或成熟的果实经过发酵作用后便酿成了天然的酒液，因此，可以肯定酒不是某一人发明的。但到目前也没有任何典籍明确记载发酵作用是如何被发现的，关于酒的起源仅限于各种假说。 例如：中国古代有“猿猴造酒”之说，欧州有“鸟类衔食造酒于巢中”之说。据中国考古专家考证，远在上古新石器时代我们的早先已学会了酿酒，并在新石器时代的文化遗址中，发现了大量的陶制酒器，证明中国的人工酿造历史甚早。殷商时期的甲骨文出现了“酒”的最早文字。 中国酿酒起源于何时通常有五种传说： 1、“上皇兴酒”传说：是指在公元前26世纪的“三皇五帝”，在周秦时代的《黄帝内经·素问》中记载，黄帝与医家岐伯关于制酒的对话。东晋人葛洪所着《抱朴
油画人物半身像写生
油画人物半身像写生 四油画半身写生的方法 1 艺术教育在一定的教学规范中进行，遵循循序渐进的基本规律。半身人像写生在人头像写生的基础上进行。半身人像一般要求的取景范围是从头到手。就增加了手和躯干的关系，这就涉及到衣纹和空间的表现难度。手的表现在半身人像中仅次于面部的表现，他对于表现人物的性格特征有着重要的作用。 2 半身人像的构图问题 较之头像写生，由于描绘的区域扩大了，那么构图的难度在于手怎么摆才能体现出人物的性格，体现出美感；还有头、颈、肩的扭曲关系，还有相应的透视关系等等。因此研究半身人像写生首先就要研究构图规律。 3 半身人像常用的构图法则 1 均衡性 2对比与协调 在肖像画中，经常运用主体与背景的对比（色块的明度对比、冷暖对比） 3变化和统一的关系 五油画半身的写生步骤
1 模特的选择（对模特的性格特征、动态节奏、以及背景设计等要有一个观察构思的过程）。 2 构图落笔 直接用一支小号笔溅松节油稀释透明色，在画布上定出人像的动态关系、比例关系、透视关系以及基本的体积关系。注意外轮廓的变化和衣纹下面的结构变化。这一步要确立信心，要充满激情，调动作画的欲望。 3 铺大色块 这一步骤要用大号的笔刷、较多的松节油稀释颜色，尽快的拉出画面整体的色彩关系，以及够建画面的空间关系。着色的次序一般从深色块—深灰色块—浅色块有计划的进行。首先是深色上去，加大画面的重量感和对比度，造成强烈的色块的明度对比，然后中间色上去以后又减弱了这种对比关系，但是可以使画面形成和谐而具有节奏。 4 深入刻画 深入刻画一般从面部开始。在头部刻画时，多运用对比的手法。一定要注意深色的头发与背景所形成的，在明度上对比与协调的关系；还有面部的暖色与背景的冷色形成的冷暖对比关系；人像的实在与背景又形成了一对虚实关系。这三种对比关系反复作用，可以使画面的主体更加鲜明。当主体落实以后，背景的颜色也要加以调整和刻画。整个刻画过程始终在比较中有节奏的发展。当然在刻画中，要进一步落实光源色、环境色与固有色三者所形成的色彩关系，刻画始终
西方美术史
西方美术史 转眼间，一个学期就过去了，美术欣赏这门课也结束了。虽然美术欣赏课是一门选修课，而且上课的时间较短，但经过一个学期对美术欣赏课的学习，让我对美术这门课有了一定的了解，特别是西方美术史，下面就让我来概括一下西方美术的发展史。 西方美术史经历了较长的时代，总的来说西方美术史概括起来可分为史前时代、奴隶社会时代、封建社会时期、欧洲文艺复兴时期、17世纪时期至19世纪时期、20世纪时期至今等几个阶段。这些阶段各有特色，史前时代所绘形象多为动物，也有少数人物形象；奴隶社会时代中的文明古国则谱写了人类美术史的辉煌篇章；文艺复兴时期坚持现实主义方法和体现人文主义为宗旨，创造了最符合现实人性的崭新艺术；17世纪时期至19世纪时期各国则出现了各种不同风格的艺术流派，出现了较多知名的艺术家；20世纪时期至今则出现了各种主义的思潮，这些思潮一反常态，较为新颖。 史前时代 史前美术又称“原始美术”，西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。即地球处在玉木冰河期。这种旧石器时代的美术,约在公元前1万年随着冰河期的结束而消失。中石器时代美术的类型有所增加，随着各地区文化发展的不平衡，出现了各自独立发展的美术传统，不同程度地演化为新石器时代的美术。旧石器时代晚期之前，虽然缺乏人类对于形象的模仿表现的证据，但实用的工具制作和改进，已经显示了许多审美因素。如手斧的几何化造型、对称感，刃口的细小修饰以及刻痕，都不无初级的装饰价值，而且制造工具的过程也为创作艺术作品准备了造型的技巧。中石器时代美术产生于公元前1万年以后。随着冰河时期的结束，气候转暖，陆地动物和植物都经历了变化，影响人类生活，人类文化也适应新的环境发生了改变，产生了艺术表现的新形式，制作了壁画、刻凿、小雕刻。此时动物北迁，以描绘动物为主的旧石器洞窟艺术和器具艺术的传统随之消失，取而代之的是一种衰弱的美术。新石器时代美术在阿尔卑斯山以北，普遍存在一种以巨大石块构筑的建筑物，其壁面多有几何装饰，这种艺术被称为巨石文化，是人类史前创造的文化类型之一，在世界许多地方都有分布。欧洲的巨石文化产生于新石器时代,它不用灰浆粘合,而完全用石块垒砌。这种石块建筑大体上分石圈、石柱、巨石坟墓和神庙4种类型。新石器时代的欧洲岩画，完全脱离了旧石器时代洞窟艺术和器具艺术中的写实传统，这种状况在中石器时代已经有所预示。欧洲史前艺术发展到新石器时代的主导趋势是逐步程式化、简括化、符号化，在北欧史前美术中可以看到这个过程渐次的演化过程。黎凡特地区写实风格盛行时,也已经并存有符号化艺术倾向,这种倾向可能最早产生于地中海东岸，后来扩展到伊比利亚半岛。在西班牙的南部和西南部，集中了许多几何化、程式化图形的岩壁和洞窟。葡萄牙、西班牙北部也有所发现,同时还出土了雕像、凿刻过的石器以及带有花纹的陶器。 最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在维也纳附近的威伦道夫出土的女性雕
油画肖像教学大纲
油画肖像教学大纲 课程编号： 开课学期： 第一学期 本课程课内学时:72 学分：2 一、教学对象 四年制文学艺术学院美术学专业。 二、教学目的 本课程是绘画专业的主要专业课程。通过本课程的学习，使学生掌握油画肖像的基本理论、基本写生方法和技巧，能准确表现肖像的比例、透视、结构和色彩关系。并通过观看分析大师的名作提高学生的油画表现技法和艺术修养。 三、教学要求 首先从油画肖像的表现技法入手，介绍油画肖像艺术产生的历史文化背景和发展概况。在讲授了油画肖像的写生方法和步骤的基础上，深入研究现实人物丰富的色彩变化和具体的表达方法。 四、教学内容与学时分配 第一单元绪论（建议学时数：4学时） 学习目的和要求： 本单元首先从油画肖像的表现技法入手，介绍油画肖像艺术产生的历史文化背景和发展概况。在讲授了油画肖像的写生方法和步骤的基础上，深入研究现实人物丰富的色彩变化和具体的表达方法。
第二单元油画肖像写生（建议学时数：64学时） 学习目的和要求： 本单元是油画肖像最重要的内容。主要掌握写实油画肖像写生中的绘画步骤和主要表现技法、提高学生的造型和审美能力。 第三单元油画肖像写生整理与讲评（建议学时数：4学时） 学习目的和要求： 欣赏大师的油画作品资料，结合学生自己的作品进行比较和分析，提高学生的油画技法和艺术修养。 五、"教学重点难点 重点和难点： 人物肖像的比例、透视、结构和色彩关系，写生表现技法，人像色彩关系，绘画语言的审美表达。 六、采用的教学手段与教学方法 实践教学为主结合教师示范与课堂讲授。 八、测试内容和方法 （一）单元结束为考查，全部课程结束进行考试，平时作业与考试作业成绩综合为总评成绩。作业成绩均按百分计，考试以随堂考试方式进行。 （二）平时表现占20%，平时作业占30%，考试作业为50%。 九、使用教材及主要参考书 教材： 《油画肖像写生习作》付俊梅 参考书：
西方油画的发展及风格流派
西方油画的发展及风格流派--印象派油画 印象派产生于19世纪下半叶的法国。以马奈为中心的一批画家如莫奈、西斯莱、雷诺阿、塞尚、德加、毕沙罗等人，在反对学院艺术的口号下，以创新的姿态进行艺术革新，并登上法国画坛。1874年他们在巴黎举行了第一次展览，社会反响很大，参展作品中，有一幅莫奈创作的题为《印象·日出》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，这样印象派绘画便由此而得名了。 印象派强调画家对客观事物的感觉和印象，反对学院派的因循守旧，主张艺术上的革新。绘画技巧上对光和色进行了探讨，研究出用外光描写对象的方法，并认识到色彩的变化是由色光造成的，色彩是随着观察位置，受光状态的不同和环境的影响而发生变化，同时把这种科学原理运用到绘画中去。他们走出画室，走进大自然，在阳光下直接对景写生，根据观察和直接感受表现微妙的色彩变化。这在绘画史上是很大的革命，也给后来的现代美术以极大的影响。由于印象派绘画很少反映人类生活的主题，使创作题材和内容受到很大限制。 马奈（1832～1883），是19世纪下半叶对绘画领域的革命起重要作用的绘画大师，他虽与印象派画家们有密切的联系，但并未参加印象主义画展，可是印象派的画家们始终是以马奈为中心，创造新的绘画理论和作品。 1832年马奈出生在一个富裕的法官家庭，因为热爱艺术，他放弃了高官厚禄的前程，成为一位画家。 马奈是最早打破传统的棕褐色调，使画面明亮、有外光新鲜感的画家。他受过古典艺术的薰陶，作品中始终保持着宏大和庄重的气魄，他的画在造型上有很高的写实技巧，但在色彩上还没有发展到其后一些印象派画家那样去分解物体颜色的程度。他对色彩的处理比较完整，每一色块都很协调柔和，又很鲜亮，给人透明和清新之感。《吹笛子的少年》是马奈的一幅著名的作品，在总的暗调子中，突出几块明亮鲜艳的色彩，使之更加响亮耀眼。他的另一幅代表作品《奥林比亚》也同样运用了这样的表现手段。 莫奈（1840～1926），是印象派的领袖人物。1874年由他发起组织了首届印象派画展，他的油画《印象·日出》一画在展览中引起反响，从而使“印象派”这一名称正式出现。