唯美主义文艺思潮对比亚兹莱插图艺术影响论文

唯美主义文艺思潮对比亚兹莱插图艺术的影响摘要奥布里·比亚兹莱是19世纪唯美主义文艺思潮中最具有争议性的实践者之一，对唯美主义文艺思潮的实践是比亚兹莱艺术生涯中的主旋律。笔者试图选取比亚兹莱插图艺术的系列作品进行深入分析，来探讨其插图艺术的艺术特色，进而研究唯美主义文艺思潮对插图艺术的影响，以便为今日设计工作者的设计活动提供一个有益范例。

关键词：唯美主义文艺思潮比亚兹莱插图艺术怪诞颓废情色意象

中图分类号：j239 文献标识码：a

一唯美主义文艺思潮

19世纪的西方，出现了许多在世界上都产生过深远影响的文艺思潮，其中，唯美主义文艺思潮就是19世纪末流行于欧洲的一种。唯美主义文艺思潮的地位十分特殊，是从浪漫主义到现代主义必不可少的过渡阶段，可惜在历史的长空下，它只是一闪而过，但其影响早已遍及欧美。如今，众多影视作品中的唯美影像，先锋漫画中的唯美场景以及时尚梯台上的唯美服饰等，各种各样的艺术造型依然受到唯美主义文艺思潮的影响。

唯美主义的兴起是对资本主义工业社会过分“功利主义”哲学、市侩习气和庸俗作风的反抗，并受18世纪康德的美学影响，之后，在德国的席勒、黑格尔和克罗齐等人的理论中得到继承与发展。一般认为，法国是这一文艺思潮的发源地和扩散中心，因为“为艺术

现代艺术思潮简答 (1)

二简答 1、简述叔本华的主要哲学思想亚瑟·叔本华（1788—1860）德国着名哲学家。唯的创始人和主要代表之一。在上，和佛教思想影响，持悲观主义的观点，主张禁欲忘我，是存在主义思潮的重要思想渊源。主要着作《论自然意志》、《叔本华全集》等。叔本华的唯意志论形成于黑格尔活动时代的后期，他抛弃德国古典哲学的思辨传统，力图从非理性方面寻求新的出路。他的哲学是康德思想的继承和发挥，他坚持物自体，认为它可以通过直观而被认识，将其确定为意志。意志独立于时间、空间，所有理性、知识都从属于它。人们只有在审美的沉思时逃离其中。叔本华将它着名的极端悲观主义和此学说联系在一起，认为意志的支配最终只能导致虚无和痛苦。他对心灵屈从于器官、欲望和冲动的压抑、扭曲的理解预言了精神分析学和心理学。亨利·柏格森(1859年-1941年)法国哲学家，倡导的生命哲学是对现代科学主义文化思潮的反拨。他提倡直觉，贬低理性，认为科学和理性只能把握相对的运动和实在的表皮，不能把握绝对的运动和是在本身。以“创化论”之说，强调创造与进化并不相斥，因为宇宙是一个“生命冲力”在运作，一切都是有活力的。他反对科学上的机械论，心理学上的决定论与理想主义。他认为人的生命是在意识之绵延，是一个整体，不可分割成因果关系的小单位。他对道德与宗教的看法，亦主张超越讲话的形式与教条，走向主体的生命活力与普遍之爱。主要着作《时间与自由意志》、《生命与意识》等。 3、以《布道后的幻想》为例简述高更艺术的意义高更1888年的作品，描绘农夫们在听完牧师讲解圣经后产生的幻觉。强烈的色彩超出了描绘性色彩的表现范围，由红、蓝、黑和白色组合而成的图案和弯曲起伏的线条，表现了农民式的宗教幻想。这是以色彩和结构表现出的空间。高更放弃了以光影效果塑造形体的传统手法，也不用融合的互补色，而是以平涂的色块取得形的自由，他把色彩本身当成表现目的，而不是对自然界的某种描绘。强烈的色彩，都是非的，完全是由画家的主观感情所决定，充分显示了高更的综合主义画风。就此而言，它标志着西方绘画时代的变化。第二次世界大战之后现代美术中心有法国巴黎转向美国纽约，更多地是以注重观念改变为特点。 1950年代兴起抽象表现主义，只重绘画行为过程二不是注重绘画结果的行为绘画，体现了美国人自由创造的活力。出现了大色域绘画、极少主义绘画、硬边派等，这些艺术多以冷静、简单的大色块布置画面，不惨任何感情的表现。 1960年代波普艺术，首先风行美国，它使艺术与现代文明互相渗透，让艺术成为更为普及的交流手段，与现代人的生存息息相关。 1970年代后，现代美术完全进入一个多元化的格局，艺术家在更广泛的层面上探索艺术和艺术表现，自此以后再无风格流派可寻。俄国艺术家瓦西里·康定斯基(1866—1944)是最早强调以抽象形式表现情感和内在精神的画家。是现代抽象艺术理论和实践的奠基人。他的抽象艺术理论把艺术活动看做是纯粹精神领域的事情，他认为被感受的东西能唤起和振奋感情。他认为艺术家的意图，要通过线条和色彩、空间和运动，不要参照可见自然的任何东西，表明一种精神上的反映或决断。任何表现形式都是来自抽象的强烈要求，而不是受客观世界面貌的约束。想象就是对存在关系的一种主观透视，必须寻求一种新的形式象征符号与色彩的和谐，因此有直线、圆形、三角形等几何图形构成抽象作品，并从抽象角度对点、线、面做出全面深刻的元素分析。元素不是形本身，而是活跃在其中的内在张力。 20世纪西方工艺设计中心转移到德国，尤其是被称为“现代设计摇篮”的鲍豪斯，为现代工艺设计指出了明确的方向。现代工艺设计的特点： 1、确立以“人”为本的设计思想，强调设计的目的是人而不是产品； 2、打破了传统的“纯艺术”和“实用艺术”的分离；

日本唯美主义

日本的耽美主义文学刘珊日本的耽美主义也称唯美主义、耽美派、享乐主义，产生于日本明治末年，兴盛于大正初年，是当时日本文坛一种重要的文学思潮，最初本意是反对以暴露人性的丑恶为主的自然主义，主张追求官能美，为艺术而艺术。其代表人物有永井荷风、谷崎润一郎和现代的三岛由纪夫等,代表作有谷崎润一郎的《春琴抄》《纹身》《钥匙》，永井荷风的《地狱之花》等。日本唯美文学主义兴起于20世纪初，1916-17年前后发展到巅峰，在一定意义上取代了当时占据文坛主流的自然文学主义，与标榜人道主义的白桦派文学，新现实主义的新思潮派文学一起雄居日本文坛。中国的先行研究黎跃进的『日本唯美主义文学的演变与实绩』，主要是对日本唯美主义文学的产生、发展及其代表作家进行了介绍。唐月梅的『美的创造与幻灭——论日本唯美主义文学思潮』这一论文，主要是从唯美派的文学主张、唯美文学的特征、以及唯美派文学的意义三方面来论述日本的唯美主义。本文是以唯美主义文学作品来进行分析说明的，主要是以谷崎润一郎和永井荷风的作品来分析的。李芒在『美的创造——论日本唯美主义文学』一文中指出，日本唯美主义作家存在着消极的一面，特别是表现在思想倾向方面。他们在艺术形式上探索新方法的同时，在内容方面也追求新刺激。这种刺激在恋情和性爱，以及人的生死问题上便表现的最为强烈。通过对谷崎润一郎、川端康成以及三岛由纪夫的作品来分析说明的。他还指出不少唯美主义作品仍保留着自然主义文学的痕迹。『异域之美的接受——论20世纪20、30年代日本唯美主义文学在中国的译介』一文，其主要内容是：就20世纪20、30年代日本唯美主义文学在中国的译介的表现及特点进行了说明，并论述了其形成的原因——文化环境的影响、时代环境的影响及中国古典文学的影响。『日本唯美主义文学和中国现代文学中的唯美主义』（王向远），本文主要是通过日本唯美主义对中国现代文学的影响和西方唯美主义对的中国现代文学的影响的对比，说明了日本唯美主义对中国现代文学的影响是暗暗进入的、局部的，进而提出要深入探讨和研究日本唯美主义与中国现代文学的关系。在『日本唯美主义文学在中国文坛的变异』（张能泉）一文中，指出日本唯美主义文学在被中国现代作家接受的过成中，由于文化、环境、动机、条件等因素发生了明显的变异现象。『唯美主义与谷崎润一郎』（张琳）一文通过唯美主义对谷崎小说的影响，来探讨其小说的精髓（对美的追求）以及艺术第一，生活第二的主张。上述资料，主要从日本唯美主义文学自身、及其对中国现代文学的影响等方面来论述的。还有从某一作家或作品来看日本的耽美主义的，主要是以其代表作家谷崎润一郎、永井荷风、佐藤春夫及其作品来进行分析论述的。日本的唯美主义文学不仅表现在小说方面，诗歌也是日本唯美主义的重要实绩，但从诗歌方面来研究唯美主义的还不多。

现代艺术思潮名词解释

现代艺术思潮一名词解释 1.未来主义：第一次世界大战之前首先在意大利出现的文艺流派，1909年意大利马里内蒂倡始的。具有强烈的反传统倾向，热衷现代生活的运动、变化、速度，否定一些文艺规律和传统，表现出对未来社会的追求和热切向往，宣称要创造一种全新的未来艺术。 2.悉尼歌剧院：澳大利亚一座富有个性的建筑作品。是20世纪最具特色的建筑之一，也是世界著名的表演艺术中心，该剧院设计者为丹麦设计师约恩·乌松，位于贝尼朗岛，面临大海，被设计成贝壳型。2007年被联合国教科文组织评为世界文化遗产，桥梁工程师埃菲尔。设计以钢架结构而成，高300米。埃菲尔铁塔在现代美学上的意义今天已经得到普遍承认，它解开了现代审美的新篇章，是现代美学和现代艺术新纪元的伟大起点之一。的艺术影响而从事新的探索发展：导致了象征主义的庄严、简约化和变形的装饰风格。对保守的维也纳学院派，他们没有明确的纲领，指是思想、类型相近的艺术一群。其设计风格颇为大胆独特，往往采用一种抽象的表现形式，是追求艺术实用性合理性的新艺术流派。士集团多采用抒情的抽象语言，对不可见的内在精神更感兴趣，希望给这种内在精神以一种可见的形和色。从而把艺术和深刻的精神内容融为一体。他们的目的是要通过各种不同的纹样和色彩，利用观众的视觉变化来造成一种幻觉效果。他们是打

破了纯绘画艺术和装饰图案艺术之间的界限，对工艺美术银幕艺术，广告艺术和建筑艺术都产生了较大的影响。代表比亚齐、赖利等。雕塑。强调的是空间中的势，而不是传统雕塑着重的体积量感。后来将这一观念用于建筑和机械设计，代表艺术家塔特林，代表作《第三国际纪念碑》。构成主义对现代设计与建筑产生重要影响。影响的艺术大家。他的雕塑注重造形与材质，作品流露出结实的造型和赋予思考的、独特的创作思维。他以现代手法结合罗马尼亚民间木雕艺术特点，形成独特的象征主义风格，被视为现代抽象雕塑之父。影响，开始制作以抽象形态组成的、可以由机器牵动的金属雕塑。通过不断更换位置和方向，随之不断出现新的形态，给人以多种多样的感受。他的活动雕塑打破了雕塑的静态法则，并使之成为工业制品，广泛应用于室内外环境之中。现代媒体和现代媒介两部分。使艺术向所有可了解的媒介和社会关系延伸，是当代艺术的主流样式。抽象造型能力来控制画面的形式因素。他的艺术是链接19世界末实验性绘画和10世纪初表现主义的桥梁。的几何抽象主义画派。以《风格》杂志为中心，因此而得名。其绘画宗旨是只用单纯的色彩和几何形象来表现纯粹的精神。

插画专业申请案例分析.doc

插画专业申请案例分析最近我总在想用什么词总结今年的offer季，想来想去，始终觉得工业设计专业学霸被9所名校争抢……总结插画专业，才发现，这里的学霸也不遑多让。下面来说说插画专业申请案例分析。来，让我用事实震惊你—— He同学录取院校：SVA、Parsons、ACCD、MICA、CCA Wu同学录取院校：ACCD、 MICA、 Pratt 、SAIC、 SVA Li同学录取院校：ACCD、SAIC、SVA 当然，插画专业的名校覆盖率用“广”来形容一点不为过，除了被这些学霸攻克的名校，罗德岛设计学院、考文垂大学、奥蒂斯艺术与设计学院、伦敦艺术大学、金斯顿大学、爱丁堡大学都向ACG插画专业学员发来了offer。插画专业乃是艺术留学中受到众多学生推崇和认可的专业之一，在纯艺术和设计创意中做到了很好的平衡，同时就业领域相对较广。插画专业的学生就业往往选择游戏公司、动画公司、商业插画、平面插画、广告公司等领域，较少插画师从事自由职业者的行业。美国马里兰艺术学院 MICA 是全美知名的艺术学院，成立于1826年，是美国历史悠久的授予学位的艺术学院，是AICAD(独立艺术与设计学院协会)会员。插画专业是MICA著名的专业之一。插画专业提供本科和硕士学位。纽约视觉艺术学院

SVA是国际艺术教育领域公认的领导者与创新者, 是公认的“美国设计与艺术“高峰。SVA的插画、卡通、电脑艺术等已经是美国公众公认的全美国排名第一的专业。纽约视觉艺术学院的全部校区位于纽约市区曼哈顿，地处全美国中心的文化艺术中心地区，横跨纽约市区东西两岸。插画和漫画专业为SVA的优质专业。插画专业提供本科和硕士学位。罗德岛设计学院 RISD是一所集艺术与设计学科为一体的世界知名设计学院。罗德岛设计学院和布朗大学共同享有着社会、学术和社团等资源，并为两校学生提供互选课程和双学位的机会。罗德岛设计学院各专业都位于领域前端，工业设计(Industrial Design)、平面设计(Graphic Design)、插画(Illustration)、摄影(Photography)、建筑(Architecture)，室内建筑(Interior Architecture)及景观建筑(Landscape Architecture)专业尤为突出。插画专业提供本科学位。英国坎伯韦尔艺术学院隶属于伦敦艺术大学的Camberewll长期以来被认为是英国一流的艺术、设计学院之一。今天，坎伯韦尔艺术学院的创造性首屈一指。在一个友好的、以学生为中心的环境中，优良传统、新的思维方式，以及世界水平的教学，三者有机结合在一起。坎伯韦尔艺术学院位于伦敦南沃克的一个激动人心的艺术社区中心，其插画专业非常前卫和实验性。金士顿大学金士顿大学是英国一所优秀的综合大学，其艺术领域造诣很高，培养了众多的油画、纯艺术和空间艺术家，其纯艺术、插画、服装等均是强项。爱丁堡大学简称爱大，世界20强顶尖名校，在英国乃至全世界一直享有极高美誉。爱丁堡大学位于英国苏格兰的首府爱丁堡市，产生过19名诺贝尔奖

唯美主义(王尔德)

什么唯美主义？唯美主义运动（Aesthetic movement）是于19世纪后期出现在英国艺术和文学领域中的一场组织松散的运动。通常，人们认为唯美主义和彼时发生在法国的象征主义或颓废主义运动同属一脉，是这场国际性文艺运动在英国的分支。这场运动是反维多利亚风格风潮的一部分，具有后浪漫主义的特征。它发生于维多利亚时代晚期，大致从1868年延续至1901年，通常学术界认为唯美主义运动的结束以奥斯卡·王尔德被捕为标志。英国的颓废派作家们受瓦尔特·佩特的影响非常大。佩特在1867年至1868年之间发表了一系列文章，主张人们应该热情的拥抱生活，追求生活的艺术化。颓废主义者们接受了这一观点。（19世纪30年代，法国诗人、小说家奥菲尔·戈蒂埃最早抛出“为艺术而艺术”的口号，并声称艺术与道德之间没有关联。）唯美主义运动中的作家和艺术家认为：艺术的使命在于为人类提供感观上的愉悦，而非传递某种道德或情感上的信息。因此，唯美主义者们拒绝接受约翰·罗斯金和马修·阿诺德提出的“艺术是承载道德的实用之物”的功利主义观点。相反，唯美主义者认为艺术不应具有任何说教的因素，而是追求单纯的美感。他们如痴如醉的追求艺术的“美”，认为“美”才是艺术的本质，并且主张生活应该模仿艺术。唯美主义的形成唯美主义思潮的形成有一个漫长的过程。十九世纪三十年代英国的浪

漫主义诗人济慈是唯美主义运动的先驱。他说：“美的东西就是永久的欢乐。”法国作家戈蒂埃是由浪漫主义向唯美主义过渡的作家。他反对艺术的功利主义，主张纯艺术，追求形式美，提出“为艺术而艺术”的主张，戈蒂埃成了唯美主义运动的倡导者。奥斯卡·王尔德作品:《坎特维尔的幽灵》十九世纪末的英国唯美主义运动的形成，具有两大要素：一是比德（1839-1894）的快乐主义的批评；二是莫理思（1834-1896）的生活艺术化的思想。比德认为，文艺批评家的职责不在于掌握知识，罗列材料，以满足正确的美的定义，而应该具有一种特殊气质，善于感受美的对象的能力，将自己同书本中的内容紧密地联系起来，从中探讨得到的快感和乐趣，这才是审美批评的根本。莫理思认为，改造社会的目的是自由地伸展，就非使日常生活艺术化不可。任何文明社会，假如不能对它的成员提供这种环境，那么世界就没有存在的必要。比德和莫理思的上述观点，奠定了唯美主义的理论基础。再加上英国诗坛中拉斐尔前派的主要代表罗塞蒂（1828-1882）以及史文朋（1837-1909）等人的努力，终于形成了唯美主义运动。唯美主义的真正代表是奥斯卡·王尔德（1856-1900），他是唯美主义创作的实践者，又是唯美主义理论的倡导者。就艺术与现实的关系上说，王尔德认为，艺术应该超脱现实，游离人生。“现实的事件都是艺术之敌。一切艺术的坏处都是从实感产生。自然就是明白，明白就不是艺术。”一切拙劣的艺术都是从复归自然的描写和客观地描述人生而产生的。因此，认为凡是“回到生活和自然”的艺术都是坏的，

现代艺术思潮-答案

一、名词解释： 1、未来主义：现代文艺思潮之一。1909年意大利马里内蒂倡始。1911年至1915年广泛流行于意大利。第一次世界大战期间传布于欧洲各国。以尼采﹑柏格森哲学为根据认为未来的艺术应具有"现代感觉"并主张表现艺术家进行创作时的所谓"心境的并发性"。 2、悉尼歌剧院：悉尼歌剧院位于澳大利亚悉尼，是20世纪最具特色的建筑之一，位于悉尼市区北部，是悉尼市地标建筑物，由丹麦建筑师约恩·乌松设计，一座贝壳形屋顶下方是结合剧院和厅室的水上综合建筑，其内部建筑结构则是仿效玛雅文化和阿兹特克神庙，建设共耗时14年，于1973年10月20日正式竣工交付使用。 3、埃菲尔铁塔：位于法国巴黎的战神广场，是世界著名建筑、法国文化象征之一、巴黎城市地标之一、巴黎最高建筑物。1897年，法国政法决定，为庆祝法国大革命100周年，在巴黎建造一座纪念塔作为永久标志，由著名建筑师、结构工程师古斯塔夫·埃菲尔设计，以钢架构建而成，1889年完工，埃菲尔铁塔在现代美学上的意义今天地道普遍承认，它揭开了现代审美观念的新篇章，是现代美学和现代艺术新纪元的起点之一。 4、纳比派：1891年出现于巴黎，其主要成员是巴黎朱利安美术学院的学生。这是一个为期很短的艺术运动，主要参加者是法国的画家和雕塑家。“纳比”一词出自希伯来语，是先知的意思，取此名称的基本点旨在表明其信念、创作思想同宗教的密切联系，纳比派的主要理论家德尼，将纳比派的特色归纳为两种变形的理论：“客观的变形，它基于纯美学，装饰概念，以及色彩和构图的技术要素；再就是主观的变形，它使画家个人的灵感得以发挥。” 5、维也纳分离派：1897年，维也纳美术界持不同见解的青年艺术家成立了“维也纳造型艺术协会”，不久克里姆特等八位青年艺术家因观点不同退出该协会，另行组织艺术家团体，他们并没有明确的艺术纲领，只是创作思想相近，形成了“维也纳分离派”，与正统的学院派艺术分道扬镳，声称要与传统的美学观决裂，。其口号是“为时代的艺术--艺术应得的自由”。其代表人物有画家克里姆特；建筑家和设计师瓦格纳、霍夫曼、奥布里奇、莫塞等人。 6、“青骑士”：是指德国一群创造抽象风格表现主义作品的艺术家，该集团由瓦西里.康定斯基(1866-1944)和佛兰兹.马尔克(1880-1916)于1911年在慕尼黑创立，此派成员还有克利和奥格斯特.马克，青骑士是当时的前卫艺术运动，它与之前的桥社运动一起对现代艺术的发展产生了深远影响。 7、光效应艺术：20世纪60年代流行与欧美的一种利用光学感觉加强绘画效果的抽象艺术，通过各种不同的纹样和色彩，利用观众的视觉变化造成幻觉效果，打破了纯绘画艺术和装饰图案艺术之间的界限，对工艺美术、广告艺术和建筑艺术都产生了较大的影响，代表画家有意大利比亚齐、英国人赖利、美国人莱因哈特和诺兰等。 8、构成主义：1910年代的构成主义是俄国艺术家对现代艺术的一大贡献，最初采用拼贴形式，运用不同材料制作悬挂的浮雕抽象构成物，后来将这一观念用于建筑和机械设计，代表艺术家塔特林，代表作《第三国际纪念碑》，构成主义对现代设计与建筑产生重要影响。 9、布朗库西：罗马尼亚雕刻家。早年在国内接受教育训炼。1904年移居巴黎后，作品逐渐显露其个人的风格特点。重视“形”的单纯性和纯粹性，赋予“形”以相对独立的意义，以现代手法结合罗马尼亚民间木雕艺术特点，形成独特的象征主义风格，被视为现代抽象雕塑之父。 10、考尔德：是美国最受欢迎、在国际上享有崇高声誉的现代艺术家，是20世纪雕塑界重要的革新者之一。他以创作风格独特的“活动雕塑”和“静态雕塑”驰名于世。他的活动雕塑打破了雕塑的静态法则，并使之成为工业制品，广泛应用于室内外环境中。 11、多媒体艺术：多媒体艺术是20世纪诞生的艺术形式，主要包括以计算机、数码技术、录像和胶片技术相结合完成的艺术作品，它既是纯艺术的一种，也是电影、电视、广告和音乐画面的常用手段之一。以数码技术为基点，兼容摄影、录像、视频、声音、装置、互动等综合手段进行创作。是当代西方艺术的主流样式。 12、劳特累克：出生于法国阿尔比的一个世袭贵族家庭，作为艺术的革新者，他以描绘那些抓住并准确表现巴黎蒙巴特尔地区豪放不羁的艺术家们的生活特点的表演艺人而著称。他的艺术是连接19世纪末实验性绘画和20世纪初表现主义的主要桥梁。 13、荷兰风格派：荷兰风格派又称新造型主义画派，于1917~1928年由蒙德里安等人在荷兰创立。以《风格》杂志为中心，其绘画宗旨是完全拒绝使用任何的具象元素，只用单纯的色彩和几何形象来表现纯粹的精神。 14、《格尔尼卡》：是毕加索作于20世纪30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。画面表现的是1937年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的情景。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。此画结合立体主义、超现实主义风格，并借助几何线的组合，使作品获得严密的内在结构紧密联系的形式，以激动人心的形象艺术语言，控诉了法西斯战争惨无人道的暴行。 15、莫罗：法国画家。莫罗是法国新浪漫主义画派画家,也有把他推为象征派领袖的。早期作品属于些事手法与象征形象相结合的产物，后期作品狂放洒脱，其艺术反映了流行于19世纪末期的神秘主义，被认为是西方现代美术中过渡性的人物。

《野性的呼唤》中的自然主义分析

最新英语专业全英原创毕业论文，都是近期写作 1 分析《天使，望故乡》的精神主题 2 对跨文化交际中肢体语言的研究 3 On Disillusionment of “American Dream”－－A Comparative Study on Fitzgerald and Dick Diver 4 A Comparative Study on Gratitude Expressing Approaches of Chinese and Western Relatives 5 An Application of Schema Theory in Interpreting 6 克林顿总统就职演说之体裁分析 7 解读《金色笔记》中的女性主义 8 凝视与对抗：《屋顶丽人》中的两性战争 9 论《野性的呼唤》中对人和自然和谐的呼唤 10 浅谈非英语专业学生英语词汇的学习方法 11 欧?亨利短篇小说中的美式幽默风格的翻译 12 培养中学生认识并有意识的使用词汇记忆策略 13 《傲慢与偏见》中的女性意识分析 14 中式菜名的英译 15 英语新闻的互文性研究 16 汽车商标词的翻译特征和方法 17 跨文化视角下研究英汉民俗词语的不等值翻译 18 相同之爱，不同诠释——从美剧《吉尔莫女孩》看东西方母女关系之异同 19 英汉禁忌语异同之分析与比较 20 浅析中学生英语学习中的情感因数 21 浅析目的论下宣传标语的英译失误 22 论《奥兰多》中双性同体观 23 中英动物习语的文化内涵及其差异 24 论田纳西?威廉斯戏剧中的象征主义手法—以《玻璃动物园》为例 25 “土生子”叛逆精神探源 26 Analyzing the Development of English Color Term and Its Chinese Translation 27 美国梦的矛盾心理-伟大的盖茨比主题分析 28 英语阅读有效教学活动设计研究 29 翻译美学理论下的唐诗英译意境美研究 30 文化差异对中美商务谈判的影响 31 浅谈企业形象广告设计 32 Cooperative Learning: An Effective Way to Improve Junior Students’ Integrative Language Ability 33 方位介词“over”的隐喻含义研究 34 英汉礼貌用语对比研究 35 从礼貌原则看英语委婉语的构成和社会功能 36 浅析爱默生的《论自助》——人生自主的源泉 37 A Reflection upon American Heroism Based on Reviews of Hollywood Movies 38 浅析《德伯维尔家的苔丝》中造成苔丝悲剧的因素 39 英语政治委婉语的语用功能 40 如何提高小学生对英语学习的兴趣

比亚兹莱插图作品的视知觉平衡艺术

大众文艺大 64摘要：本文运用阿恩海姆的视知觉理论对英国插画家比亚兹莱为王尔德所改编的戏剧《莎乐美》的黑白插图进行解读，具体从平衡、分离、空间三个方面分析其画作。通过视知觉理论的分析，挖掘《莎乐美》插图成功背后的因素，为文学插图提供创作上的理论指导与支持。关键词：比亚兹莱；文学插图；视知觉力文学插图是插附在文学书籍中的图画，一般应用在书籍封面、内页之中，主要目的是对正文内容补充说明或艺术欣赏。比亚兹莱以其独特的绘画风格为著名作家王尔德的戏剧作品《莎乐美》所做的插图在插图界甚至是艺术界都受到高度称赞与认可。笔者通过运用视知觉理论深入剖析其插图作品的绘画语言，通过平面图形理论的支持，挖掘《莎乐美》插图成功背后的因素，探索插图艺术创作的更多可能性，从而提升文学插图的价值，提高书籍插图的地位。一、《莎乐美》插图的艺术风格简述作为“新艺术”时期最具争议性的艺术家，奥勃雷?比亚兹莱（Aubrey Beardsley）的作品让人印象深刻，他的画风受拉斐尔前派、印象派、古典主义、巴洛克、日本浮世绘等风格的影响，但又独具一格，具有强烈的个人风格。比亚兹莱为王尔德所改编的戏剧《莎乐美》所作插图是他最著名的作品，具有他惯常的风格：多融入装饰性图案、常以黑白衬底、细长直线构图，极尽对原作残酷、恐怖与性爱主题的表述，并特别突出原作病态的格调和装饰风格。比亚兹莱的《莎乐美》插图给人的第一印象即是简洁、流畅。对于线条的出色运用使他仅用若干利索的线条即勾勒出生动的形象。但是，比亚兹莱所展现的“简洁”并不意味着画面单调，相反，他极力运用极具装饰效果的图案来丰富画面，利用简单抽象的几何图形的重复与叠加表现出强烈的形式感与美感。二、《莎乐美》插图的视知觉分析比亚兹莱为《莎乐美》所作的插图全部为黑白线描，笔者选取其中三幅具有代表意义的插图，分别从其所表现出的平衡、分离、空间三方面具体解析《莎乐美》的绘画艺术。 1.《舞者的奖励》的知觉力平衡艺术在观赏这幅名为《舞者的奖励》的插图时，首先让人感受到的是强烈的黑白对比效果，整幅画中黑与白的面积比例大约为1:2，并且，黑色以大色块出现，尤其是人物的服装，黑袍中仅穿插白色细线条以勾勒形体。左边的圆桌和右边的站立的人物将画面分割为左右两个部分，从图中整体形象的外轮廓来看，按照格式塔心理学理论，人的注意力会被画中右侧人物的右边缘线吸引，因为右侧的轮廓线显然比左侧简单，更容易辨认。这时，观赏者就会发现，人物不是简单地站立在圆桌边，而是略微倾身，上半身与下半身的方向线即构成了一个大角度，角的顶点即臀部，这就构成了一个向画面右方的拉力，把我们的视觉引向右方，似乎要偏离了画面中心。但这个力却被下垂的黑袍阻止了。从黑袍上的褶皱不难看出，黑袍因受到地心引力的作用而向地面下垂，同时人物上半身的黑色块与下半身的比起来，被其他细节的图形打破，从而使上半身比下半身轻盈，而下半身简洁的图形使视觉也产生了向下的重力，这两种向下的力相重叠，加强了垂直方向的力，使观赏者的视觉自然地移向人物上半身，即画面的中心。左侧及右侧人物的白色脸部、黑袍中伸出的双臂和其身上悬挂的白色的缎带是构图的焦点，这四个部分构成了一个三角形的稳定结构，不断吸引着观者的视觉。在这个稳定结构中，两个脸部又是焦点中的亮点——人的头部是比亚兹莱绘画风格的最大的亮点，而人物的面部表情也是其个人审美取向的代表。愤怒、轻蔑、玩世不恭、颓废，似乎各种比亚兹莱式的人物的个性全部写在了他们的表情上。可以说，画面中的其它元素都是为了引向这些令人浮想联翩的人物面部表情的箭头，抑或是比亚兹莱所绘的人物面部是其画中所有知觉力作用的中心。 2.《高潮》体现出的分离艺术对于《高潮》来说，建立其主要特征的初级分离将整个前景人物从图案性质的背景中区分出来。这幅图采用的是竖立式版式，其高与宽之比大约是7:5。这种版式使得整个画面朝垂直方向延伸，因而强调了漂浮在空中的人物的轻盈感。同时，分割背景的弧线也起到了加强轻盈感的作用。首先，此弧线按照人的观看事物的方向，从左向右朝着画面上方延伸。艺术史论家海因里希?沃尔林曾指出，从左下角到右上角的斜线有一种上升感，而从右下角到左上角的斜线却有下降感。此图中的弧线显然具有一股强烈的上升感。再看被弧线分离的两部分，上方图形显然充满细节，而下方图形相比要简单许多，黑色的比例也大得多。这块黑色图形不但加大了背景的重力，同时给上方人物以对比，用强烈的反作用力托举起人物。第二级分离包括黑色头发的人物及其手中的流着血的头颅，还有画面右下方的花朵。其中，两个人物头部的不同风格使他们的对比强烈，因为第二级分离出的元素大都是白色，为了和背景的大面积黑色达到平衡，作者将左侧人物头部平涂成简洁的黑色块，这显然是为了和画面下方的大片黑色取得平衡。而画面右上方那个头颅上的头发则是为了和画面左上方的鳞片形图案相呼应。 3.《孔雀裙》的空间艺术比亚兹莱在绘制《孔雀裙》时，使用的方法是试图在画面的任意部分都使空间关系变得模糊起来。他运用左侧人物的轮廓线将两个人物及整个画面分割。并且，左侧的人物并未画出任何肢体部分，仅一件衣袍代替，而右侧人物四肢明显。这样做就创造了一种奇怪的空间，似乎图的一侧是图案化的、概念化的人物，而另一侧是一个追求写实的人物。再仔细观看，左侧人物的体态也耐人寻味，很明显左侧的人物头部与右侧的相比略小一些，这可以理解为左侧人物头部在右侧人物头部后方一点，而左侧人物的衣袍下方遮盖住右侧人物的小腿及脚部，这显然表示衣袍在右侧人物前方，由此推测出未显露身体的人物姿势也许并不像那两条线显示的那么简单，他并非呆板的直立在画面左侧，而是略带挑衅地围绕着右侧的人物。用这样的方式创作出的画面，会使观众感受到视觉对象创造出的一种幻觉：这个对象是确实存在的，但是如果不仔细观察，这些存在过的物体就会消失，或者变得与之前完全不同；虽然不同，却仍然让人不得不相信它真实存在。三、结论综上所述，通过运用视知觉理论对这几幅插图的分析，可以看出，一幅优秀插图必定体现了各种视觉力相互作用而达到的平衡之美，整体与部分之间相互协调统一不可分割之美，以及令人捉摸不定的奇异空间美感。插图作者在创作过程中，应自觉地运用这些视知觉理论，而不是局限于对感性材料的机械复制，应强调赋予“现实”一种创造性的、富于丰富想象力和创新力的领悟，平衡各种视知觉力的互相作用，最终创作出优秀的插图作品。当插图的艺术价值提升了，自然在书籍作品中的地位也得到相应的提高，从而达到书籍作品的文图之间相辅相成、缺一不可的最佳状态。参考文献： [1](美)鲁道夫?阿恩海姆.艺术与视知觉（新编）[Ｍ].湖南：湖南美术出版社，2008 [2]吕景云，朱丰顺.艺术心理学新论[M]文化艺术出版社，1999 [3]朱立元，张德兴.西方美学通史第六卷[Ｍ].上海：上海文艺出版社，1999 [4]叶奕乾，祝蓓里.心理学[Ｍ].上海：华东师范大学出版社，1996 [5]张友琴，童敏，欧阳马田．社会学概论[Ｍ].科学出版社，2000 [6]余凤高.插图的文化史[Ｍ]．新星出版社，2005 作者简介朱珠，南京艺术学院设计艺术学，插图艺术专业。比亚兹莱插图作品的视知觉平衡艺术朱珠（南京艺术学院设计艺术学江苏南京 210000）理论研究·美术

西方现代美术思潮

龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/7c16843463.html, 西方现代美术思潮作者：付小琳来源：《时代报告》2012年第10期中图分类号：J209.1 文献标识码：A 文章编号：1003-2738（2012）05-0108-01 摘要：装饰主义Art Deco即放射状的太阳光与喷泉形式：象征了新时代的黎明曙光;摩天大楼退缩轮廓的线条：二十世纪的象征物；速度、力量与飞行的象征物：交通运输上的新发展；几何图形：象征了机械与科技解决了我们的问题;新女人的形体：透露了女人赢得了社会上的自由权利；打破常规的形式：取材自爵士、短裙与短发、震撼的舞蹈等等;古老文化的形式：对埃及与中美洲等古老文明的想象;.明亮对比的色彩。关键词：西方现代美术；装饰主义；运用；风格从人类艺术的诞生时，就没有离开过“装饰”这个名词。人类的艺术起源与原始的装饰有着某种不可割舍的关系。著名的美术史学者沃尔夫林就认为“美术史主要是一部装饰史”。装饰在原始社会是人们所创造的艺术的审美核心。各种彩陶纹样成为各种装饰美、形式美的标本。装饰是一种有意味的形式。它包含着特定的社会感情和文化意识。它不仅是“装饰性”的，从秩序、线条、形式、色彩等方面带给人们以审美愉悦，而且是“文化性”的，从文化、理想、象征、历史等方面满足人们更深层次的需要。沃林格在《抽象与移情》中说到：装饰艺术的本质特征在于：一个民族的艺术意志在装饰艺术中得到了最纯真的表现。装饰艺术必然构成了所有对艺术进行美学研究的出发点和基础，装饰对于现代设计同样具有十分重要的研究意义。一、发展历史演变与渊源 19世纪20--30年代的欧美设计革新运动。在大工业迅速发展、商业日益繁荣的形势推动下,欧美的工业设计逐渐走向成熟。仍然经常留恋手工业生产的新艺术设计运动,己不能适应普遍的机械化生产的要求。以法国为首的各国设计师,纷纷站在新的高度肯定机械生产,对采用新材料、新技术的现代建筑和各种工业产品的形式美和装饰美进行新的探索,其涉及的范围主要包括对建筑、家具、陶瓷、玻璃、纺织、服装、首饰等方面的设计,力求在维护机械化生产的前提下,使工业产品更加美化。巴黎是装饰艺术运动的发源地和中心,1925年在巴黎举办了装饰艺术展,装饰艺术运动因此得名并在欧美各国掀起热潮。在法国,装饰艺术运动使法国的服饰与首饰设计获得很大发展,平面设计中的海报和广告设计也达到很高水平。在美国,装饰艺术运动受到百老汇歌舞、爵士音乐、好莱坞电影等大众文化的影响,同时受到蓬勃发展的汽车工业和浓厚的商业氛围的影响,形成独具特色的美国装饰风格和追求形式表现的商业设计风格,它们从纽约开始,逐渐从东海岸扩展到西海岸,并衍生出好莱坞风格。美国装饰风格20世纪30年代传至欧洲,使欧洲的装饰艺术风格更加丰富。在英国,装饰艺术风格始于19世纪20年代末,突出表现在大型公共场所的室内设计和大众化的商品。

解读《夜莺与玫瑰》中的唯美主义

摘要:作为英国唯美主义运动的倡导者,为了“艺术而艺术”是王尔德唯美主义的精髓,他追求形式完美和艺术技巧。象征、重复、明喻、暗喻、“三段式”叙事手段等艺术技巧在王尔德童话作品《夜莺与玫瑰》中的运用,赋予了作品形象美、音乐美、色彩美等美,给读者带来了感官上的愉悦。关键词:夜莺与玫瑰; 唯美主义; 艺术技巧; 形象美;音乐美;色彩美一唯美主义唯美主义,就是以艺术的形式美作为绝对美的一种艺术主张。认为“美”才是艺术的精髓。这里所说的美,是指脱离现实的技巧美。因此,有时也将唯美主义称为“美的之上主义”。它形成于19世纪后期出现在英国艺术和文学领域,提倡“为艺术而艺术”、一味追求形式完美和艺术技巧的唯美主义运动(AestheticMovement) [ 1 ]。唯美主义运动的主要特征包括:追求建议性而非陈述性、追求感观享受、对象征手法的大量应用、追求事物之间的关联感应———即探求语汇、色彩和音乐之间内在的联系。英国著名作家、诗人、戏剧家、艺术家奥斯卡·王尔德是唯美主义艺术运动的倡导者。“维多利亚时代文学之所以伟大的部分原因就在于以王尔德为首的唯美主义文学在英国文学史上留下了浓彩重墨”。[ 1 ]童话历来被认为是他唯美主义理论最理想的载体。本文将从艺术技巧使用的角度解读王尔德童话作品《夜莺与玫瑰》中的唯美主义。二《夜莺与玫瑰》中运用的艺术技巧及其中的美王尔德是形式的信奉者,无论是理论上的召唤,还是文学创作的实践,都说明形式是王尔德孜孜以求的。王尔德唯美主义对形式( form)强烈的爱好,对形式完美和艺术技巧的追求,在童话《夜莺与玫瑰》中具体体现在丰富多彩的积极修辞在作品中的运用。积极修辞( active rhetoric)是相对“在形式上要求…明确?、…通顺?、…平匀?、…稳密?,偏于…记述的?”消极修辞(passive rhetoric)而言的,它“是偏于…表现的?,…以生动地表现生活的体验为目的的?,因而是…具体的、体验的、情感的?。它…对于形式本身也有强烈的爱好;对于语辞的形、音、义都随时加以注意和利用?,不但要…使人明白?,还要…使人感动?。强调带有感情色彩地…表现?自己的思想,追求美感,追求动人[ 2 ]。《夜莺与玫瑰》一文中所使用的积极修辞手段包括:词法手段中的头韵、选词手段方面描述性形容词和具体动词的恰当使用;喻格手段中的明喻、隐喻、拟人、层进、突降等;叠词手段;句法手段中特殊句式修辞手段如:重复句、倒装句、修辞问句、句式变换修辞等;篇章手段有象征;语篇技巧辞格如描述、“三段式”叙事手段以及通过运用多种语言手段和华丽的词语来表现王尔德风格特征的风格手段等。正是这么丰富的积极修辞手段的运用,才创造出了这篇形象鲜明、语言柔美、结构精巧、韵律无穷的经典之作。 (一)象征手法与形象美《夜莺与玫瑰》是王尔德《快乐王子童话集》中的一篇,它讲述了夜莺为帮助一个穷学生实现其爱情愿望而不惜牺牲自己的生命,用荆棘刺破胸膛将心脏流出的鲜血和连夜对月而歌的音乐换来寒冬里红宝石般美丽的玫瑰,但玫瑰最终却为学生所弃的故事。一个动人却令人心酸的爱情故事! 但真正懂得爱情的并非故事中的男女主人公,而是那只懂得爱情并愿意为爱情牺牲生命的夜莺。作品大量地使用了象征手法,把幻想与现实有机结合起来。这是童话创造的一种常用手法。“为了表现某种性格或说明某个事理,作者从生活中找出某些人、物、现象,甚至某种社会观念的性格、性质和特征,集中到童话形象上,然后又赋予其个性,并使之依照这一个性去说话、行动,从而达到象征的目的”[ 3 ]。文章中rose象征了美丽的爱情,只有呕心沥血甚至付出生命才能获得它,它也代表着王尔德一生追求的至高无上的美;而夜莺则象征了追求真挚爱情的人,它为得到rose (爱情)付出了自己的生命,夜莺就是王尔德美学思想的化身。夜莺对爱情的执着追求有如王尔德对至高无上的美和艺术的追求;年轻学生象征着装满书本知识而缺乏感情敏感度,并且对爱情没有执着追求的功利主义者;当年轻学生怀疑夜莺的真诚

8-1 十九世纪自然主义和其他文学流派

第八章十九世纪自然主义和其他文学流派（一）第八章授课题目：十九世纪自然主义和其他文学流派教学目的与要求：了解自然主义的理论主张、思想艺术特点和发展状况；理解自然主义、象征主义和唯美主义的思想和艺术特征；掌握左拉、莫泊桑、波德莱尔创作的社会价值及艺术成就；教学重点和难点：《卢贡——马卡尔家族》的社会价值及艺术成就。教学过程：教学内容：十九世纪自然主义和其他文学流派；教学方法：互动式的讲授；辅助手段：多媒体课件；）授课时间安排：6课时教学内容：第一节概述一、自然主义的理论主张、思想艺术特点和发展状况自然主义产生于１９世纪下半叶的法国，１９世纪末和２０世纪初传至欧美和世界各国。１９世纪下半叶，欧洲资本主义获得长足发展，开始由自由资本主义向垄断资本主义过渡。１９世纪５０至７０年代，法国处于第二帝国时期，经济有很大发展，同时进行殖民扩张。拿破仑第三在政治上实行高压政策，迫害共和派。由于他在军事上的无能，导致１８７０年以色当战役的惨败。普法战争的爆发表明普鲁士日益强大，欧洲的几个强国存在利益分配不均的尖锐矛盾。第二帝国的败北加深了民族矛盾，由此产生了１８７１年的巴黎公社。巴黎公社也是社会主义思潮和工人运动发展的产物。法国第三共和国时期，当局为了转移矛盾，制造了轰动一时的德雷福斯案件。随着自然科学的发展和阶级矛盾的激化，实证主义、唯意志论、直觉主义等哲学思潮广泛流行。这就是自然主义、唯美主义和象征派产生的社会背景。自然主义在思想上受到实证主义、遗传学说和决定论的深刻影响。它的哲学基础是孔德（１７９８—１８５７）的实证主义。实证一词即“实在”、“确定”、“精确”的意思。孔德的实证哲学（《实证哲学教程》，１８３０—１８４２）只研究具体的事实和现象，而不追究事实和现象领域内的本质与规律性。他把一切现象看成不变的自然规律，不去探索原因和目的。孔德力图将哲学融化于自然

插画赏析

《水浒传》众多版本中的插图风格各异、异彩纷呈，它们作为《水浒传》艺术整体的有机组成部分，曾对《水浒传》的阅读与传播起过巨大的促进作用。中国古籍向来重视插图，图文并茂，相得益彰。明清小说更几乎是无书不图。插图既是附着性艺术，受文本规定内容的制约，但它又不是对作品内容的简单图解，而是一种再创造，所以又具有独立的审美价值。在古小说版画中，《水浒》插图是一个很重要的组成部分。《水浒传》众多版本中的插图风格各异、异彩纷呈，它们作为《水浒传》艺术整体的有机组成部分，曾对《水浒传》的阅读与传播起过巨大的促进作用。没有人推算过在《水浒传》传播史上插图艺术的贡献到底有多大，尤其对那些中等水平以下的读者来说，有时与其说他们喜欢小说的文字，毋宁说他们更喜欢书中的绣像插图。因此明清以来以至今日也不断有人发表对于《水浒传》绣像插图的评论，并且出现过几次评论高潮和几种值得注意的现象。对这些评论进行回顾、反思，总结得失，不仅对《水浒传》研究本身，而且对中国版画史研究都会大有裨益。然而在学界，无论是治《水浒传》研究史者还是治中国版画史者都很少有人触及这一方面，这不能不说是一种缺憾。本文拟对《水浒》插图研究历史做一简要述评，以抛砖引玉，引起学界兴趣，并使对这一问题的研究得以深入。现知最早为宋江等人画像的可能要推南宋人高如、李嵩，最早为之作赞语的要算龚圣与。宋周密《癸辛杂识续集》卷上引龚圣与《宋江三十六赞》记载：“宋江事见于街谈巷语，不足采著。虽有高如、李嵩辈传写，士大夫亦不见黜，余年少时壮其人，欲存之画赞，以未见信书载事实，不敢轻为。”高、李二人都是南宋宫廷画院待诏（光宗、宁宗、理宗三朝），“传写”即今日绘画之意。龚开，字圣与，南宋遗民，善画人物，又喜题赞。可见早在宋江故事处于“街谈巷语”时期的南宋，就已经有著名画家为他们画像、著名文人为题赞了。从当时“士大夫亦不见黜”的影响来看，高、李二人所画宋江三十六人像应是相当成功的。尽管这些画像已佚，且龚氏赞语只是就宋江三十六人绰号着笔，所传信息有限，但却为明清人的《水浒》插图与题赞开了先河。明清时期对《水浒传》插图的研究，见诸文献、最值得注意的两种现象：一是对袁无涯刻本《忠义水浒全传》的研究，二是对陈老莲《水浒叶子》的评论。嘉靖以前的《水浒传》刻本既不可见，其有无插图也就不可知晓。明万历至崇祯是中国木刻版画的黄金时期，这一时期也恰好是《水浒传》刻本最夥、版本演变最关键的时期。所刻各本几乎都有插图，尽管数量不等、质量优劣不一。这些争奇斗艳的插图不仅是各版本争夺读者市场的一种重要手段，而且它们本身已经形成各具特色的艺术流派。因此，插图艺术自然引起编刊者和读者的重视，所发表的对于插图的评论散见于各版本的序跋、发凡，以及文人的笔记中。如何处理插图与情节的关系是明清人关注的一个重要问题。当时许多插图本《水浒传》都是每回一幅插图，这样虽然照顾到图与文的平衡，却牺牲了插图艺术应有的概括力。表达了刊刻者对于插图特有的“感奋悲思、神情如对”的艺术感染力的自觉体认，更重要的是阐明了处理插图与情节关系的原则：图不在多而在于精，在于能够摄取书中最典型、最动人的故事与场面。这种认识是极有见地的。这个版本的插图极力避免了每一回书作一幅画的老套，有的回目没有一幅图，有的回目却有两三幅图，有的一幅图能表现两个故事以上的内容，有的一个故事又用两幅以上的图来表现。这种处理方法不能不说是一种创造。《水浒传》插图研究史上最引人注意的一个现象是对陈洪绶《水浒叶子》的评论。所谓“叶子”，又称“酒牌”，为古代宴饮时的娱乐用具，明清两代十分流行，其内容多取自戏曲、小说。明陆容《菽园杂记》卷十四：“斗叶子之戏，其形制一钱至九钱各一页，一百至九百各一页。自万贯以上，各图人形。万万贯呼保义宋江，千万贯行者武松……。”又褚人获《坚瓠》癸集卷一引潘之恒《叶子谱》云：“页子始于昆山，用《水浒》中人名为角觝戏耳。”黎

比亚兹莱的中国旅程

作品与思想研究鲁迅研究月刊2010年第7期　 “比亚兹莱”的中国旅程 ———鲁迅编《比亚兹莱画选》有关文化、翻译、艺术的问题徐　霞一　引言 1986年,李欧梵在纪念鲁迅逝世五十周年的学术研讨会上,发表了《鲁迅与现代艺术意识》一文,当时大陆学界的鲁迅研究仍以意识形态为主导方向,李欧梵引入了比亚兹莱(A u b r e yB e a r d s l e y)及珂勒惠支(K a t h e K o l l w i t z)两位欧洲艺术家的作品及用佛洛伊德(S i g m u n dF r e u d)的精神分析学作研究方法,使鲁迅在二三十年代向中国引介两位艺术家作品这件“小事”,在李欧梵笔下,成为分析鲁迅思想与作品的一道窄门,从艺术作品的内容风格,到西方艺术作品中的爱欲主题,鲁迅对厨川白村的佛洛伊德说的理解,鲁迅《故事新编》中对女娲的描写,《野草》引申出的波德莱尔、尼采、存在主义的现代意识,到最后李欧梵观察到鲁迅居室中挂着的两幅裸女版画,从文本到现实,李欧梵论证出鲁迅为大众所忽略的艺术观。李欧梵认为鲁迅对珂勒惠支和比亚兹莱的喜好,表现出他对现代艺术的爱好及有唯美颓废的审美趣味: 他在个人的内心深处,甚至个人的艺术爱好上,似乎并不见得那么积极,那么入世,甚至有时还带有悲观和颓废的色彩。① 在往后的忆述文字中,李欧梵说当时是希望通过这篇论文引起论争: 我不但揭露了鲁迅的“阴暗面”,而且也显示了他在艺术鉴赏上的“颓废面”,甚至把他的 “公”与“私”两面分开,作较为复杂的处理。果不出我所料,在会场上和会后受到不少批评,我的愿望终于达到了。② (1)李允经与陈浩的论述当时作为西方学者的李欧梵这篇论文颠覆了左翼经典论述,可想而知在八十年代中期的大陆会造成怎样的震撼与批评。③学者对李欧梵笔下描述的鲁迅与比亚兹莱的关系特别敏感,因为牵涉到鲁迅颓废的一面。当时与会学者李允经就曾撰《鲁迅与裸体艺术》一文,对李欧梵的论述作出了批评。李允经虽然引用了鲁迅的散文与《艺苑朝华》的其他“小引”作驳论,但仍欠缺对《〈比亚兹 4