交响音乐赏析

交响音乐赏析

前言

在人类社会漫长的历史长河中，音乐始终伴随着人们的生活而存在。回顾往昔，几千年的文明史告诉我们，劳动创造了音乐，而音乐则丰富了人们的精神世界，从而更加促进了劳动的进步和社会的发展。曾几何时，人们开始对音乐艺术的社会存在价值产生了认识上的飞跃，将它看作是人类崇高智慧所创作出的结晶。然而在这些不朽的结晶之中，有哪一种是最能够启发人们的思想、最能够反映人们的精神世界、同时又是最能够震撼人们心灵的典范呢？今天，它的答案已显得十分的清楚和肯定——交响乐，这一在音乐艺术中经过长期孕育而产生出的完美骄子，是占据这一显赫位置上的理所当然的代表。

一、交响乐概述

（一）交响音乐的起源和交响乐章的形式

交响乐的起源可以追溯到十分遥远的历史当中，它的名称源于古希腊，是当时“和音”、“和谐”两个词的总称。到了古罗马时期，这个名称就演变成为泛指一切器乐合奏曲和重奏曲的代号。15、16世纪，也就是欧洲的文艺复兴时期，交响乐这一名称被当作了一切和声性质的多音响器乐曲的标志。而到了巴洛克音乐的初期，它又主要指歌剧、神剧和清唱剧等声乐作品中的序曲及间奏曲等器乐曲。18世纪初期，音乐艺术在欧洲得到了迅猛的发展，随着欧洲产业革命的进程，音乐艺术也开始逐步地走向平民化和社会化。这个时期中，交响乐作为一种独立的艺术形式，其规模和形式都慢慢有了明确的含义。当时的意大利歌剧序曲，以它特有的快、慢、快三个段落而成为古典交响乐的基本雏形。到了18世纪的中叶，德国曼海姆乐派的作曲家们以一系列积极而富有创新性的创作，使交响乐的基本形式得以进一步的完善。1740年维也纳作曲家蒙恩第一次在慢板乐章和快板乐章之间加进了小步舞曲乐章，这种四个乐章的套曲形式渐渐演变成了古典交响曲的固定形式。

套曲的四个乐章是这样布局的：

第一乐章奏鸣曲包括三个部分。第一部分呈式部，有两个主题——正主题和副主题。这两个主题往往形成强烈的对比，比如正主题是冲突性的、戏剧性的；副主题可以是抒情性的、歌唱性的。也有的奏鸣曲里面，这两个主题是相辅相成的，都是歌唱性的。第二部分是展开部，就是把呈式部的主题进行不断的分裂、模进、节奏、力度和调性各个方面对比展开。第三个部分就是再现部，再现呈式部的两个主题，调性上有严格的关系。比如在呈式部里，主部的主题是主调，副部的主题是属调。而在再现部里，副部的主题也要回到主调。奏鸣曲是通常还有引子或者序奏，最后有尾声。这样的曲式能够表现宏大的

构思、反映深刻的哲理，当然也有非常强烈的抒情性和描写性。

第二乐章是行板或慢板，抒情的，以歌唱性的音乐见长。

第三乐章是小步舞曲或诙谐曲，它是轻快的、幽默的、典雅的、风趣的。

第四乐章我们又称之为终曲，它通常是快的，经常采用回旋曲式或者是回旋奏鸣曲式。所谓的回旋奏鸣曲式和奏鸣曲式不同的地方就在于呈式部主题出现两次，也就是主题——副题——主题，然后是展开部、再现部。

我们刚才讲了这种固定的形式只是在古典交响乐时期，它是相对固定的。但是也有特殊的例子，比如说海顿就写过六个乐章的交响曲。至于快、慢乐章之间的对比也会有变化，海顿写了一部《告别交响曲》就是以慢板结束的。至于乐章的多寡，作曲家们根据不同创作的要求，也有很多的变化：有三个乐章的；有多到五个乐章的，大家熟悉的贝多芬的《田园交响曲》就有五个乐章；也有六个乐章的，比如斯克里亚宾的《第一交响曲》就有六个乐章；也有两个乐章的，像李斯特的《但丁交响曲》就有两个乐章组成，第一个乐章——地域，第二个乐章——炼狱；还有多达十一个乐章的交响曲，比如肖斯塔科维奇的《第十四交响曲》；也有少到只有一个乐章，也就是单乐章的交响曲，比如西贝柳斯的《第七交响曲》和米亚斯科夫斯基的《第二十一交响曲》，这种单乐章的交响曲，它都融汇了套曲的因素。因此，交响曲的乐章构成和快慢乐章的对比并不是一成不变的。

还有一个特殊的情况要说明一下，就是在古典协奏曲里面，往往在第一乐章的奏鸣曲式里有双呈式部，或者我们叫复呈式部，就是有两个呈式部，乐队有一个呈式部，独奏乐器加入以后又有一个呈式部，这就叫双呈式部。比如，贝多芬的和《D大调小提琴协奏曲》、勃拉姆斯的《D大调小提琴协奏曲》和德沃夏克的《D小调大提琴协奏曲》，都是采用双呈式部形式写成的。

（二）交响乐发展的历史

18世纪中后期，维也纳古典乐派的兴起及一些天才作曲家的伟大创作，使交响乐这一艺术形式发展到了全面成熟的阶段。我们首先要提到的就是于1732年出生的奥德利作曲家约瑟夫·海顿。海顿一生共创作了120多部交响乐，他在交响乐艺术上的贡献是完整而严谨的确立了交响乐的形式和规范，因此他曾被人们誉为“交响乐之父”。海顿的艺术成就直接影响到了他的两位后人——同为维也纳古典乐派代表人物的莫扎特和贝多芬。而交响乐的形式、规模、内涵等等，都是在这两位作曲家的创作中得到真正的成熟和完善的。

莫扎特一生创作了约50部交响乐，他的交响乐较之海顿的交响乐无论在形式的完整、内涵的丰富和思想的深刻方面都有着大幅度的提高。莫扎特以其天才的神来之笔，为交响乐这一独立的器乐形式注入了一种全新的活力。他的《G小调第二十五交响曲》、《A大调第二十九交响曲》、《第三十六林茨交响曲》和《第三十八布拉格交响曲》等作品处处都闪烁着这种天才的火花。而他最后的三大交响曲，即《降E大调第三十九交响曲》、《G小调第四十交响曲》以及《C大调第四十一朱庇特交响曲》则是

他全部交响乐创作的顶峰。这三部交响曲以其天才的音乐性、丰富的思想性和新颖的创造性，成为古典交响乐创作中的光辉典范。除此之外，莫扎特在其叫响音乐创作的其他领域中也同样做出了许多带有开拓性的贡献，他的钢琴协奏曲、小提琴协奏曲和歌剧、序曲等等，都是世界交响音乐宝库中具有划时代意义的珍品。

贝多芬，这位被后人尊称之为“乐圣”的天才人物，在其短短几十年的创作中，将交响乐的创作成果提高到了前所未有的高度。在世界交响音乐艺术史上，贝多芬的创作被认为是一个极其重要的里程碑。而他的作品则是跨越古典主义和浪漫主义之间的承上启下的杰出典范。贝多芬的交响乐较之海顿和莫扎特的交响乐形式更加严谨，内容更加丰富，技法更加娴熟。而尤为使人关注的是他的交响乐思想性深刻、哲理性复杂，他第一次将交响乐这一艺术形式与人类的社会生活和精神世界相结合，使交响乐具有了社会启示性和斗争性的深刻内涵。他的交响乐创作成就主要体现在建立在继承的基础上的重大开创。在形式结构上，他扩大并完善了交响乐的主要组织框架——奏鸣曲式。同时，以动力感更强的谐谑曲取代了过于温和的传统小步舞曲，从而赋予了交响乐以更加丰富的有机性。从另一个方面来看，为了达到表现社会性重大题材和人类斗争性及精神境界的目的，他将交响乐队的编制扩充到了更加合理的程度。同时，为了达到他的整体艺术构思，甚至将人声增加了进去，在他那伟大而不朽的《第九交响曲》中，合唱队演唱的欢乐颂揭示出了一种无比崇高的精神境界。而这种巧妙的构思和大胆的实践，则充分说明了贝多芬作为一代交响乐宗师所表现出的非凡魄力和杰出天才。

我们通常把贝多芬的九部交响曲分为无标题和有标题的两类：贝多芬的第一、第二、第四、第七、第八交响曲是无标题的；他的第三、第五、第六、第九是有标题的，第三——《英雄交响曲》，第五——《命运交响曲》，第六——《田园交响曲》，第九——《合唱交响曲》。他的这两类交响曲形成的两种路线对后人的交响曲创作产生了深刻的影响，他影响了柏辽兹的戏曲交响曲和李斯特的交响诗的创作。勃拉姆斯，他在交响乐创作就是保持了古典的传统，他是无标题的交响曲。后来的马勒，他的交响乐创作就主张包罗万象，而斯特劳斯就主张精炼和浓缩。贝多芬在交响乐音调创作方面，给后来的交响乐创作也给予了极大的影响，比如说我们大家熟悉的《命运交响曲》，是迄今为止最简短的主题，只有四个音，嗦—嗦—嗦—咪，而这个命运动机是贯穿了四个乐章。他的这个手法直接影响着舒曼的主题变形和李斯特的单一主题不断发展的这样一个手法。

另外，贝多芬完善和扩大了乐队编制。我们在他的交响曲当中发现他运动了古典交响曲，也就是海顿、莫扎特时期不曾运用的乐器，比如说短笛、低音大管、长号和一些打击乐器，比如三角铁、镲、大鼓等等，更重要的是在他的第九交响曲当中引用了人声。我们面对贝多芬交响曲，让我们感受最强烈的是贝多芬交响曲所表达出的贝多芬精神。

贝多芬的座右铭是“通过苦难，走向欢乐；通过斗争，走向胜利。”他的音乐是面向社会，面向全人类，我们的时代现在仍然需要刚毅、英勇的、勇往直前的、百折不挠的贝多芬精神。

18世纪晚期到19世纪早期，浪漫主义艺术思潮开始渗透到音乐领域当中。舒伯特带有艺术歌曲交响化性质的《b小调（未完成）交响曲》，柏辽兹和李斯特的标题交响乐《幻想交响曲》和《但丁交响曲》，舒曼充满诗意的《春天交响曲》，勃拉姆斯的四部充满传统精神但却有浪漫主义内涵的交响曲，柴科夫斯基和德沃夏克带有浓郁民族性的一系列交响曲，布鲁克纳注重精神世界和宗教色彩的九部巨著，此外圣—桑斯、弗朗克、穆索尔斯基、里姆斯基—科萨科夫等作曲家们的各种交响乐作品，以及以上所提到的作曲家们所创造的协奏曲、序曲和标题交响诗等等，都是19世纪浪费主义交响音乐创作中的珍品。19世纪晚期，奥地利作曲家马勒以极具敏感性的精神凝聚力谱写出了十部庞大的交响乐。在这些交响乐中，马勒为了表现他内心复杂的精神世界，而将交响乐的表现形式发展到了极限。他的交响乐往往采用超大型的交响乐队和合唱队来演奏，有时甚至加上若干个合唱队来共同演出，如他的《第八交响曲》，被人们称为“千人交响曲”。除去马勒之外，在19世纪晚期各国民族乐派的作曲家当中，也有许多人应该被称作交响乐大师，如芬兰的西贝柳斯、捷克的雅那契克、俄罗斯的格拉祖诺夫、拉赫玛尼诺夫等人的创作，都在某种程度上，为世界交响音乐艺术作出了杰出的贡献。

19世纪和20世纪相交之际，许多象征着新时代艺术风格的思潮开始越来越多地涌现。从德彪西的印象主义，理查－施特劳斯的后期浪漫主义和勋伯格的早期无调性技法，各种新风格、新技法无不渗透在交响乐的肌肤当中，为20世纪五花八门的交响音乐创作奠定了基础。在20世纪众多的作曲家中，为交响乐和交响音乐其它体裁的创作做出杰出贡献的人物数不胜数。其中影响最大的有俄国作曲家米亚斯科夫斯基、普罗科菲耶夫、哈恰图良、肖斯塔科维奇，英国作曲家沃·恩威廉斯、布里顿，匈牙利作曲家巴托克，美国作曲家斯特拉文斯基、科普兰、格什温等等，他们所创作的交响曲、协奏曲、交响诗、狂想曲、随想曲等诸多作品，极大的丰富了世界交响音乐的宝库，并由此构成了20世纪交响音乐创作的光彩花环。

交响音乐的产生和发展过程，正是与人类社会文明的突飞猛进紧密相连的。从历史的角度来看，它的确是伴随着整个人类社会的文化、经济发展应运而生的。而从发展的角度来看，在即将到来的新世纪，乃至将来更远的时期中，它也必将会作为高雅的文化艺术经典和丰富的精神食粮，为人类社会进步的发展和人民生活的精神需求，作出更大的贡献。

二、交响乐队简介

交响乐队是专门演奏交响音乐的乐队。

今天，当人们在交响音乐会的舞台上，看到一支庞大的乐队时，不仅会被它发出的丰富音响所吸引，而且还会对它的发展历史和组成形式产生浓厚的兴趣。回顾历史，交响乐队的形成是与交响音乐艺术的发展密切相关的，二者相得益彰，是一对不可分割的孪生兄弟。

（一）交响乐队的形成过程

交响乐队的真正形成是在近几百年内，严格来说就是在维也纳古典乐派所兴盛的时期。在这之前，交响乐队的结构组成并不完善，还只是一些编制不全的管弦乐队，甚至在海顿和莫扎特的创作中，交响乐队的编制和规模也仅仅限于室内乐特征的小型管弦乐队。交响乐队形式和编制的最终完善是在贝多芬的创作中实现的。在贝多芬的交响乐创作中，双管，甚至三管编制的交响乐队得到了基本的确立。后来，在整个19世纪早期到晚期的浪漫主义音乐全过程中，交响乐队的编制和形式组合又得到了进一步的完善。大型四管交响乐队的出现和各种特性乐器的加入，更加丰富了交响乐队的音响效果和艺术表现力，这些特征在马勒、理查·施特劳斯及20世纪现代作曲家普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇和斯特拉文斯基等人的创作中体现得由为充分。那么交响乐队一般是如何编制的呢？

（二）交响乐队的编制

交响乐队是音乐王国里的一个器乐大家族。由于交响音乐从海顿写第一部交响音乐到现在200多年的发展历史，使得交响乐队的编制越来越科学，越来越规范。一般来说，交响乐队是由五个大乐器组组成，这五个大乐器组就是弦乐组、木管乐器组、铜管乐器组、打击乐器组和色彩乐器组。

第一是弦乐乐器组。包括小提琴（小提琴还分为第一小提琴和第二小提琴）、中音提琴、大提琴、倍大提琴。弦乐组有小提琴的高音，中音提琴的中音和大提琴、倍大提琴的低音组织的一个完整的从高到低的这样一个完整的音域，这是弦乐乐器组。

第二是木管乐器组。包括长笛、以及长笛的派生乐器—短笛，双簧管和英国管，这两个乐器，英国管也是双簧管派生的乐器，另外，单簧管，就是大家通常说的黑管，它还包括高音黑管和低音黑管，以及巴松管。在木管乐器当中也是这样，长笛、双簧管属于高音乐器，黑管属于中音乐器，巴松管属于低音乐器，它们也是一个完整的高音到低音的音域。

第三是铜管乐器组。就是大家比较熟悉的小号、圆号、长号和大号。小号是比较常见的，圆号是一个形状转成一圈一圈的，它是铜管乐器里面管子最长的乐器，所以说也是一个最难演奏的乐器。铜管乐器组有小号的高音部分，圆号的中音部分，长号和大号的低音部分，它们也是一个完整的高音到低音的乐器组。

第四是打击乐器组。它包括定音鼓，定音鼓区别于我们普通的那种花纹鼓，它一般由两到五只组成，特别是五只的低音鼓可以演奏一个很完整的音阶，每个鼓都可以通过调节鼓皮的张力，使它产生一个小三度到大三度这样一个音阶的变化，所以它被称为定音鼓。打击乐器组还包括大军鼓、小军鼓、镲。特别需要提出的一条是外国交响乐队使用的大锣，是要用中国周村出的大锣，这就是在外国交响乐队当中使用的唯一一件中国乐器。

第五是色彩乐器组。一般近现代的交响乐作品当中，几乎都用到了第五个乐器组，它包括大家也比

较熟悉的钢琴，当然钢琴在这里它是充当乐队家族中的一部分，而不像在独奏会或者协奏曲当中作为主角，这里它只是一个色彩性的乐器。还有竖琴、钢片琴、铝板钟琴、管钟、木琴等等。

由于交响乐队采用了一个编制完整的大编制，所以说它有着非常丰富的表现力。交响乐队根据作品风格的需要和表现力的需要，又分为小型乐队、中型乐队和大型乐队，专业名称就叫双管编制、三管编制和四管以上编制的交响乐队。

从音乐发展和音响平衡的需要，管乐、弦乐以一定的比例出现在交响乐队当中。比如说双管乐队，就是长笛两只、双簧管两只、单簧管两只、巴松两只、小号两只、圆号两只和定音鼓两只。弦乐的编制相对来说稍微多一些，有十把第一小提琴，八把第二小提琴，六把中提琴，六把大提琴和四把低音提琴，这就是双管乐队的小型编制。

三管乐队就是所有的木管乐器都是由三只组成，两只长笛加一只短笛、两只双簧管加一只英国管、两只黑管加一只高音黑管或者是低音黑管、两只巴松加一只低音巴松，圆号是四支圆号、三只小号，三只长号和一只大号。相对来说弦乐也增加了人数，第一小提琴一般都是由14到16人组成，第二小提琴由12人到14人组成，中音提琴由10人到12人组成，大提琴是10人组成，倍大提琴是8人组成。

四管以上的乐队当中编制就比较大，一般中型的乐队是70到90个人，小型乐队50个人左右，大型乐队100人以上，当然它是根据乐曲表现力的需要和作品风格的需要而决定乐队的编制和大小。

（三）交响乐队中各种乐器的演奏特色

要想更好地欣赏交响音乐，仅仅对交响乐队的成员做这样的基本了解是不够的。为了更好的、更深入的欣赏交响音乐，我们必须对交响乐队中各种乐器的演奏特色有一个大概的认识。

1945年英国著名作曲家布里顿受当时英国教育部的委托，为科技记录片《管弦乐队的乐器》谱写了一部极为出色的音乐，这部作品叫做《青少年管弦乐队指南》。这部作品采用了英国17世纪著名作曲家普赛尔一个音乐主题，写了十三段变奏和一个赋格曲，并在每一段变奏中依次展示出交响乐队的一种乐器。这部作品是至今人们了解交响乐队乐器家族史的最为理想的范本，根据这部作品让我们进行一些直觉的了解。

木管乐器由六孔小锡笛改良而成，都是木头制造。

早期的铜管乐器是小号和列号，这里用的是它们的后代。

弦乐器不论大小都是用弓拉或用手拨奏，它们的堂姐妹竖琴总是用手拨弹。

打击乐器组包括鼓、铜锣、铃鼓和任何其他可敲击的乐器。

现在让我们听一听每一种乐器演奏自己那段曲调的变奏：

木管乐器组最高的是声音明亮而甜美的长笛，以及它尖声的小兄弟——短笛。

双簧管音质柔和、哀怨，如作曲家需要，它们也能充分有力。

单簧管十分灵巧，它可产生柔美、圆润的声音。

大管是木管组中最大的乐器，声音也最低沉。

弦乐器家族中最高的声部是小提琴，它们分为第一和第二两组。

中提琴比小提琴稍大，音响也较低。

大提琴以十分丰满、深情的声音歌唱，请听这优美的声音！

低音提琴是弦乐器家族中的祖父，它的声音沉重、像闷雷一般。

竖琴有四十七根弦和用以改变弦的音高的七个脚踏瓣。

在铜管乐器家庭中以圆号开始，他们用铜管弯成圆形。

我想你们大家都熟悉小号的声音。

长号具有沉重的铜管的声音，低音大号还要沉重。

这是一段由打击乐器演奏的变奏。

我们已经分解了整个管弦乐队，现在我们把它们在一首赋格曲中合到一起。乐器逐个进来，顺序如前，以短笛开始。

……

交响乐队就是一个光辉灿烂的器乐大家庭，这个大家庭合在一起便给人们带来了一个五彩缤纷而又壮丽辉煌的音乐世界。