电影拍摄技法浅谈
电影拍摄技巧
电影拍摄技巧电影是一种受众广泛，富有观赏性和艺术性的媒体形式。
拍摄一部成功的电影需要众多技术和创意的结合，而其中的拍摄技巧则是不可忽视的重要组成部分。
本文将介绍一些在电影拍摄过程中常用的技巧，以帮助电影人士制作出精彩纷呈的作品。
一、摄影机位的选择摄影机位的选择是电影拍摄中至关重要的环节之一。
通过摄影机位的不同选择，可以突显剧情的紧张感，加强角色的个人魅力，以及传达特定的情感。
例如，当角色面临危险时，可以选择低角度拍摄，以突出角色的力量和勇气；当角色感到害怕或不安时，可以选择高角度拍摄，以表现角色的脆弱和无助。
二、光线运用的巧妙光线是电影创作中非常重要的因素之一，它可以用于表达情感、烘托氛围、突出角色等。
在电影拍摄中，摄影师需要灵活运用各种光线技巧，使影片画面更加生动、有层次感。
例如，利用逆光效果可以轻松地突出人物的轮廓，创造出神秘的氛围；使用阴影可以增加画面的层次感和视觉冲击力。
三、运动镜头的运用运动镜头是电影中常用的一种拍摄技巧，通过镜头的移动来展现剧情，提高观赏性。
合理运用运动镜头可以使观众更加投入剧情，增强电影的张力。
例如，通过手持镜头可以增强戏剧性效果并产生紧张感；通过运用运动平移镜头可以展示场景的全貌，给人以更直观的感受。
四、色彩运用的选择电影的色彩运用是情感表达的重要手段之一。
通过色彩的选择和运用，可以创造出不同的视觉效果和情感感染力。
例如，运用冷色调可以表达出沉闷、冷漠的感觉；运用暖色调则可以表现出温暖、浪漫的情感。
五、剪辑的技巧剪辑是电影制作的重要环节之一，通过对拍摄素材的选择、组合和处理，可以创造出更具有张力的电影作品。
剪辑的技巧包括过渡的选择、镜头的时长和顺序等。
例如，通过使用跳切剪辑可以增加节奏感和紧迫感；通过使用慢镜头可以突出重点，增加戏剧效果。
六、音效的运用音效是电影拍摄中不可或缺的要素之一，它可以增添影片的真实感和观赏性。
合理运用音效可以使电影更加生动有趣，并且能够加强观众的情感体验。
电影摄影的见解和评价
电影摄影的见解和评价电影摄影是电影创作中的重要组成部分，它通过镜头的运用、摄影技术的应用以及色彩、光影等元素的处理，为电影赋予独特的艺术感和情感表达。
电影摄影不仅仅是记录电影的画面，更是通过画面的构图、光影的运用等手法，为观众呈现出导演所要表达的主题、情感和故事。
首先，电影摄影在构图上的见解是至关重要的。
一个好的构图可以为电影创造出独特的画面美感，增强电影的艺术性。
在构图上，摄影师需要考虑到画面中的人物、物体的布局，通过调整镜头的角度、组合不同的元素来呈现出视觉上的层次感和立体感。
一个巧妙的构图可以让观众更好地理解电影的情节和主题，带给观众更深刻的触动和印象。
其次，摄影技术的应用对于电影的成功也起着决定性的作用。
摄影技术是电影摄影师在电影创作中的得力助手，它可以通过调整光圈、快门、对焦等参数来达到不同的效果。
例如，通过快门速度的变化和特殊的镜头技巧，可以呈现出慢动作、快动作、运动模糊等特效，使电影画面更加生动有趣。
此外，使用不同的摄影机器和设备也会对电影的质感产生重要的影响，如35毫米胶片拍摄的画面质感和数字摄像机拍摄的画面质感会有所不同，摄影师需要根据电影的主题和风格选择合适的设备和技术来呈现出最佳的效果。
最后，光影和色彩处理是电影摄影中不可或缺的一部分。
通过合理运用光线和色彩，摄影师可以为电影创造出特定的氛围和情感。
不同的光线和色彩会给观众带来不同的感受，例如，柔和的光线和明亮的色彩可以营造出温馨和轻松的氛围，而冷色调和高对比度的光影则可以增强电影的紧张和冷峻。
光影和色彩的处理也可以通过对比、阴影的运用来突出电影中的关键元素，提升画面的艺术性和观赏性。
总而言之，电影摄影是电影创作过程中不可或缺的一部分，它通过构图、摄影技术和光影、色彩的处理，为电影赋予了独特的艺术感和观赏性。
一个好的电影摄影不仅要能够准确捕捉导演的意图，还要能够通过画面的呈现和表达，为观众带来深刻的体验和感受。
因此，电影摄影的见解和评价需要从构图、技术和光影、色彩等方面综合考量，并且需要结合电影的主题、情感和故事来进行评价。
传媒影视: 知名导演的电影拍摄技巧分享
传媒影视: 知名导演的电影拍摄技巧分享引言电影作为一种重要的传媒形式，在当今社会扮演着极其重要的角色。
知名导演们凭借自己独特的创作手法和拍摄技巧，塑造了许多经典的电影作品。
本文旨在分享一些知名导演常用的拍摄技巧和创作理念，希望能够为有志于从事电影制作的人们提供一些灵感和启示。
导演1：斯坦利·库布里克斯坦利·库布里克是享誉世界的伟大导演之一，他擅长运用镜头语言来表达情感和主题。
以下是他常用的一些拍摄技巧：1. 镜头运动库布里克善于运用稳定器、跟焦等设备实现流畅而富有冲击力的镜头运动。
他通过精确控制相机位置与姿态，增强画面表达力。
2. 无剪辑长镜头库布里克爱用无剪辑长镜头来展示复杂而精心设计好的场景，使观众参与到故事中，增强沉浸感。
3. 对比明暗库布里克擅长使用对比明暗的手法来营造戏剧性效果，通过光影的变化来突出关键情节或角色的内心冲突。
导演2：昆汀·塔伦蒂诺昆汀·塔伦蒂诺以其独特的叙事风格而闻名于世。
以下是他常用的一些拍摄技巧：1. 非线性叙事塔伦蒂诺喜欢打乱时间顺序，通过非线性叙事方式来让观众更加投入剧情。
这种手法帮助他创造了许多令人难忘的电影片段。
2. 镜头组合塔伦蒂诺常常将不同镜头进行组合，创造紧张和悬念感。
他善于利用分屏、交叉剪辑等方式来给观众带来更多惊喜和视觉冲击。
3. 引用经典影片塔伦蒂诺擅长将他最喜欢的电影元素引用到自己的作品中，以致敬和独特的自我表达。
这种手法使他的电影作品带有浓厚的怀旧和文化引用的味道。
导演3：克里斯托弗·诺兰克里斯托弗·诺兰以其复杂而精妙的故事结构和创新的视觉效果而受到广泛赞誉。
以下是他常用的一些拍摄技巧：1. 时间线叠加诺兰经常在故事中运用时间线叠加的手法，通过将不同时段和角色穿插交织来增加戏剧张力和观众的好奇心。
2. 径向镜头运动诺兰善于通过径向镜头运动来展示故事中关键时刻和情节发展，这种手法能够营造出令人紧张且震撼人心的效果。
导演的镜头技巧
导演的镜头技巧
导演的镜头技巧是指导演在电影或电视制作过程中，通过摄影机的运动、角度和构图等手段来表达情感、传递信息或创造视觉冲击的技巧。
以下是一些常见的导演镜头技巧：
1. 前后景对比：通过将主要人物或物体放置在前景或背景中，增加画面层次和立体感，突出重点。
2. 追踪镜头：摄影机跟随主体的运动，营造紧张的氛围，并强调主体的行动。
3. 镜头拉近/拉远：通过摄影机拉近或拉远的镜头运动，改变观众与主体之间的距离感，达到情绪上的冲击效果。
4. 随行镜头：摄影机紧随主要人物或物体移动，以第一人称视角的方式呈现，增强观众的代入感。
5. 深度镜头：运用大景深手法，使画面前后的物体都保持清晰，突出全景画面的美感和空间感。
6. 抖动镜头：通过故意抖动摄影机，模拟紧张或动荡的情况，增加观众的紧迫感和焦虑感。
7. 镜头切换：通过不同的镜头切换方式，如剪辑或跳剪，使故事情节更具流畅性和连贯性。
8. 镜头旋转：摄影机围绕固定点旋转，营造梦幻或迷幻的效果。
9. 高低角度：利用摄影机拍摄角度的高低变化，改变观众对主体的视角，增强戏剧效果。
10. 镜头分割：将画面分割成多个小块或屏幕，同时展示多个角色或场景，创造多重视觉效果。
以上只是一些常见的导演镜头技巧，实际上导演可以根据故事需要和个人创造性自由运用各种技巧来达到更好的视觉效果。
电影摄影的技巧
电影摄影的技巧
电影摄影是一门复杂的艺术，涉及到许多技术和技巧。
以下是一些常见的电影摄影技巧：
1. 色彩和照明：色彩和照明是电影摄影中至关重要的因素。
通过使用不同的色彩调配和光线设置，摄影师可以创造出各种不同的氛围和情绪。
合理的照明和色彩选择可以有力地支持故事的叙述。
2. 深度和组合：深度和组合是摄影中的基本概念。
摄影师可以利用景深的控制，将不同的元素放置在画面的不同位置，以创造出丰富的画面效果。
合理的组合和布局可以增强画面的层次感和视觉冲击力。
3. 运动和稳定：电影摄影中的运动效果是非常重要的。
通过摄影机的移动和稳定，可以营造出戏剧性的效果。
稳定器和其他摄影设备可以帮助摄影师在运动中保持画面的稳定性。
4. 镜头选择和焦距：选择不同焦距的镜头可以改变画面的透视和景深。
广角镜头可以捕捉更广阔的景象，而长焦镜头可以聚焦于细节。
合理的镜头选择可以根据需要来展现场景或者强调角色情感。
5. 摄影角度和构图：摄影师可以通过不同的拍摄角度和构图方式来呈现故事。
高角度和低角度可以改变观众对角色和场景的印象，而对称和不对称构图可以影
响画面的平衡和视觉引导。
6. 切换和剪辑：电影摄影中的切换和剪辑是重要的后期制作技术。
通过剪辑和切换不同的画面，可以改变故事的流动和节奏。
合理的切换和剪辑可以增强故事情感和戏剧性。
这些只是电影摄影中一些常见的技巧，摄影师还可以通过创造性地应用这些技巧来实现自己独特的视觉效果。
掌握这些技巧需要实践和经验的积累，同时也需要艺术家对故事叙述和情感表达的理解。
电影拍摄中的场景设计与布景技巧
电影拍摄中的场景设计与布景技巧电影作为一种视觉媒介，场景设计与布景技巧在电影制作中起着至关重要的作用。
通过精心的设计和布置，场景可以为电影增添真实感、创造氛围，并进一步推动故事的发展。
本文将探讨电影拍摄中的场景设计与布景技巧，帮助读者更好地理解和欣赏电影艺术。
一、场景设计1. 身临其境的感受在电影拍摄中，场景设计可以创造出一个具体的空间背景，并令观众身临其境地感受故事的发生地点。
具体场景设计应基于故事需求，无论是现实的都市街景、农村田园风光，还是奇幻的异世界，都需要通过布置道具、选择背景等手法，将观众引入到情节中。
2. 色彩和灯光的运用场景设计中，色彩和灯光是非常重要的元素，能够为故事的表达营造出独特的氛围。
比如，柔和的黄色灯光可以营造温馨浪漫的气氛，冷色调的灯光则可以给观众带来紧张压抑的感觉。
在场景设计中巧妙运用色彩和灯光，可以让观众更好地融入故事情节。
3. 场景的连贯性电影中的各个场景应该有明确的关联，使整个故事在视觉上更加连贯，场景之间的过渡更加自然。
通过运用相似的色调、线条等元素，或者通过拍摄技巧实现场景的平滑转换，可以帮助观众更好地理解故事的发展。
二、布景技巧1. 素材选取和搭建布景是指通过选取合适的素材和构建适宜的场景来表现角色所处的环境。
在选择布景素材时，应注重细节和真实感，例如通过选择合适的家具、摆设以及装饰细节，使得布景更加贴近故事的背景和角色的性格，从而增强观众的代入感。
2. 空间感的营造布景的设计要考虑到空间感的营造，通过合理的摆放和景深的运用，使得场景更具层次感和逼真度。
比如在宽敞的房间中，可以利用家具的尺寸和位置，增加场景的维度感；在拍摄街头场景时，适当运用透视法和远近景搭建，能够增加空间感的展示。
3. 创意和细节的处理布景设计中，创意和细节处理是非常关键的环节。
通过加入一些独特或者引人注目的元素，能够吸引观众的眼球。
同时，在布景细节方面也要注重，比如墙上的装饰物、地面的痕迹等，这些都可以增加场景的真实感和细腻度。
如何分析一部影片的摄影手法
（1 ）先看光，每个镜头中光是怎么用的，下一个镜头的光有什么变化，有没有投影的变化，有没有黑夜白天的变化，有没有阴天、下雨；（2 ）空间有没有大小的变化，大房间、小房间，有没有室内室外的变化；（3 ）听声音，是同期还是后期，每个镜头中有没有表现出的声音空间来，它是什么样的，下个镜头的声音空间感有什么变化；（ 4 ）背景是什么，与前景的关系如何，它是怎样变的（这是透视关系）；（ 5 ）有没有运动，是画面内的被摄体在运动，还是摄影机在运动，是水平运动（左右横移）多还是纵深运动多。
（ 6 ）有没有用变焦，它是准确地表现了两个人物关系，还是造成了错误的关系，变焦用得多不多，摇镜头有没有增加新的信息或含义；（7 ）注意运动的动与静的关系，是前景有运动，背景没有，或是背景有运动，前景没有，或是前后景都有，或前后景都没有；（8 ）剪辑点在哪里，起幅的画面是怎么样的，落幅的画面是怎样的，如果是一个人在跑，注意起幅的人体造型好不好，看的时候有什么不同，是用切换多，还是用叠化多。
（9 ）在一个镜头中人物的调度是怎样的，有没有第四面墙的舞台处理（即所有镜头中的人都排成一排面向摄影机，就像幼儿园里的排排坐，吃果果。
）演员的单独表演也是力求面向第四面墙？（10 ）音乐用在哪里；有没有主题歌，有作用吗？音乐与人物动作（或称表演）关系，音乐与摄影机运动的关系，音乐与色彩变化的关系，音乐与对话的情绪及节奏的关系，音乐与自然音响（即噪声）的关系等等。
（11 ）如果是故事片，情节的转折点是用什么手段来表现的，是用旁白，还是无声的段落，如果是你的话，你能用无声把这一段落表现出来吗？（12 ）画面上的人物关系变化，有变化，还是没有变化，比如在整个镜头里始终站在B 右边，就没有走到B的左边去过，等等；（13 ）对话写得是否生活化，还是舞台腔，顺口吗？（14 ）每个镜头中人物都穿什么颜色的服装，他们之间的相互关系如何，也就是说，有没有色彩的调度，即作为流动色彩来使用；（15 ）道具在时代、地域、民族、文化方面准确吗？（16 ）时间上是否用闪回，是用什么手段来表现的，合理吗？（17 ）用长镜头吗？最长的镜头有多长，你感觉是长，还是没有实际那么长，这个长镜头内的人物关系是怎样的。
拍摄动作片的特殊技巧
拍摄动作片的特殊技巧动作片作为电影中的一种重要类型，一直以来都备受观众的喜爱与追捧。
在拍摄动作片时，导演与摄影师需要掌握一些特殊的技巧，以呈现出精彩动人的画面效果。
本文将探讨拍摄动作片时的一些特殊技巧，并介绍如何在拍摄过程中营造出紧凑刺激的氛围。
一、动作编排与剧本结合在拍摄动作片时，动作编排是至关重要的一环。
导演与动作指导需要与剧本撰写人员共同合作，确保动作场景与剧情情节紧密结合，以达到更好的叙事效果。
动作编排需要综合考虑动作的流畅性、真实感、节奏感以及情感表达，使得观众能够全身心地融入到电影中。
二、灯光与布景的运用动作片通常需要营造紧张刺激的氛围，灯光与布景的运用至关重要。
在拍摄动作场景时，使用明暗对比鲜明的灯光可以增强画面的层次感，提升动作的冲击力。
同时，合理布置背景道具与拍摄场景，使其更符合故事背景设置，进一步加强观众的代入感。
三、摄影技巧与特殊镜头运用拍摄动作片时，摄影师需要掌握一些特殊的技巧，以捕捉到动作的精彩瞬间。
首先，运用高速摄影技术可以使观众清晰地看到每一个动作细节，增加观影的视觉冲击力。
其次，使用特殊的运动跟踪镜头可以营造出恢弘的场面效果，增加电影的震撼力。
此外，合理运用手持镜头和稳定器，能够使镜头更加稳定流畅，增强观众的观影体验。
四、特效与后期制作在拍摄动作片时，特效和后期制作的运用也是不可忽视的一环。
合理运用特效可以创造出超现实的场景和动作，加强动作片的视觉冲击力。
后期制作中的剪辑、音效和调色等环节都能够进一步提升动作片的观赏性和感染力。
因此，导演与制作团队需要充分利用特效和后期制作技术，将原本拍摄的素材进行精心处理，使之更好地呈现在观众面前。
总结起来，拍摄动作片需要导演、摄影师等人员合作紧密，并运用动作编排、灯光与布景、摄影特技、特效与后期制作等一系列特殊技巧。
通过精心策划与细致完成每个环节，才能够创造出精彩绝伦的动作片作品。
只有掌握了这些特殊技巧，并将之巧妙运用，才能够制作出令观众心潮澎湃的动作片作品。
拍摄电影的技巧
拍摄电影的技巧
拍摄电影的技巧包括以下几个方面：
1. 前期准备：在拍摄前，做好充分的策划和准备工作，包括编写剧本、选定演员、选择拍摄地点和设定场景等。
同时，还要确保拥有合适的拍摄设备和人力资源。
2. 剪辑和镜头运用：在拍摄过程中，要注意合理运用剪辑和不同的镜头来表达故事情节和主题。
同时，要注意镜头的运动和构图，增强画面的美感和视觉冲击力。
3. 灯光运用：灯光是电影拍摄中至关重要的元素，它直接影响到画面的明暗效果和氛围的营造。
合理运用灯光可以增加戏剧性和表现力，让观众更好地融入电影的情境中。
4. 音效设计：音效是电影表现力的重要部分，通过合理运用音效可以增强电影氛围、营造紧张气氛或者增加真实感。
需要注意音效的选择、合成和混音等技巧。
5. 拍摄技巧：除了以上几点，还需要掌握稳定的拍摄技巧，如使用稳定器、运动拍摄技巧等，确保画面稳定流畅。
此外，还要注意拍摄角度和镜头的运动方式，以最好地呈现故事情节和人物性格。
6. 合理运用特效：特效是现代电影中常用的技术手段，能够增加画面的震撼力和视觉效果。
在拍摄电影时要合理运用特效，使其服务于故事情节和角色塑造，并保持与现实场景的衔接性。
电影拍摄技巧
电影拍摄技巧电影，作为一种强大的视觉和听觉艺术形式，能够触动观众的心灵，引发情感共鸣。
而一部成功的电影，离不开精湛的拍摄技巧。
这些技巧不仅能够赋予影片独特的视觉风格和情感氛围，还能有效地传达故事的核心信息。
接下来，让我们一起深入探讨一些关键的电影拍摄技巧。
一、镜头的运用镜头是电影拍摄的基本元素之一。
不同类型的镜头，如广角镜头、长焦镜头和标准镜头，各自具有独特的特点和用途。
广角镜头具有广阔的视野，能够在画面中纳入更多的元素，营造出宏大的场景感和空间感。
在拍摄风景、大场面的动作场景时，广角镜头可以增强画面的冲击力和震撼力。
长焦镜头则能够压缩空间，使远处的物体看起来更近，常用于拍摄特写镜头，突出人物的表情、细节或远处的重要元素。
比如，在拍摄人物的面部特写时，长焦镜头可以捕捉到细微的情感变化。
标准镜头的视角接近人眼的自然视角，所拍摄的画面更具真实感和亲切感。
在一些追求自然和真实感的场景中，标准镜头是不错的选择。
二、构图的重要性构图是决定画面美感和信息传达的关键因素之一。
常见的构图方法有对称构图、三分法构图和黄金分割构图等。
对称构图能够营造出平衡、稳定和庄严的氛围。
在拍摄一些庄重的场景，如宫殿、仪式等时，对称构图可以增强画面的秩序感。
三分法构图则将画面分为九宫格，将重要的元素放置在交叉点或线上，使画面更具吸引力和动态感。
这种构图方法在人物拍摄和风景拍摄中都非常实用。
黄金分割构图基于黄金比例，能够创造出极具美感和和谐感的画面。
许多经典的电影画面都运用了黄金分割构图原则。
此外，还需要注意画面中的元素分布，避免出现过于杂乱或空旷的情况，保持画面的简洁和重点突出。
三、光线的运用光线是塑造画面氛围和情感的重要工具。
不同的光线类型，如自然光、人工光和混合光，都能为影片带来不同的效果。
自然光随着时间和天气的变化而变化，早晨和傍晚的柔和光线、中午的强烈直射光都各具特点。
利用好自然光的变化，可以为影片增添真实感和自然美。
人工光则可以根据拍摄需要进行精确的控制和调整。
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导演、摄影画面处理之经验：北京电影学院院长/张会军(2012-03-30 15:35:24)转载▼标签：文化拉片中注意的若干问题，拉片是学习的手段，是进行量化分析的细化方法：景别与影片风格：景别的排列和节奏：时间，景别落差。
景别的排列形成重复，重复是风格与韵律。
空间：电影空间是银幕空间，不是真实空间，电影摄影机有分解空间的功能，电影导演有组合空间的能力。
注意机位跳跃的幅度，机位跳跃点越多，看见和再现也就越真实。
要注意影片有多少空间形式。
有些著名的影片只有黑夜，空间也拍摄得很好。
机位设定：电影的核心是摄影机，戏剧舞台的核心是人，观看方式和创作方式完全不同。
运动：摄影机的外部运动。
目的：改变视点以及创造节奏。
运动的速度决定了画面的运动。
摄影机创造得复合运动所创造的画面视觉将是很精彩的。
摄影师是很愿意在导演的意图下进行摄影机的运动。
色彩：色彩是人的情绪的外化，是个人心理的外延。
要观察色彩的整体情绪基调和综合感觉。
不要单独的局部和场次的色彩。
光线：唯美：是与生活不一样的，自然：是靠近生活又不与生活一样。
摄影师是要在自然的拍摄中追求唯美。
摄影的肖像光是我们摄影师的看家本领。
摄影师必须控制光和使用光。
是人物造型的关键。
角度：角度=视点，角度=构图。
拍摄人的时候仰拍都是比较好看的，布光混乱，中国的电视播音员全部是俯拍，肩膀做得很窄。
而欧洲的电视播音员总是仰拍5度到15度，肩膀得服装做得很宽。
区域曝光，局部处理：曝光的局部处理，该黑就黑，该毛就毛。
分析对话：对话是推动情节的最好方式，对话是开放的，动作是封闭的，分析说话的状态，速度、音量，说话方式，说话与动作的关系。
美国动作片与语言没有关系，但是叙事一直在前进。
动作：有两种情况：是环境造成的还是内容造成的。
动作是做出来的不是演出来的。
在分析影片的时候，一定要将动作与摄影机的运动分开来分析，摄影机的运动是导演的表现方式，动作上一演员的表演方式。
影像透视：是否变形，现代电影的任务变形已经成为时尚，但是要注意变形是影片的风格还某场戏的手段。
后者的表现力没有力量。
一次手段，二次是重复，三次是风格、四次是大师景深：可以形成场面调度，超焦距也是控制景深的方式，景深范围小的手段是吴宇森创造的，有许多美学意念。
他的拍摄手段往往与高速拍摄连在一起的。
叙事主体：是人还是物，张艺谋的《大红……》《红……》中物与人是相同的主体。
影调：是画面的明暗关系，例如《辛德勒的名单》的结尾。
要学会影调控制。
黑白拍摄要考虑影调的关系。
即使拍摄彩色也要用黑白的观看方式比较一下明度关系。
要学会用色调控制观众的视觉生理和规律。
视线：是语言以外的交流方式。
看镜头和看画面左右效果不一样。
视线一定是对应和呼应的。
视线的作用，在情节和景别构图中是很重要的。
轴线：一个场景中两个人物关系的变化，轴线是人物和机位的关系，要注意轴线是单一轴线和多元轴线。
调度；有两种：A在场景空间充分调度人。
B调机位，用机位将人和场景调度和组织在一起。
要分析机位如何表现人物，分析人物在场景和画面中的什么位置。
人到环境到，人到光线到，人到形象到。
是调度的方法。
位置：人在画面中的位置。
人物的位置处理可以形成影片风格。
同样的谈话戏，人物在屏幕上的什么位置上一非常重要的。
场景：常规场景有外景、内景、实景。
三种场景在影片中的比例会对风格产生决定性的影响。
外景省钱，摄影棚费钱，外景出气氛，内景出戏，实景出调度。
镜头长度，影响到影片的长度和视觉生理压力。
单个镜头长——视觉压力大；节奏慢——全片镜头数量少。
国外电影一般1600—2200个镜头，国内是1500—1800个镜头。
但是如何剪辑完全是感觉的过程。
镜头数量：现代电影观念，镜头数量越多视点越丰富，信息量也会大。
镜头数量多将影响影片的叙事结构，运动镜头多镜头数量则少，也会影响到导演的叙事方式。
气氛：环境气氛的渲染和音乐的渲染，气氛是虚的东西，无法量化，但是在对影片分析的时候要把握相关的内容。
拉片要随时记自己感受。
生活中也要随时记自己的感觉。
电影创作经验经典汇总关于导演导演不能轻易就改变自己的想法，错也就错到底，受所有的人指挥，导演就没有风格了。
还会落得没有主见的下场。
风格和手法一定要有统一，没有统一的“风格”就是贬义词。
现在中国的电影就是缺乏反应镜头，没有对象和空间与观众交流。
拍戏中千万不要改戏，就是该戏的情节，但是导演可以改细节。
镜头的目的要先满足叙事，不要仅仅依靠叙事来表现，写意是形式方面的，写意主要是表现情绪。
要注意过渡戏的时间长短的适度。
在拍摄中，用分镜头图的方式拍摄将会使各种现场工作和相关的调度辅助部门变得非常的容易把握，资金预算也非常的明确。
借位置，借角度的合理性和可能性。
在创作的过程中，导演与演员、摄影师合作的方法是做减法，再做加法，不要一开始就用加法，是所有人的观点就不是自己的风格。
先拍过场戏，再拍内外结合的有灯光戏，让大家进入情景，再拍重要戏，最后拍重场戏。
另外先拍长镜头戏，长镜头戏可以检验设制组的配合关系，可以检验人员素质和团结关系。
不变机位不变视点画面的趣味感就没有，主要是视觉不鲜明。
我国电视台播音员的脖子下面的黑影就是灯的问题，大部分是冷光源，光的影子形成其他造型，使画面效果很差，背后的景物应该比窗帘更深一点。
满眼的蓝色背景，十分难看。
摄制组最有竞争的就是演员，戏的气势，台词的把握，但是演员之间的竞争的结果是容易不团结。
在拉片的时候一场戏的长度时间和镜头数量是研究及其戏与戏之间的比较是分析一个导演的态度和风格的重要参数，研究单一的镜头没有实质的意义。
纪录片和新闻采访拍摄中，人物经常换服装、换场景、换光效才能使画面丰富。
场景决定空间形式，美术决定影像风格，演员决定表演风格，摄影决定动感风格，导演决定影片风格。
蒙太奇是不让观众思考，将主观的思维强迫的加给观众。
这与长镜头的观点是相反的，让观众来自己感受是尊重观众的电影表现手法。
导演要控制实际演员的距离和表演者与摄影机的距离，控制最终的银幕形象与观众的交流的感觉和效果。
导演的本能就是玩摄影机和演员的调度。
徐克电影突出人物和运动的横向与纵向调度，吴宇森注重演员与摄影机的关系，注意与背景的关系距离。
重视人物的出场方式，大特写出场，背影出场。
拍摄中演员的情绪必须中断和保持。
拍摄中一定是跳拍，否则照明、录音就无法操作。
现代电影的主观音乐比主观镜头多，这是一种趋势。
关于学习来电影学院有二种目的，一是拿学位，二是学本事。
关键是能力，关键是结果，学习仅仅是一个过程。
做事要务实，不图虚荣。
选择导师要对自己的专业方向有帮助，选择能很快拿到学位的研究方向学习，不要因为导演系就是好的专业，太多的人去研究就没有就会了。
要做数字电影和动画、游戏的导演，就不能去纯粹的导演系。
学习艺术和搞艺术不要认定真实性，越不真实越能表达艺术和个性，真实的就是仅仅的生活，不是艺术。
学习电影摄影，基础课是十分重要的，电影学院学习摄影的学生第一年是必须掌握静态摄影的基本功的。
想折磨演员就拍静态电影摄影，演员就会出问题。
看电影重要的就是看一场戏怎样开始，看每一场戏的第一镜头是如何开始的。
学习的结果是由环境、方法决定的，每一个人的的成长，智商是一个方面，情商非常重要，谁比谁都不傻，重要的就是学习方法。
导演系学生练习利用镜头表现空间的关系，仅仅给你二个门，让你利用光线、角度、景深的变化，拍摄出进出了许多不同的空间的画面形式。
学问有2种，粗和细的方式。
最好不要玩文字游戏，在写论文的时候不要乱加修饰，花里胡梢。
现在教育部发现研究生论文都是抄的虚的东西。
决不看和批改你的空虚辞藻。
我们学校的学生拍摄中不注意反应镜头的运用，或者不会使用反应镜头，善于运用反应镜头是一个导演技术成熟的标志。
电影学院学生的毛病就是不会讲故事，观念和内容都有，就是不会编辑成故事。
我们学校的学生拍摄故事的电影却要拍成感觉的表现方式，拍摄MTV却拍成故事，这是一个奇怪的现象。
在拉片的时候要随时笔记自己的感受，生活中也要笔记自己的感觉。
人的思想不要走极端，电影是一个合作的行业，没有独立的思维不行，但是。
电影学院的学生对中国电影的最大贡献就是将环境融入了叙事中。
现在要学院要陆续的举办一些大的讲座，搞学院大教堂，请国际的一流的电影大师来讲。
研究的论文和导师的研究的方向要契合，不契合就不会达成教学的关系。
所以论文的选题是很重要的。
能力与过程是两码事。
取得学位的目的就是上高台阶，但是在高台阶上没有那种意识也是不行的，意识不好一下就从上面摔下来。
看电影要看风格和看表现手法，风格和修养每一个人都有。
还要反风格，不要学谁的，学谁的就不是自己的了。
投资小与细节的问题：不要做地下电影，先做学习15分钟的电影，小电影节很多，DV的形式就可以参加比赛。
获奖、拿钱是重要的，基金会、图书馆，给电视台做30分钟，做MTV等，关键是选题。
而时间不一定是15分钟。
电影的学习要的是结果。
“想要知道这个效果的来历吗？回头我再告诉你！！”。
中国电影的学习是要的过程，但是港台电影直接要的是结果。
关于电影摄影外景的拍摄往往比较快和轻松的，但是美术和道具的工作量大，群众演员也是比较麻烦的事。
拍戏先拍大的全景，最后拍静物和局部。
摄影师是磨坊的磨，驴怎么走我就怎么走。
（驴是导演）光、妆以及形体构成形象。
摄影师是：摄影师是操心的命；摄影师是一个细致的性格的人；摄影师又是听话的人；摄影师的脑筋又是非常灵活的人。
形成电影摄影艺术的风格元素包含：画面、镜头、场景、全片。
外部运动和内部运动交替的拍摄。
BW是摄影黑白平衡的缩写，DV是仅仅有白平衡，用于调整色温，正常的时候各色是成比例的曝光的，当光线不充足和色温的时候，摄影机的平衡控制系统就自动补充各色，以达到色彩的平衡，平衡的修正白光的强烈部分，在很黑不能曝光的时候，也平衡到暗部曝光的参数拍摄，使整个画面深色和浅色十分饱满，不是白得什么都看不见和黑得什么都看不见，同时也就修正了画面的偏色。
挑选照相机的时候，有蓝膜就是光学镜头，没有蓝膜就是塑料镜头。
胶片的影像具有厚度，层次好。
而磁带没有办法解决厚度和层次。
一般的摄像师掌握不了高清晰摄像技术的拍摄，需要技术培训。
看一个摄影师的技术，首先就看他将人物的肖像拍摄得怎么样。
在拍摄的一场戏中光圈是不能改变的，一改变画面的景深和色彩就不一样了。
以前的拍摄分镜头是必要的，现在必须注意：可以仅仅是台本，场景看好了才有分镜头，没有看场景就不可能出分镜头，分镜头在现场要走场。
分镜头可以合拍再剪碎成片段。
前期影像视觉化和拍摄方法的电脑预视化是很有发展的，将来电影学院也有这些专业。
摄影的手法千万种，但是银幕上面只有一种。
学习摄影的同学要有2个坚持，空间的大小和光线的满足，其次辅助线条和色块的运用。
在同一场景中的人物的不同的轮廓光的处理。
人物肖像的拍摄一定是明衬托暗的脸或暗的背景衬托亮的脸。