徐健顺基本调与吟诵调
精品01 徐健顺 什么是吟诵
精品01 徐健顺什么是吟诵什么是吟诵徐健顺什么是吟诵呢,吟诵是汉诗文的读法、固有的声音、本来的声音、传统的声音。
几千年来，我们的汉诗文就是这样的声音，它是汉诗文的活态。
汉诗文有读音，有读法。
我们现在是只知读音，不知读法。
什么是读音,比如“汉”字，读为hàn，它的声母是h，韵母是an，声调是四声，这就是它的读音。
什么是读法呢,就是长短高低、轻重缓急。
同样一个“汉”字，有多少种读法,细分起来，至少一百种。
因为读法在各个维度上都至少分三级:长度分长中短，高度分上中下，重度分轻中重，速度分快中慢，在此基础上，还有量的差异，比如同是长音，又有较长和非常长之分。
读法是有意义的。
比如我们说“妈妈”这两个字，写出来，永远就是这么两个字，可是叫出来，可有很多种叫法，而且每种叫法的意思都不一样，我们都明白，妈妈听着也明白。
子曰:书不尽言，言不尽意。
我们要寻找的是汉诗文的涵义，只停留在字义上，隔了两层，怎么可能找到,况且，汉诗文的读法，自古以来是有规矩的。
这些规矩又是有意义的。
为什么要强调吟诵呢,因为现在汉诗文的声音，古诗文的声音，都是所谓朗诵、朗读、歌唱的声音，与吟诵大为不同。
不同在哪里呢,朗诵和唱歌，不遵守吟诵的规则。
吟诵的规则是哪些,我总结叫“一本九法”:声韵涵义为本，入短韵长、虚实重长、平长仄短、平低仄高、依字行腔、依义行调、模进对称、腔音唱法、文读语音为法。
您也可以自己总结，但总之，古诗文的声音是有规则的。
当然这些规则——一本九法——有的是所有的汉诗文共同遵守的，像入短韵长、依字行腔;有的是某些文体遵守的，如近体诗词要平长仄短、平低仄高。
比如入短韵长，入声字读短，韵字读长，这是所有古诗文，所有的声音形式——唱、吟、诵、读、念——都遵守的。
现在的朗诵和唱歌，不遵守了。
比如近体诗词要平长仄短，二四六平声字读长，现在的朗诵和唱歌，不遵守了。
比如依字行腔，以前所有的吟咏、歌唱都遵守的，现在唱歌不遵守了，倒字一大片，不上字幕谁也不知道他在唱什么。
徐健顺：什么是吟诵
什么是吟诵(2011-08-29 21:27:50)徐健顺李白诗云：“吟诗作赋北窗里。
”杜甫诗云：“新诗改罢自长吟。
”吟诗，是古代文人的一项基本技能，是人人都会的事情。
诗词文赋，从来就不是朗诵的，而是吟诵的。
所谓吟咏诗词，诵读文赋，吟诵，就是“吟咏”和“诵读”的合称。
它们的共同特点，是都按照诗文内在的格律或节奏来吟诵，而这一点，正是西方传来的朗诵法所忽略的。
吟咏和诵读的区别，在于吟咏多有曲调，而诵读多无曲调。
现在我们已经按照有没有音阶和曲调，来区分“吟”（吟咏）和“诵”（诵读）。
吟诵和歌唱的区别，在于歌唱是曲为主词为辅的，而吟诵却是以词为主的，它的目的是更充分地表达词意，所以严格地依字行腔。
是像唱歌一样地诵读，不是像诵读一样地唱歌。
所以吟诵听起来，又像唱歌，又像诵读，介于唱和读之间。
吟诵的曲调，各地都不一样，甚至每个人都不一样，与当地的官话以及地方的音乐有密切的关系，但是又有一些普遍遵守的原则，比如平长仄短、依字行腔、文读、曼声长吟、摇头摆身等等。
这些都有它科学的道理。
吟诵是古代文人创作诗词文赋的手段，所以是古典诗文的活态。
欣赏的时候，也只有通过吟诵最能体会古典诗文的神气韵味。
吟诵还是学习古典文化的方法，在私塾中代代相传了三千多年。
因为中国的文化和西方的文化不同，学习者需要掌握大量的经史子集知识，要大量地背诵，才会有所习得。
吟诵不仅是记忆的高效方法，而且吟诵本身就是对作品的反复揣摩，所以它也是理解作品的自学方法。
鲁迅在《从百草园到三味书屋》中描写道：那就是鲁迅的老师寿镜吾先生在吟诵。
鲁迅、胡适、朱自清这些老一代的白话文大师们，之所以能写出那么好的白话文，也是因为他们从小就打下了深厚的古典文化功底。
这其中，吟诵功不可没。
朱自清、叶圣陶等许多文化大师们都曾经撰文，大力提倡在中小学恢复和发展吟诵传统。
今天，吟诵已经濒临失传的边缘，我们是不是应该抓住这最后的机会，做点什么呢？。
5 徐健顺 关于普通话吟诵标准的建议
关于普通话吟诵标准的建议徐健顺一、普通话吟诵的定义：1、除个别字使用文读读音外，基本上使用普通话的读音。
2、遵循吟诵的基本规则。
二、普通话吟诵的对象：1、普通话吟诵的对象是所有的汉语古诗文，以及现代人创作的汉语古近体诗文。
三、普通话吟诵的分类：1、普通话吟诵，分为普通话吟咏和普通话诵读。
2、普通话吟咏有曲调，普通话诵读没有曲调。
四、普通话吟诵的学理依据：1、吟诵的语音历代都有所变异，普通话可以在遵循吟诵规则的情况下进行吟诵。
2、吟诵历来有雅言传统，各地的吟诵都使用文读语音系统，这体现了吟诵使用民族共同语的理念，对于维护民族文化的统一和传承都具有重要意义。
五、普通话吟诵的读音：1、普通话吟诵基本上使用普通话读音，只有下列情况使用文读读音。
2、入声字读普通话的声、韵、调，但是读为短音。
入声字的范围以平水韵为基准，参考各时代、各地域的特点而定。
除上古时期南方诗文外，所有古诗文都要读出入声字。
3、韵字要读出押韵。
韵字的读音可参考古音。
但是可以宽读，只要听感上押韵就可以。
韵字要拖长，收音在韵尾。
4、古平声字现读为仄声的，如果在格律体诗文的格律位置上，则读为平声，具体读音可参考古音；在其他位置上则不限。
六、吟诵的规则：1、普通话吟诵的目的，是力求完整、准确、深入地传达出诗文的涵义，尤其是使用声韵手段，传达声韵涵义。
2、普通话吟诵当遵守吟诵的规则如下。
3、依字行腔，即字音的声调与乐音音程方向一致，不倒字。
4、依义行调，即整体旋律节奏体现出诗文的涵义与结构。
5、对称模进，即古体诗文乐句旋律之间的关系以模进为主，近体诗文乐句旋律之间的关系以对称为主。
6、平长仄短，即近体诗文的韵字、格律位置的字拖长，入声字读短，其余的字大体为中等长度。
7、文读语音，见上。
8、腔音唱法，即汉语传统的唱法，包括以橄榄型发音为主、咬字完整、字正腔圆、圆转雅正、自由节奏、自由体态等。
9、古体诗韵字拖长（入声韵顿住），入声读短。
节奏上，魏晋以前的可以根据诗意定快慢，魏晋的新体诗按其规则吟诵，唐以后的古体诗一般有均匀节奏地吟诵，七古快于五古，古体诗整体快于近体诗。
06徐健顺基本调与吟诵调讲解
基本调与吟诵调徐健顺一、中国音乐的创作序次我们中国人的音乐传统，是先词后曲。
《尚书》说：诗言志，歌永言，声依永，律和声。
这段文字，到了《礼记》则表述为：故歌之为言也，长言之也。
说之，故言之；言之不足，故长言之；长言之不足，故嗟叹之；嗟叹之不足，故不知手之舞之，足之蹈之也。
——《礼记·乐记》《毛诗大序》又表述为：诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。
情动于中而行于言，言之不足，故嗟叹之，嗟叹之不足故永歌之，永歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也。
这些话的意思都是相同的，即诗歌舞的序次是：情——言——诗——歌——舞先有感情，心动了，有了感情，于是有话要说；话说出来，不足以表达感情，于是拖长它；还不足以表达感情，于是加上叹词；还不足以表达感情，于是和上乐律歌唱；还不足以表达感情，于是载歌载舞，这就是古代的跳舞了。
我们从中可以得出几个结论：第一点，全部都是从感情出发的。
志者，心之所之也，心所神往的地方，也是感情的意思。
没有感情，就没有诗歌，也没有舞蹈。
诗歌、音乐、舞蹈，都是从感情里自然生发出来的。
今日的流行歌曲和所谓舞蹈，都是表演的。
甚至很多人认为艺术就是表演艺术。
岂不知，生活艺术才是艺术。
艺术就是在生活中，感情来了，挣脱了动物性的羁绊，绽放出人性的光辉，就是艺术了。
表演艺术永久是二流的。
表演就是假装。
为何每次演出都要这样唱？为什么每次到这里都要这样跳？难道感情没有任何变化？从前的艺人都是知道这一点的，所以要钩脸儿，把自己藏在脸谱的后边，还要出场先亮相，表示自己不是那个角色。
也正因这样，从前的艺人严于修身，有气骨有艺德。
此刻从大众到艺人，都认为演艺明星是艺术专业户，艺人就只有离艺术更远了。
生活艺术才是真实的艺术。
宗教艺术，是那人真的信奉。
剪纸艺术，是那人真的那么想。
这些都不是表演。
歌唱，是有话要说才唱的。
唱的是自己的词，唱给自己也许他想见告的对象，不是不认识的人，不是虚空的大众。
舞蹈，是身体自然的动作，用以表达他的感情。
06徐健顺基本调与吟诵调讲解
基本调与吟诵调徐健顺一、中国音乐的创作顺序我们中国人的音乐传统，是先词后曲。
《尚书》说：诗言志，歌永言，声依永，律和声。
这段文字，到了《礼记》则表述为：故歌之为言也，长言之也。
说之，故言之；言之不足，故长言之；长言之不足，故嗟叹之；嗟叹之不足，故不知手之舞之，足之蹈之也。
——《礼记·乐记》《毛诗大序》又表述为：诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。
情动于中而行于言，言之不足，故嗟叹之，嗟叹之不足故永歌之，永歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也。
这些话的意思都是一样的，即诗歌舞的顺序是：情——言——诗——歌——舞先有感情，心动了，有了感情，于是有话要说；话说出来，不足以表达感情，于是拖长它；还不足以表达感情，于是加上叹词；还不足以表达感情，于是和上音律歌唱；还不足以表达感情，于是手舞足蹈，这就是古代的跳舞了。
我们从中可以得出几个结论：第一点，一切都是从感情出发的。
志者，心之所之也，心所向往的地方，也是感情的意思。
没有感情，就没有诗歌，也没有舞蹈。
诗歌、音乐、舞蹈，都是从感情里自然生发出来的。
今天的流行歌曲和所谓舞蹈，都是表演的。
甚至很多人以为艺术就是表演艺术。
岂不知，生活艺术才是艺术。
艺术就是在生活中，感情来了，挣脱了动物性的羁绊，绽放出人性的光辉，就是艺术了。
表演艺术永远是二流的。
表演就是假装。
为什么每次演出都要这样唱？为什么每次到这里都要这样跳？难道感情没有任何变化？以前的艺人都是知道这一点的，所以要钩脸儿，把自己藏在脸谱的后面，还要出场先亮相，表示自己不是那个角色。
也正因如此，以前的艺人严于修身，有气骨有艺德。
现在从大众到艺人，都以为演艺明星是艺术专业户，艺人就只有离艺术更远了。
生活艺术才是真正的艺术。
宗教艺术，是那人真的信仰。
剪纸艺术，是那人真的那么想。
这些都不是表演。
歌唱，是有话要说才唱的。
唱的是自己的词，唱给自己或者他想告知的对象，不是不认识的人，不是虚空的大众。
舞蹈，是身体自然的动作，用以表达他的感情。
徐健顺教授：吟诵的方法（建议收藏）
徐健顺教授：吟诵的方法（建议收藏）徐健顺，著名吟诵专家，中华吟诵学会秘书长。
中央民族大学副教授，硕士生导师。
吟诵是一种方法，而不是腔调吟诵是一种方法，不是腔调。
各地的吟诵调是不一样的，每个人的吟诵调都是不一样的，同一个人吟两遍，还是不一样的。
关系越近的吟诵，其腔调就越接近。
“吟”跟“唱”表面相似，实际是相反的。
吟诵更注重自我精神的表达，而不是欣赏曲调；而唱，则更注重听众对乐曲的欣赏。
一本：声韵涵义吟诵之本，即吟诵的目的，是把诗文的涵义以及吟诵者的精神真实完整深刻地传达出来。
吟诵的时候，尤其要运用声韵手段，传达声韵涵义。
九法：入短韵长、虚实重长、依字行腔、依义行调、平长仄短、平低仄高、模进对称、文读语音、腔音唱法。
1、入短韵长。
这是所有的汉诗文的所有的声音形式都遵守的规则：入声读短、韵字读长。
入声实际上原来是读促、读塞的，因为有塞音尾。
当然也读短。
现在想在普通话中恢复是不可能了。
而短是最重要的特征，普通话可以做到，所以我只强调短。
而且，一旦短，你想刹住读音，就自然要紧喉加上塞尾，自己就加上了，不用教。
入声之短是有意义的。
因为当初哪些字是入声字，也是有规则的。
入声是感情最激烈的一类，有急促、快速、决绝、痛苦等意。
在诗文中，当别的音都拖长的时候，它拖不长，只能还是短，所以对比更加突出，它的语音的涵义也就更加突出了。
韵字之长（不包括入声韵），也是统一的。
不长不叫韵。
韵字拖长也是有意义的。
而且，押韵是汉诗最重要的事。
2、虚实重长。
这是文赋的读法。
字分实、虚、入，音分短、重、长。
我们的汉诗文，历来就是长长短短、高高低低、轻轻重重、快快慢慢的，而且一般是长中短、上中下这样三分的。
现在我们的朗读，都给读没了。
入声字读短。
实字和虚字，各分平、重、长三种读法。
平读，就是平常地读。
重读，就是用力地读。
实字的逻辑重音、语法重音要重读。
虚字的副词一般要重读。
长读，就是比重读还重读。
实字的特别重音的字，尾字重读字等等，会长读。
?徐健顺普通话基本调与吟诵调
徐健顺普通话基本调与吟诵调一、普通话基本调就是每首诗歌分为上、中、下三个调（有层次感）。
所谓上、中、下调，就是一个人对付字的基本吟咏法。
拿到汉字作品，就能用这个调吟出来。
先把这个调套上去再说。
这也就是以前所谓的“读书调”。
有人说，“读书调”千篇一律，读什么都那个味。
是的，这就是基本调的性质。
古人每个人的基本调也不是只有一个。
古体至少一个，近体至少两个，因为近体诗要分平起、仄起，这两种诗格律完全相反，吟诵调的旋律也就相反。
实际上，很少有人只有这么三个吟诵调。
一般还要按照情绪风格有豪放、婉约两种，这就成了六个调。
但是，读书人并不是只有基本调的。
吟诵实际上就是一个理解的过程。
吟诵需要反复涵咏。
在不断吟诵的过程中，不断地对基本调进行微调，进行越来越多的修改，以表达自己对作品的理解。
等到自己终于满意的时候，也就是自己认为终于深入理解了作品的时候，这时候，他的调已经跟基本调有一定的、甚至很大的差异了。
这就是吟诵调了。
二、普通话吟诵调跟今天的歌曲一样，是一词一曲，一一对应的。
一首诗的吟诵调，是只适合这首诗的。
一个人不可能每首诗、每篇文都有吟诵调。
他只会对自己最感兴趣的那些诗文反复吟诵，反复琢磨。
一般说来，一个人有上百个吟诵调，就算多的了。
所以，吟诵调尤为珍贵。
现在大家可以明白，吟诵不是曲调，而是一种方法。
吟诵的好与不好，最终并不取决于嗓音、旋律等等，而是取决于理解。
对作品理解的深，才会吟诵得好。
三、一首诗歌中每个字的长短用节拍来区分一三五不论，二四六分明（很关键）。
将长短吟诵出来，才能吟诵出诗歌的节奏、诗人的语气、诗歌的意境。
半拍：入声字给半拍。
一拍：一三五位置上的字不论平仄都给一拍，二四六位置上的仄声字亦给一拍。
两拍：二四六位置上的平声字尤为关键，给两拍。
三拍：韵字最长，给三拍。
五、吟诵符号：（“-”平，“|”仄，“！”入）四、格律诗吟诵口诀口诀一：一二声平三四仄，入声规则很奇特。
平声吟长仄声短，韵字平仄皆回缓。
01徐健顺什么是吟诵
01 徐健顺什么是吟诵什么是吟诵徐健顺什么是吟诵呢,吟诵是汉诗文固有的声音、本来的声音、传统的声音。
几千年来，我们的汉诗文就是这样的声音，它是汉诗文的活态。
为什么要强调吟诵呢,因为现在汉诗文的声音，古诗文的声音，都是所谓朗诵、朗读、歌唱的声音，与吟诵大为不同。
不同在哪里呢,朗诵和唱歌，不遵守吟诵的规则。
吟诵的规则是哪些,我总结叫“一本九法”:声韵涵义为本，入短韵长、虚实重长、平长仄短、平低仄高、依字行腔、依义行调、模进对称、腔音唱法、文读语音为法。
您也可以自己总结，但总之，古诗文的声音是有规则的。
当然这些规则——一本九法——有的是所有的汉诗文共同遵守的，像入短韵长、依字行腔;有的是某些文体遵守的，如近体诗词要平长仄短、平低仄高。
比如入短韵长，入声字读短，韵字读长，这是所有古诗文，所有的声音形式——唱、吟、诵、读、念——都遵守的。
现在的朗诵和唱歌，不遵守了。
比如近体诗词要平长仄短，二四六平声字读长，现在的朗诵和唱歌，不遵守了。
比如依字行腔，以前所有的吟咏、歌唱都遵守的，现在唱歌不遵守了，倒字一大片，不上字幕谁也不知道他在唱什么。
朗诵和唱歌，什么都不遵守，一切都是从自己的理解出发，想怎样就怎样。
所以那“自己的理解”常是无根的乱解。
朗诵来自话剧，在中国出现还不到90年。
话剧需要大声，所以“朗”读“朗”诵。
朗诵是汉语欧化的产物。
什么是吟诵,守吟诵规则的就是吟诵。
我现在不强调古代唱、吟、诵、读、念等等之间的区别，是因为我们现在需要强调更大、更重要的区别，就是古代的声音和现在的声音的差异～这里有一条巨大鸿沟，而且国人不知道有这条大沟。
古代所有的声音形式，唱吟咏哦读念诵歌，都遵守吟诵的规则。
其间的差异，只是音乐性多少、发声方法如何等等的问题。
现在的朗诵、唱歌，都不遵守这些规则，它们的规则都是所谓“西方”的。
读错就会理解错。
现在我们读汉诗文，可以说没有一句是读对的，唱对就更不可能了。
所以没有一句理解到位，只是差多少的问题。
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基本调与吟诵调徐健顺一、中国音乐的创作顺序我们中国人的音乐传统，是先词后曲。
《尚书》说：诗言志，歌永言，声依永，律和声。
这段文字，到了《礼记》则表述为：故歌之为言也，长言之也。
说之，故言之；言之不足，故长言之；长言之不足，故嗟叹之；嗟叹之不足，故不知手之舞之，足之蹈之也。
——《礼记·乐记》《毛诗大序》又表述为：诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。
情动于中而行于言，言之不足，故嗟叹之，嗟叹之不足故永歌之，永歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也。
这些话的意思都是一样的，即诗歌舞的顺序是：情——言——诗——歌——舞先有感情，心动了，有了感情，于是有话要说；话说出来，不足以表达感情，于是拖长它；还不足以表达感情，于是加上叹词；还不足以表达感情，于是和上音律歌唱；还不足以表达感情，于是手舞足蹈，这就是古代的跳舞了。
我们从中可以得出几个结论：第一点，一切都是从感情出发的。
志者，心之所之也，心所向往的地方，也是感情的意思。
没有感情，就没有诗歌，也没有舞蹈。
诗歌、音乐、舞蹈，都是从感情里自然生发出来的。
今天的流行歌曲和所谓舞蹈，都是表演的。
甚至很多人以为艺术就是表演艺术。
岂不知，生活艺术才是艺术。
艺术就是在生活中，感情来了，挣脱了动物性的羁绊，绽放出人性的光辉，就是艺术了。
表演艺术永远是二流的。
表演就是假装。
为什么每次演出都要这样唱？为什么每次到这里都要这样跳？难道感情没有任何变化？以前的艺人都是知道这一点的，所以要钩脸儿，把自己藏在脸谱的后面，还要出场先亮相，表示自己不是那个角色。
也正因如此，以前的艺人严于修身，有气骨有艺德。
现在从大众到艺人，都以为演艺明星是艺术专业户，艺人就只有离艺术更远了。
生活艺术才是真正的艺术。
宗教艺术，是那人真的信仰。
剪纸艺术，是那人真的那么想。
这些都不是表演。
歌唱，是有话要说才唱的。
唱的是自己的词，唱给自己或者他想告知的对象，不是不认识的人，不是虚空的大众。
舞蹈，是身体自然的动作，用以表达他的感情。
现在我们见到的舞蹈，大都是谄媚于人。
这不是我们中国人所谓的舞蹈。
舞蹈和歌唱一样，都没有什么美不美，只有感人不感人。
所以会说话就会唱歌，会走路就会舞蹈。
每个人都不一样，每次都不一样。
这才是艺术。
第二点，我们的旋律和节奏，是从语言中生发出来的。
因为我们的语言，是声调语言，还是旋律型声调语言，天然地与音乐相通。
西方的语言属印欧语系，是重音语言，他们有重音没声调，天然只与节奏有缘，而与旋律较远。
所以西方需要作曲家。
作曲这件事，在西方是天才才能做的事，需要拍脑袋的灵感，而灵感需要刺激，所以贝多芬的头发是那样的，艺术家在西方近乎疯子。
中国历史上，几乎没有作曲家。
我们有编曲家、演奏家、作词家、歌唱家，就是没有作曲家。
像姜夔自度曲，已经是很特殊的事情了，所以他要反复提起。
况且“度”也不是西方作曲，而是在长短高低规则已定的情况下，选择乐音和结构的过程，实际上接近编曲。
我们不需要作曲家，是因为人人都是作曲家。
在中国，作曲不是个什么事儿。
把想说的话拖长，往音阶上一放，就是歌曲。
语音的长短高低轻重缓急，就化为音乐的旋律节奏。
这件事，每个说汉语的中国人曾经都会。
我们从小就体会语言的声音的涵义，学习使用声音去表达。
妈妈呼唤刚出生的孩子：“宝宝——”，其实孩子对这个声音的涵义一无所知。
但是，他会慢慢去体会。
慢慢地，他会明白，当妈妈说：“宝宝~~”的时候，是喜欢他；说“宝宝！”的时候，是生气了。
他会从语音、表情和动作中体会涵义。
他也就会用语音、表情和动作表达自己的意思。
汉诗文是用声音创作的，先吟后录，或者吟了不录，当创作完成的时候，它基本上都还是声音的作品。
用声音创作，自然会用声音调节。
当他表达一种高兴的情绪时，不会使用低沉的声音、闭口的声音。
这是每个说汉语的中国人的本能。
所以诗词文赋，就有声音的涵义。
况且诗文还是有声音规则的，长短高低轻重缓急，是有规则的，按照这个规则去创作的，声音的涵义是按照这个规则去表达的，所以诵读时怎能不遵守这个规则呢？不遵守，又怎能找到作品的声音的涵义呢？第三点，我们是诗歌舞一体的。
我们的诗叫诗歌，我们的舞叫歌舞，我们的乐叫歌曲。
西方的语言与节奏相关，与旋律比较疏远，所以语言和音乐相对分离，他们能欣赏纯粹的乐曲的声音，从旋律和节奏中感受情绪。
中国人当然也能，但是汉语和节奏、旋律都很相关，语言和音乐是紧密结合在一起的。
我们几乎没有器乐曲的传统。
古代的音乐基本上都是有词可唱的。
我们的音乐叫唱歌。
旋律和节奏，是从语言中生发出来的，不是拍脑袋另创造的。
现在我们有民乐队，经常演奏中国的器乐曲，其实那些曲原来都是有词的。
我们抛弃词，只欣赏曲，很大程度上是受到了西方音乐传统的影响。
现在连弹古琴的也不会唱了，都闭着口弹。
在古代，吟咏时自己抚琴相和，就是琴歌，不抚琴，就是清吟。
琴曲都是琴歌，琴歌都是吟诵。
现在琴谱的打谱也有问题，不遵守吟诵的规则，长短高低就经常不对。
古琴界的人士，将来一定要重新学会吟诵才好。
不是说中国没有器乐曲，当然也有的，但不是主流，中国人更爱唱歌，而且，即使是这些器乐曲，原来也是从语言中生发出来的，原来也是有词的。
我给你唱一个旋律：0 6．1 2 3. 53 1 2 6．—，虽然我唱的只是一个旋律，没有词，但是你的心中有没有响着“让我们荡起双桨”的声音？有词的旋律和没有词的旋律是不一样的。
有词的旋律，即使没有唱词，演奏者和听众的心中，也一样有词的声音。
我们应该重视我们华夏民族的歌唱传统，我们的旋律是从语言中生发出来的，我们的情感是靠语言来表达的，应该恢复和发扬我们的按词歌唱的传统，摆脱西方器乐曲的影响。
第四点，古诗文基本上是书面语，古代的书面语和口语也是不同的，最大的一个差别，就是书面语是拖长的，或者说，拖长是书面语的一个主要特征。
不是说所有的书面语都是拖长的，但是总的来说，大多数书面语是拖长的。
这就是“歌永言”、“长言之”的意思。
今天我们是用口语的方式对待古代的书面语了，这是个错误。
古诗文是拖长的，这一点非常重要，对于理解汉诗文的形式特点，是一个基础性的认识。
第五点，我们的诗是可以入乐歌唱的，所以叫诗歌。
入乐歌唱的方法，叫做“律和声”，即把拖长之“言”放到音律上，也就是宫商角徵羽上。
凭什么来放到音律上呢？凭什么知道哪个字放在哪个音律上呢？这个不是靠西方作曲家的拍脑袋的灵感，而是我们的语言的天然习惯。
我们汉语的上古音，是旋律-音高型声调，各声调之间大致有个音高的相对关系，所以四声对五音，也有个对应关系，因此才可以“律和声”。
（具体论证请见《声音的意义》。
）所以现在我们吟诵，也是按照声调的相对音高关系，来大致确定字的乐音。
只不过现在的汉语已经是旋律型声调语言了，四声已经不能对五音，已经变成音程之间的较为复杂的关系了。
明白了以上五点，就可以谈谈吟诵的曲调的问题了。
二、腔与调在中国音乐的创作顺序“情——言——诗——歌——舞”中，现在我们来专门关注一下从“诗”到“歌”的过程，也就是曲调的产生过程。
这就是中国式“作曲”法。
中国自古没有作曲家，就是因为人人都会作曲。
会说话就会作曲，会走路就会跳舞。
中国式作曲的方法，叫做依字行腔、依义行调，中国的歌曲，是有腔有调的。
什么叫腔，什么叫调呢？比如有这样一条下行旋律线：现在要用这个旋律唱普通话的四个字，声调分别是一声、二声、三声、四声，那么唱出来就是这样的：原来的那条旋律就是“调”；每个字根据它的声调而改变了的旋律就是“腔”；“调”加“腔”，就是“曲”，即实际唱出来的旋律是：如果唱四声、三声、二声、一声，就是这样：实际唱出来的“曲”是：曲是腔和调的合成，就像两个波的叠加。
如果用五线谱或者简谱记下来，就是记的这个“曲”。
我们看到这两个“曲”完全不同，但是却是同一个“调”。
所以中国的音乐，是不能用五线谱和简谱记的，一记，腔、调全混在一起，谁也搞不清楚哪是腔哪是调。
我“发明”了中国式记谱法，就是腔、调分记，把调记在一条线上，把腔分记在上下，这样就一目了然了。
比如二人转《小拜年》：6．05322163．3．正月里来是新年呀这样就看得很清楚，每个字都是有腔有调的，这一句的调是个平调，加一个下行的尾腔。
第三句的调和第一句是一样的，就是腔不同：6 6．．06．6．053221655．．家家团圆会呀比如“年”这个字，唱的时候要向上挑一下，再接下行的尾腔：3532216．，“会”是同一个调同样的位置，但是因为是四声，就没有向上挑，而是直接用下行的尾腔表示声调的降调了：532216．。
如果“会”也唱成：3532216．，就成了“回”了，就倒字了。
“团圆”都向上挑，而“是”、“新”两个字就都没有上挑，而是分别用下降和平的音程，这就是声调的体现，也就是“腔”。
西方音乐，有主干音和装饰音；中国音乐，有腔和调。
西方所谓的装饰音，在中国歌中，有的是腔，有的是调，不可混淆。
西方所谓的主干音，在中国歌中，应该属于调，但是，也有判断不清，误把腔看成主干音的情况。
所以，分不清腔和调，是搞不清中国音乐的。
调，才是中国音乐的“主旋律”。
中国音乐，不可直接以西方音乐理论来分析。
有了“腔”，就永远不会倒字。
以前中国人唱歌，是永不倒字的。
唱歌的目的是什么？不是为了耍帅，不是为了摆pose，而是为了把歌词传达给对方（或者自己）。
字都唱倒了，还传达什么？你说话的时候怎么不倒字呢？你怎么不把“来碗拉面”说成“赖完辣棉”呢？因为那样说了对方听不懂啊，你就算是来个刘德华式pose也没用啊。
那么唱歌的时候为什么就不管词了呢？你到底是想表达什么呢？一次，我在出租车上听广播，刘德华在唱《爱你一万年》。
我怎么听都是“爱你一碗面”啊，还以为给“面爱面”做广告呢。
“万”是第四声，是降调，可是他唱的是35，3长5短，这就成了一个三声的腔音，那不是“碗”吗？“年”是第二声，是升调，他反倒唱成了176．．的降调，再加上他mn不分，就成了“面”。
更要命还在后面：“爱你经得起考研”！天哪，原来刘德华也考研，现在真是考研成风了。
“验”是第四声，他却唱12，听着不就是“研”吗？如果一位男士跪在你的面前向你求婚，口称“爱你一碗面！”你会答应他吗？千万别答应！就算他是刘德华！因为他对他所说的话毫不在意，他的全副心思，都在他的pose上，都在他的帅上，都在他的旋律节奏所暗示的浪漫上，可是，对于他正在发的誓言，却如东风过耳。
一个人不重视他所唱的词，还唱个什么意思！没有意义。
中国人，一定要言为心声，绝不能倒字。
有一个贴子，在网上流传十年了，还在不断地增加，还有人在不断地往上贴新的，因为总有新歌出来，就总有笑话出来。
这个贴子叫《听错的歌词》，大家可以自己上网找找。
其中大部分都是倒字问题。
我这里摘一部分，笑死人不偿命啊：“学习雷锋，好榜样……李昌坚定豆子香……”这个李昌是谁呢？为什么他坚定了，豆子也就香了呢？因为豆子也是爱国的吧。