浅谈中国画用色、用墨的技法
“墨分五色”释评
2018/06 No.196凤不待五色而。
意在五山水中的五色随着四时阴晴的变化而有不同的如果用墨把这些变化的特征大体花赤、论 坛用泼墨，水墨淋漓，苍茫而厚重。
明代大家徐渭更是把“墨分五色”运用到了极致，他以狂草般的笔法纵情挥洒，笔墨酣畅，淋漓尽致，在“似与不似之间”的花木形象中，充分利用水墨的色彩表现力，着眼于气韵的体现，把在生宣纸上随意控制笔墨的表现力提高到前所未有的水平。
他的《墨葡萄》以狂草笔法入画，充分利用墨的表现力，渲染出丰富的层次，充分表现出无人采摘的野葡萄隐现于如点点泪痕般的墨叶中，表达出了“笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”的愤懑之情，把“墨分五色”的表现力充分地发挥了出来。
而近代绘画大师黄宾虹对中国画的笔墨技法更有过深入的研究和见解，并概括出“五笔七墨”的用法。
所谓“七墨”即浓、淡、破、泼、积、焦、宿。
他喜爱夜山、晨昏和云雾之中的山，而夜山、晨昏的山常呈现深沉苍老之色，而这种画面意境的充分表达与他的“七墨”之法是分不开的。
他用墨浓重而变化丰富，表现出了浑厚华滋的画面意境。
黄宾虹所指的积墨是用墨的多次重复和累积，一层层渲染，反复多次。
待一遍干后再来一遍，次数虽多，但墨色不可僵死，要既黑又厚，层次要丰富。
破墨分为“以浓破淡”和“以淡破浓”。
它与积墨不同的是，破时应待墨未干时进行。
破墨之法运用广泛，运用到位会使画面产生意想不到的效果和意境。
泼墨主要用于大写意，用大笔饱蘸水分，笔尖再蘸浓墨，稍加调和，然后笔尖再调浓墨、焦墨，大笔横涂竖抹，尽情挥洒，痛快淋漓。
也可用小碗等器具调好墨而泼于纸上，然后以浓、焦墨破之，破墨之法容易出奇，枯湿浓淡，酣畅淋漓。
宿墨是指墨研好之后，在砚台内存放数日，作画效果奇特，画面苍茫而润泽。
中国画的成功是多种墨色和墨法的有机结合，浓、淡、破、泼、焦、宿，不同墨色交替使用，融为一体，才能把画面的气氛渲染到位，把画面的笔墨韵味表现出来。
“墨分五色”是中国水墨画的一条重要原则和用墨方法，中国画的“墨分五色”是通过用笔表现出来的。
国画技法-中国绘画的基本技法图文教程
国画技法-中国绘画的基本技法图文教程中国画最基本的技法主要讲用笔、用墨、用色、用水。
一、用笔书画同源。
中国绘画的用笔跟中国书法的用笔基本相同，因为中国绘画的主要造型手段是采用书法式的线条。
甚至有人说，把中国书法学到家，中国绘画就学到了一半。
用笔的方法又包括身法、指法、腕法。
身法是指在书写或绘画时身体的各个部位要采取正确的姿势，姿势又分为“坐姿”与“立姿”。
“坐姿”就是坐着书写或绘画，身要正，肩要平，背要直，两腿分开，双脚平放在地上，左手按纸，右手执笔，两眼注视下笔处，眼与笔尖保持约30cm的距离，全身要舒展，自然放松，精神集中。
一般写小字和画工笔画都是坐着写或画。
如果写大字或作写意画就要采取“立姿”，其要领和坐姿相似，要特别注意勿使驼背，防正僵直。
指法是执笔的关键。
(如图一)中指与食指勾住笔杆的外侧；大拇指的指肚抵住笔杆，与中指、食指形成合力握住笔杆；然后，依靠无名指由内向外抵住笔杆，加上小指在无名指的下面辅助推动，配合上面的中指、食指和大拇指，使笔头能做360°的自由挥动。
“指法”的要领：指实而掌虚，各手指按不同的分工落在实处，灵活运用，要点在“灵”字上。
从生理上讲，肌肉要放松，掌心要空虚，似乎能放入一个鸡蛋。
手在笔的位置应根据字的大小有所不同，一般在笔头的3-4cm的上面。
运笔时，笔杆要保持与纸面垂直。
初学者要注意，一开始就要掌握正确的姿势与方法，以期久而久之养成良好的习惯，以免日后积习难改。
当然作为绘画，特别是作写意画和大画的时候，其执笔的方法就有所变化，可参考以后的示范作画图。
腕法上述“指法”固然重要，同时也要注意腕力和肘力的相互配合，这是三个有机组成部分，缺一不可。
相对说，腕力尤为重要，熟悉乒乓球的人都知道，球拍的握法类似指法，但击球技巧中，腕力、肘力甚至臂力都需有机结合，他们也十分重视腕力。
中国书画在运用腕力上有以下四种不同的方法：着腕，是把手腕部附着在桌上，偏重于用指力，多用于写小楷和工笔画勾线。
国画基础入门：怎么调墨和颜料调色
国画基础入门：怎么调墨和颜料调色真羡慕你这么早就能认识国画教程还有10万人和你一样欢迎投稿，一起学习国画，拉你进群，加我微信1486789584，进群暗号：国画导读：中国画用墨的干、湿、浓、淡、清来体现物象的远近、凹凸、明暗、阴阳、燥润和滑涩。
墨分五色：清、淡、重、浓、焦。
而决定这五种墨色的关键是墨中水的比例，本教程讲解国画中调墨和颜料调色的方法，点击图片查看大图可看清图中小字。
【墨色的调法】注：下面示意图中的水滴不是真实的水滴分量，只是概指一份水、两份水等水的分量，对水的用量把握需要读者在案例练习中不断吸取经验。
浓墨的调法将笔全部浸入水中，不用刮去水分，直接用笔中保留的水分调和墨汁，调出来的墨为浓墨。
重墨的调法将笔全部浸入水中，提起笔时用笔轻轻在笔洗边刮一下，用笔中保留的水分调和墨汁，调出来的墨为重墨。
淡墨的调法将笔全部浸入水中，不用刮去水分，直接用笔中保留的水分调和墨汁，这样重复蘸两次水调出来的墨为淡墨。
清墨的调法将笔全部浸入水中，不用刮去水分，直接用笔中保留的水分调和墨汁，这样重复蘸三次水调出来的墨为清墨。
【墨色的调和步骤】1 选好笔，放入水中按压，将笔毛散开，这样可以将笔腹中残留的颜色洗净，以保证不会有其他颜色残留。
再收笔，在笔洗的边缘擦（刮）两下，以减少毛笔上过多的水分。
2 按照毛笔中的墨色由浅到深的顺序，先将笔肚蘸入淡墨。
3 接着将笔的前半部分蘸入重墨，这样就调好了两种墨色。
4 然后用笔尖蘸入浓墨，注意笔头的最顶端也可以有少量的水。
5 最后，用纸巾轻轻吸收一些水分，就完成了笔的调色。
【国画调色技法】中国画历来重视色彩的运用。
古人受朴素唯物主义的影响，色彩讲究简练概括，常有明显的平面意味和装饰效果。
以描绘对象的固有色为主，常用的方法是用墨色和彩色相结合来描绘对象。
单色调和图解复色调和图解导读：用笔的方法是中国画学习的重点。
本教程侧重介绍各种毛笔、笔毫的性能和笔锋的作用，以及通过用墨、用水而达到的各种艺术效果。
浅谈对中国画及其创作的认识
浅谈对中国画及其创作的认识中国画是中国传统绘画艺术的一种，它源远流长，具有悠久的历史和独特的魅力。
中国画以墨、笔、纸和绢为主要材料，通过线条、色彩和构图等手法表现主题，其创作具有独特的技法和审美特点。
中国画在表现主题和情感方面有其独特的特点，其美学观念和审美情趣与西方绘画有明显区别。
下面将对中国画及其创作进行一番浅谈。
中国画的艺术特点在于笔墨的运用。
中国画的传统工具是毛笔和墨汁，而中国画家的创作主要依靠笔墨的运用。
毛笔的特点是柔软，能够灵活地表现线条的变化和墨色的斑斓，墨汁则可以通过不同的浓淡和水墨交融的方式表现出不同的色彩和纹理。
中国画家主要通过笔墨的运用来描绘形态和表现色彩，以此来塑造画面的整体氛围和意境。
通过对比墨色的韵味和线条的神韵，中国画能够表现出深邃的意境和博大的气魄，给人以意境悠远、意境深远的美感。
中国画的构图和意境表现。
中国画在构图和意境表现方面也有其独特的特点。
中国画对画面的构图有严格的要求，注重画面的“虚实”和“远近”，以此来呈现画面的深度和层次。
中国画家在构图时注重寓意和象征的表现，以表现出画面的内在意蕴和审美情趣。
中国画在意境表现方面追求“意境圆融”和“意象意境”，通过绘画手法表现出画面的情感和内在意境，使观者在审美过程中获得心灵的愉悦和感动。
中国画在技法、构图、意境表现和情感表达等方面都具有独特的魅力和审美情趣。
中国画通过笔墨、构图和意境的表现来呈现出深沉的内涵和丰富的情感，给人以深远的意境和心灵的陶醉。
中国画在创作和欣赏过程中，不仅能够体验到艺术的魅力，更能感受到文化的底蕴和精神的力量。
相信在今后的创作和实践中，中国画定将焕发出更为绚丽的光芒，为人类的审美体验和精神寻求带来更多的惊喜和感动。
浅谈中国画笔墨问题
浅谈中国画笔墨问题中国画以其独特的风格和技法在世界范围内享有盛誉，而中国画所使用的画笔和墨汁也是其独特魅力的来源之一。
中国画的画笔墨问题一直备受关注，它对于绘画的效果和艺术表现起着至关重要的作用。
在中国画的绘制过程中，画家们往往需要运用到不同类型、不同材质的画笔和墨汁，以达到不同的艺术效果。
本文将浅谈中国画笔墨问题，探讨其在中国画中的重要性以及其特殊的艺术魅力。
中国画笔墨问题在中国绘画史上有着悠久的历史，作为中国画的重要元素，它们的选择和运用对于绘画效果和艺术表现起到至关重要的作用。
我们来看看中国画笔的问题。
中国画笔种类繁多，不同的笔法需要不同的笔类，如羊毫笔、狼毫笔、兼毫笔等等，都有着不同的特点和用途。
羊毫笔适合于写意画法，狼毫笔则适合于工笔画法，因为它的笔尖柔软、可以描摹出工笔画中的细腻线条，而兼毫笔则是一种综合型的笔类，适用于写意和工笔画法。
不同的笔类具有不同的弹性、韧性和吸水性，这些特点决定了画家在绘画中所能表现的线条和笔触的效果，同时也决定了不同笔类所适合的绘画风格和主题。
中国墨汁的选择对于中国画的效果和艺术表现同样具有重要的作用。
中国画墨汁主要分为固体墨和水墨两大类，固体墨又可分为硬墨、软墨和横笔墨等。
对于绘画主题和表现手法的选择，需要根据不同的题材和风格选用不同种类的墨汁。
硬墨的颜色较为浓重、书写和绘画效果比较清晰，适合于工笔画法；软墨颜色淡雅、水性较好，适合于写意画法；横笔墨则是一种特殊的中国画墨汁，其颜色较为鲜艳，适合于花鸟画等表现生动的题材。
而水墨的选择则需要根据绘画的风格和表现手法进行选择，不同的水墨墨汁具有不同的流动性和渗透性，它们对于中国画的湿墩、水墨渲染等技法产生重大影响。
除了种类的选择之外，中国画笔墨的质量也对绘画效果具有决定性的影响。
优质的画笔应该具有韧性弹性好，水性充沛等特点，而墨汁的优质与否更是决定了绘画效果的好坏，如何搭配好画笔和墨汁，根据不同的题材和风格进行选择，因而也成为了中国画家们在创作中不可或缺的技巧。
浅谈中国画教学中的笔墨情趣
浅谈中国画教学中的笔墨情趣中国画是我国悠久的传统文化艺术之一，它拥有博大精深的艺术内涵，富有浓厚的人文情怀。
在中国画教学中，笔墨情趣是至关重要的一个方面，它是表现画家的个性和风格的重要手段，也是充分体现画家对艺术的理解和把握的重要标志。
本文将探讨中国画教学中的笔墨情趣。
一、笔墨情趣的概念笔墨情趣是中国画中的一个非常重要的概念，它包括了笔墨的艺术特点和画家个性的体现。
其中，笔墨是指画家使用的各种笔和墨，在画面上形成各种线条和颜色；情趣则是指画家在笔墨运用中所表现的情感和意境。
二、笔墨情趣的表现方法1.用笔的姿势和手法表现情趣中国画汲取了许多中国传统文化的精华，并且在一定程度上反映了画家的人文情怀和审美意识。
在表现笔墨情趣时，画家可以通过用笔的姿势和手法来表现自己的情感和意境。
例如，用粗笔描绘草木，可以表现出自然生长的力道和风骨；用细笔描绘山石，可以表现出景物的静态美和神韵；用抽象的笔法表现情感和心境，可以突出画家的个性和情趣。
2.墨的深浅变化表现情趣在中国画中，墨的深浅变化是很重要的，它可以帮助画家表现出情感的深度和丰富性。
例如，大量运用浅墨和淡墨可以表现出画家细腻、含蓄的情感；而多用浓墨则可以表现出画家豪迈、激昂的情感。
3.用色彩表现情趣中国画的色彩非常重要，它不仅可以帮助画家表现场景和人物的颜色，而且可以帮助画家表现出情感和意境。
例如，用红色可以表现出浓烈的情感和热烈的气氛；用黑色可以表现出神秘、深沉的情感和神韵。
同时，在用色彩表现情趣的时候，画家需要注意色彩的和谐和适宜性，不要过于艳丽和浓烈，使画面失去平衡和美感。
三、如何培养笔墨情趣在中国画教学中，培养学生的笔墨情趣是非常重要的，它不仅能够提高学生的绘画技巧，还可以培养学生的审美意识和文化修养。
以下几点可以帮助学生培养笔墨情趣：1.培养学生的文化修养中国画是中国传统文化的重要部分，它蕴含着深厚的文化内涵。
因此，在教学中应该注重培养学生的文化修养，让他们了解中国画的历史和传统艺术风格，从而提高学生的审美意识和文化素养。
中国绘画的设色方法及分析
中国绘画的设色方法及分析中国独幅绘画的设色方法大致可分为三种，即重彩、浅绛、水墨，宋代以前多为工笔重彩，元代以后兴起浅绛、水墨。
从题材内容上又可分为人物、山水、花鸟三大类。
隋唐、五代、两宋时期人物画很发达，元代以后山水、花鸟画渐居主要地位。
新画法的产生是技法的丰富和水平的提高，然而一种新画法的产生对于老画法不是简单地代替，而是并列存在，只是在几种着色方式并存的情况下，某一时期更为盛行其中某一种画法而已。
中国画中的重彩法又称大着色，指用石青、石绿、石黄、朱砂、胭脂、铅粉、泥金等颜料在矾的絹或宣纸（即熟絹或熟宣纸）上，用勾填的方法，以勾勒为基础而后填色。
重彩人物画是先勾线后填色。
现存最早的是东晋顾恺之的《女史箴图》、《洛神赋图》，用色有米、淡赭、黄、白、墨、胭脂、淀蓝、草绿等。
着色方法以浅色勾线，浓色傅染，微加点缀不求晕饰，呈现清丽典雅的特点?唐代人物画的色彩已非常丰富绚丽，用色上有极大的选择自由。
如阎立本的《步辇图》，张萱的《国夫人游春图》、《捣练图》，周昉的《簪花仕女图》，设色浓艳而脱俗，和而柔和，着色方法亦丰富多样，反正面打底敷色，层层渲染，使平涂的色彩显得厚重而不单薄色与线结合紧密形成一个完美的整体。
同时，这却重彩的特点在无名画家与民间画工的作品中也很突出，并在各代人物画中都得以延续。
五代顾闳中《韩熙载夜宴图》用色更为丰富，除墨、朱红等重色外，还用了浅绿、浅蓝、淡褐、深绿等复色，勾线的色彩也因度色不同而有变化，着色技法严谨细腻，色调明丽而沉着。
（图141)重彩山水就是青绿山水或金碧山水，其中又有大小青绿之分。
小青绿是用石绿积在山石上，加花青分出阴阳向背，再用淡墨与草绿进行适度破染。
若在浅绛基础上罩染石青，则不加勾皴而只用破染。
大青绿用色浓艳用笔工整，纸或絹的正、背两面都着色，面上用头青，背后再用头青衬托，底色用花青。
石绿用草绿打底，背面仍用石绿衬托。
石青、石绿、朱砂、石黄上用花青、草绿、朱漂、胭脂、曙红罩染。
中国画用色方法
中国画用色方法中国画用色方法导读：中国画也成为国画，在国画上对于用色的技巧上，非常重要，一起来学习一下吧！干染湿染通常勾好墨线后，在纸上烘染淡墨或设色称为千染，这种干染在匈线干了以后即可进行。
于染的特点可以出现用笔和飞白，虽是染也可以看到行笔的力量。
湿染的方法是对画面全部或所需要湿染的部分普遍喷湿或刷湿以后，冉进行杂色。
湿染的效果与干染不问，虽然看不出用笔，但染得匀，染得润。
哪些地方可以用湿染方法呢?一般用在画雨景山水上;求其烟雨弥漫的气氛用湿染法最好。
方法是在山水勾被以后，全画用清水喷湿约十分钟，使水分稍渗后，用淡墨烘出雨脚，山影、远山，一次不够，乘湿再染，这样烟雨的气氛就加强了。
当然雾景，夜景云气也可以湿免一般在画水的部分，勾出水纹后，也可以进行湿染，以增加水的色调及水的感觉。
染法既可以用墨，也可以用花青或草绿色，为了不使水面平板，可以留出一些白色的波光。
云也是留出白纸云形，要染出动的感觉。
湿染主要适用于生纸，可渲染出湿润的效果。
如果画雪景留曲时，湿染不容易留出白雪位置，而干染又不润，这时也可以在水中加胶后再行加染，这样，既润而又不致大渗。
湿染不适用熟纸，熟纸的染仍需使用碰染法，慢慢退晕着染。
至于用大写意的方法画画，则不适用于湿染。
有的山水画天和水时，只留下空白就够了，要看画面需要，不一定都加染。
积粉水与粉产生碰染，一般称为积粉，画花卉常用这种方法。
其法是用一支笔蘸粉，一支笔蘸水，沿花瓣的边缘部位往里染，一个花瓣一个花瓣的边缘都把粉积好了，再用颜色笔反方向的由花心往外染，到边沿上留下白边，就可以使每片花瓣翘立起来，有凌空之感。
花瓣画完后，再用浓厚些的粉点出花心，如是黄芯，以用粉配合少量藤黄点出，也可先点粉后用藤黄罩一下，厚起的粉点会有凸出的立体感。
这里也有一个矛盾，比如说，铅白能够点出厚度，但容易反铅变黑，不宜使用.锌白不能凸出，蛤粉最好，但价高又易糊笔，拉不动笔尖，应了解各种粉质的性能后，酌情使用。
浅谈中国画的笔墨与气韵
浅谈中国画的笔墨与气韵摘要:中国画是我国各民族人民共同创造的具有几千年发展历史且久盛不衰的传统绘画,它有自己的独特面貌.笔墨是中国画艺术表现的主要手段,气韵是人间天地之真气与人的思想、感情、精神相融会从而寄托在笔墨之中,体现于作品之中的气象和境界,两者在中国画艺术中尤其重要缺一不可。
关键词:中国画笔墨气韵境界1 笔墨是中国画艺术表现的基本要素1.1 用笔在中国画中的重要性就用笔的本意来讲,用笔就是指在纸上随意画出的痕迹,包括大小点、线条、块面等,而线条是中国画造型的基本手段。
线条不仅可以表现物体的轮廓,也能用来表现物体的明暗和质感。
用恰当的线来表达对象的形象特征,达到以形写神的目的。
唐代的张彦远就说过:“夫象必在于形似,形似须舍其骨气,骨气形似皆本于立意而归乎用笔,故工画者多善书”。
北宋郭若虚说:“凡画,气韵本乎游心,神采生于用笔,用笔之难,断可识矣”。
从以上古人的论述中,我们可以看出用“笔”不仅仅是表现工具的操作问题,而且在如何用笔的问题上,提出了许多富于特色和意趣的理论:“用笔时,须笔笔实,却笔笔虚,虚则意灵,灵则无滞。
迹不滞则神气浑然,神气浑然则无虚灵”。
也就是说用笔要虚实结合才能使画面生动传神。
“以其一笔而藏万笔也”这句话最能表达出用笔所反映的特征及它的重要性。
1.2 用墨色的重要性用墨就像用色,主要为了表现物体的明暗、色彩等。
墨虽是黑色的,但中国画却有“墨分五色”的说法,五色是指:浓、淡、干、湿、焦。
清代方薰说:“墨法, 浓淡、精神、变化,飞动而已”。
在具体的墨法上,我们可以感受到古人深入浅出的思考带来的启示,比如说:“墨太枯则无气韵,然必求气韵而漫羡生矣。
墨太润泽无文理,然必求文理而刻画生矣。
凡六法之妙,当于运墨先后求之”。
随着中国画的发展,笔墨已经成为艺术表现中不可缺少的内容。
近代画家石涛游遍山川奇境,运用奇妙纵横的笔墨,写神会目睹的妙境,真气远出,时刻不忘以“自然”为师,于造化氤氲的气韵中求笔墨的真实基础,他提出:“笔墨当随时代”的精辟见解。
中国画的笔墨特点
中国画的笔墨特点中国画的魅力在于笔墨技法的运用，笔墨是中国画关于状物和传情达意的艺术技巧，笔，是指运用毛笔以勾、勒、皴、点等不同技巧，表现变化无穷的线条情趣;墨，是指运用墨的浓淡、疾缓、干湿等，以烘、染、泼、积、破等方法，使之产生丰富而细微的色度变化，在宣纸上呈现出动人的效果。
中国画笔墨的技法还讲究运笔的流畅性。
在有节奏的气脉连贯的流动线条中，笔走龙蛇，顾盼生姿，互相呼应中发生出美的力量。
如音乐，舞蹈一样中途不能打结，一条线也不容打结，“欲行不行，欲止不止”，是运笔之病也。
宋郭若虚曰笔有三病：扳、刻、结。
板乃“死板”、呆滞、无生命力，没节奏与韵律。
刻乃刻露，妄生圭角，行笔犹豫，结疙瘩，无法体现内在骨力与生命力。
只有流畅的线才能体现内在的运动着的生命活力。
潘天寿曰：一条线中也有峰，即指笔迹中的起伏，线有方园、扑拙、灵秀、光毛之不同。
中国画用墨的方面，从艺术的角度感觉其厚重而不轻薄，感觉厚而运笔薄。
透明：不透明则僵化，滞气，没有活力。
要看似薄而透亮，厚而不浊。
总之要画之薄，感觉厚，活泼、透明、灵动、不伤笔触，每一层都有效果才是好墨。
丰富：指层次复杂多变而不简单轻薄，要繁而不浊，灵透而不薄。
“笔墨”对于中国画而言，那就是核心。
是根，是本。
在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。
用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。
一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。
用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。
要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。
古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。
而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。
一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。
用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。
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浅谈中国画用色、用墨的技法
【摘要】中国画以笔墨作为主要艺术语言，其色彩亦有相对独立完整的系统。
中国画的用墨是运用墨色变化的技巧，以墨代色产生了“墨分五色六彩”的说法。
中国画颜色与墨调配使色相发生了丰富的变化。
可见色墨适当混用，可使色气达到不浮不滞，画面效果极佳。
【关键词】中国画；用墨；用色
中国传统绘画有着辉煌的成就，它扎根于中华民族深厚的文化土壤之中。
有着比西洋画更加独特的特征，中国画主张黑白分明，把纯黑的黑色作为统帅画面的骨架和基调，色彩处理要在墨骨的基础上考虑。
中国画的用墨使中国画与其它画种用色形成了明显的区别。
尤其是水墨画的色彩，基本上是在墨的基调上进行以求得单纯的变化。
中国画的用色是以墨为主，以色为辅，色墨交融，但又墨不碍色，色不碍墨，达到画面色调和谐的画面效果。
1.中国画的用墨理论
1.1色不碍墨、墨不碍色
色彩是绘画效果的敏感部分，中国画在色彩处理上有独特的规律，它与西画对色彩的观念和运用都不相同，按照西画的观点，各种色彩皆由红、黄、兰三原色调配而成，而把“黑”和“白”称为“无彩的色”。
在颜料的使用上一般也忌用纯黑、纯白，黑和白也和其他色彩一样是随着光的变化而变化的而中国画用色和用墨则要“色不碍墨、墨不碍色”。
[1]所谓“色不碍墨”就是在画面效果中色的运用不能影响到墨在画面上所产生的效果，“墨不碍色”也就是说在画面效果中墨的运用不能影响到颜色在画面上所产生的效果。
它们之间是互不侵犯相得益彰以墨笔表现出的，就不以设色为主。
以颜色表现的，就不以用墨为主，从而使画面和谐。
1.2墨分五色六彩
唐张彦远《历代名画记》曰：“运墨而五色具。
”[2]五色，即焦、浓、重、淡、清，而每一种墨色又有干、湿、浓、淡的变化，这就是中国画用墨的奇妙处。
此外，还有墨分六色之说，清代的唐岱在《绘事发微》中谈道：“墨色之中，分为六彩。
何为六彩？黑、白、干、湿、浓、淡是也。
”又云：“墨有六彩，而使黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不瓣，是无凹凸远近也。
”[3]以中国画墨色变化的丰富程度是可想而知了。
没有变化的墨色必然呆滞板浊，成为没有生气的死画。
一个画家成功往往离不开用墨的精能，如齐白石画虾所以能妇孺皆知，一个重要的原因也就在于用墨的得当。
如今我们所见到他笔下的虾形态栩栩如生，通体透明而坚韧的虾壳，特别是虾的头部，在脑壳墨色清淡处，浓墨一笔即为虾脑，真是妙到了绝处。
由此可见六墨具备对比适当，墨即是有色彩的光辉。
1.3色墨混用
清代张庚《国朝画征录》说：“画绘事也，古来无不着色，且多青绿金粉，自王洽泼墨后，北苑继之，方有水墨”。
[4]中国画颜色调配法，颜料与颜料的调配，效果并不是太好，这样的调配法并不是中国画理想的路子。
但是中国画颜色与墨调配使色相发生了丰富的变化。
如石绿加墨，石绿更为深沉，石绿的颜色也不太飘了；朱磦加墨染出的人脸，不显粉气。
水墨画始源于既为诗人又是画家的王维，托名为王维所作的《山水诀》中说：“夫画道之中，水墨最为上，肇自然之性，成造化之功”.[5] 这里也可看出”墨即是河’的国画着色原理。
色易俗不易古雅，墨易古雅不易俗，以墨配色，颇足以济用色之难。
可见色墨适当混用，可使色气达到不浮不滞，色中有墨，墨中有色。
水墨与颜色混用，可收到多姿多彩的墨趣，其层次之多和意外之变化都是任何色彩所难以奏效的，所以张彦远认为：“玄化无言，神工独运。
草木敷荣，不待丹绿之彩”。
又说，“而五色具，谓之得意；意在五色，则物象乘矣”。
[6]因此前人有“墨为诸色之母”。
正因如此，形成了中国画特有的用墨与用色的艺术特征。
，可收到多姿多彩的墨趣，其层次之多和意外之变化都是任何色彩所难以奏效的，正因如此，形成了中国画特有的用墨色混用的艺术特征。
2.中国画的用色技法
中国画的用色方法与其它画种大有不同尤其表现在“没骨法”的绘画中中国画用色大体有三种：一种是勾填法即勾线后填加色彩；第二种是勾勒法是沿着线的外缘设色的一种方法；第三种就是没骨法。
中国画如按样式份可分为重彩和淡彩，淡彩则使“墨韵既足，然后敷色”这就是以大部分墨色浓淡的变化当作颜色使用达到“墨中有色、色中有墨”的晕化效果，这是国画着色的一大变化，近代的画家为了开拓探索更为广阔的路子，又逐渐使用了泼彩和淡彩、重彩并用的着色方法，使中国画的色彩表现力加强了。
下面介绍几种传统的设色方法：
2.1平染
用水调和颜色在碟子里后，不分浓淡的平涂在线纹的边缘，叫做平染。
这种方法，不需要用水作深浅的晕染。
所以，看来比较容易掌握，但是要涂得又匀又细，在平染时，色不能调得过浓，一遍不足时可以再染一遍。
2.2碰染
碰染法多数应用在宣纸或熟绢上。
方法是手上同时嵌住两支笔，如画荷花时，一支笔蘸洋红，一支笔蘸白粉，到纸上互相碰染，产生好看的颜色，比在色盘中经过调拌的色调鲜明，其意外效果全在于碰，所以色不能调得大干，才能在色与色相碰时互相渗透而产生晕染效果。
“碰染”也叫“承染”是传统的老办法。
2.3染分
碰染是一次完成法，分染是把一道工序分成两道来完成。
方法是把碰染中的
色调，按照阴阳向背，分出层次，一般要染多次。
如染人脸传统的“三白”法，就是分次烘染而成的。
其法是额头、鼻子到下额部分先行涂薄粉一次，再以稻石通染，遇到发亮的地方用淡储石，如嫌色调不足，干时可再用罩染一次。
如画月季花，在用洋红烘染出阴阳反正后，下次再染白粉；画青绿山水，山石的根部先染赭石，下一步用石绿画没有着色的下部，慢慢退晕到与赭石互相衔接。
染色时，要求染得自然而无痕迹。
2.4罩染
国画家使用单色的矿物色及植物色时，如需进行间色的调配，常常是通过罩染。
罩染一般是在分染的基础上，变色相的作用如朱砂变紫，绿罩染藤黄变成嫩黄，铅粉罩染胭脂变成粉红。
因此，画家所理想的色调便通过另一途径来达到，这便是前面所说的罩染，过（下转第296页）（上接第294页）去称为笼套。
也就是说，我们如要得到一种紫的颜色，可以先用胭脂涂上一层，再笼罩一层花青，便产生了紫色。
凡有火气的颜色，均可罩上淡墨以减火气。
再以画花叶为例，在用花青碰染出深浅之后，再用二绿，三绿一层一层地罩染这样自然显得亮堂发光。
然后再用花青配藤黄而成的绿色，一道道地罩染两遍这时花叶就步的鲜润厚重，焕发出绿色的光泽。
2.5衬染
国画用的绢或纸。
质地都比较细薄，颜色有透射力，常常是正面着色透穿纸背，而纸背着色，也可以反托到纸面上。
所以国画也就利用衬染这一方法，使颜色更为沉着厚重，且原有笔划不致日用石色而掩盖衬染背面的颜色，可以用画面上的色调，也可以改变为起配合作用的颜色。
随着社会的发展，色彩的运用越来越丰富多彩技法更加多样。
如泼彩、岩彩等画的发展为中国画的发展提供了广阔的前景。
3.结束语
现代中国画存在一个问题，即缺乏绚丽而协调的色彩。
更新理念，立足本民族的优秀文化传统，大胆吸收西方艺术中的色彩，构筑新世纪东方美术体系的新格局，是当代中国画家亟需解决的重要课题之一。
要想创新，必先继承，要认真学习传统艺术，领悟中国艺术的真谛。
我们要继承与发展民族传统，如果仅仅停留在传移摹写上，不去弘扬深层的文化精神，那就是本末倒置。
在今天这个开放的视觉世界里，中国画的发展途径亦应是开放的、多元视觉的，怎样创新、怎样发展、最后的结果如何肯定不是某一个人、某一家能够使之尘埃落定的事，中国画的发展创新需要一代又一代的努力！■
【参考文献】
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