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中国“山水画”与西方“风景画” 对比研究 摘 要：中国山水画与西方风景画在画坛都占有重要地位。这两种表现相同的对象却采用不同的表现手法的艺术形式在世界艺术宝库中占有极其重要的地位。它们分别处在两种不同的文明当中，不管是在东方古老璀璨的历史和文化中，还是在古希腊及罗马的巨大艺术成就中，这两种艺术的审美价值都是人类发展的宝贵遗产。中国的“山水画”和西方的“风景画”都以自然山水和风景为题材，但他们属于两种不同的绘画体裁，在作画方式和表现手法上有着本质的区别。中国山水画家在自然中虚静养气、畅神达意，体现的是一种林泉高志，这正是山水画之东方精神；而西方文艺复兴之后的风景画是科学地再现客观世界的形式，追求形式的数学逻辑与和谐完美，表现逼真的自然空间。本文重点论述了在不同的文化、历史背景下造就的两种不同的绘画形式及空间表现方法，认为其根源是中西不同的美学思想和艺术精神所致。
关键词：山水画；风景画；中西美学思想比较 人类与生俱来就拥有对自然的热爱以及对身边环境的关怀。从遥远的古代开始，艺术家即把眼中所见，心中所感付诸于画笔，无论在东方还是西方，这样的山水画或风景画都有着悠久的历史。
长期以来，中国人把山水画看作仅次于书法的一门高难度的视觉艺术，要是画人物或花卉，画家能自由发挥的余地很少，但创作以山水为题材的绘画，就能体现炽热的情感，浓郁的诗意，以及深厚的哲学观念。所以山水画成了中国早期特别丰富和广泛的艺术语言。苏试的“书画同一律”中的“画”，在很大程度上就是山水画。可见山水画在中国艺术当中的地位是其它艺术难以达到的境界。
要分折评价中国传统山水画独特个性和特殊规律，探讨山水画与西方风景画的异同是必要的。从这个角度来说，研究中国绘画而不去顾及西方风景画的历史情况，更是不恰当的。对中西绘画作比较研究，实质上也是探索两者的“异同关系”。中国的山水画，作为中国艺术的主要组成部分，本质上是属于写意的艺术，而欧洲的风景画，作为欧洲绘画体系的一部分，本质上属于写实的类型。艺术的写实与写意并没有价值判断高低优劣之分。写实与写意的界限也是模糊的，写实中不可能没有写意，而写意中也不可能完全没有写实的因素。否则，写实则成了机械的模仿实物而无主观感情成分。写意也会变成脱离自然物象世界的纯粹抽象人的感官将无法把握。欧洲写实艺术之所以经久不衰，正是因为这种艺术在具体描绘(也是有取舍的)对象的同时，寄托了作者的主观感情，是一种恰当的艺术表现方式；中国的写意山水画，之所以没有被西方的抽象艺术所取代，正是因为这种艺术在抒发主观感情的同时，没有完全离开具体物象世界的描绘，在视觉上能引发人们的与具体描绘对象有关的联想，给人们以美的启迪与享受。 中国的山水画走向独立要早于西方的风景画千余年。这是可以肯定的。“独立的中国山水画出现在魏要南北朝之间(公元4世纪前后)，而西方的风景画出现在17世纪的荷兰。中国山水画的历史比欧洲要早1000多年”。这种局面由特定的东西方的文化背景所导致的，在中国动荡战乱的魏晋时期，因孔孟之道的约束而不可能继续发展，在思想意识上，继汉末腐朽的经学束缚被冲破后，产生了玄学。在魏晋时间的玄学大振中，人们逐渐自觉主动地体会山情水境。
在魏晋之前，山水与人之情绪相融，不一定是出于以山水为美地对象，也不一定是为了满足美地要求。但到魏晋南北朝，则主要是以山水为美地对象，追求山水，主要是为了满足迫寻者的美地要求。
雅好山水之游，重视山水与修养的关系，是魏晋时期之风气。不仅身居高位的简文帝出入华林园，主动地去亲近山水，而且大批的文人也将热情投放到高山名川中。要在山水中得到尽情地满足。所谓“纵情于山水之间”，对魏晋文人来说，不是夸张之语。
中国北魏时期的石刻作品《孝子棺石棺线刻》(图1)所刻绘孝子故事，刻画山水的形象已表现出很高的水平。画中主要以山水连缀故事，出现了山石树木与人物的比例基本谐调，有一定的空间效果，不再是“人大山小”呆板形式，反映了早期山水题材的面貌。在《佚名》作品《逃往埃及》(图2)年和后来意大利画家提香的作品《逃往埃及》(图3)两篇同名西方画作中，我们可以较清楚地看到西方风景题材一开始也是作为人物活动的背景而出现的，风景只是人物活动的点缀和衬托。这和中国山水画的出现形式的命运基本相似。
图1 《孝子棺石棺线刻》 图2《逃往埃及》佚名 图3《逃往埃及》 1494年西洋风景画最重要的先驱之一的德国画家丢勒的作品《意大利阿尔卑斯山风景》和尼德兰画家帕特尼尔画了一幅名为《渡过冥河》。在这两幅作品中，特别是前者，可以说自然风景作为绘画的主要题材占据了整个画面，而且还特别注意表现光影的变化。为西方风景画成为独立的绘画科目尊定了基础，也是我们现在能看到的西方最早的独立风景画。现存西方佛罗伦萨画派的画家贝诺佐>戈佐利的风景作品《东方博士的行列》，它和魏晋时期山水画的形式大同小异。也是群峰排列，比例不称，山中点缀很多复杂的禽兽之属；也有表示纵深方面的画境，和顾恺之《画云台山记》（图4）中的构思相似，只是年代相差甚远。戈佐利的这幅风景画空间感的效果不佳，可见这时西方风景画的也处在不成熟的阶段。所以，以表现自然的风景画到十六、七世纪方才出现在西方国家比中国二三世纪就出现以山水为题材的绘画要落后十多个世纪，之后，随着西方文艺复兴运动的深入发展，描绘自然风景的绘画终于从单纯作为人物画背景的状态中解放出来而逐渐成为独立的画种。这和中西艺术意识基础的不同有关，这种不同制约着艺术所表现出来的自然风貌的不同。
图4 顾恺之《画云台山记》
在西方的历史文化中，人与大自然处于分离的二极状态，人与自然各成系统。自然界的万事万物与人同样，都是由一个无法直观的宇宙实体创造出来的，它们与大自然的真谛隔了一层(与中国文化不同，将在后面论述)人与自然的关系是站在同一层面上的并列关系，人、自然万物与宇宙本原的关系是一种不可调和的显现。人和宇宙本原，自然界的万事万物始终是一个物我互相观照的“对象”。这种物我间存在的关系往往会因种种外在因素的影响而发生变化，而且自然本身的形式变化或者人类意识的发展、变化，都有可能导致这种关系的变化。因此，在西方艺术史上，画家对自然宇宙情感上亲与疏，都随着文化中的自然意识和人与自然关系性质的变化而发生变化。古希腊艺术向我们展示的是人与大自然和谐相处的关系，这种和谐、宽松关系的建构是以人对大自然的宽容为代价的，所以表现某种自然力的神，往往借助人的形体来表现，古希腊艺术的写实形体，极为恰当地表现出了人与自然走向融合的所谓静穆的伟大。“希腊人的艺术形象表现出一个伟大的沉静的灵魂，尽管之灵魂是处在激烈情感里面；正如海面上尽管是惊涛骇浪，而海底的水还是寂静一样”。这种艺术所表现出的人与自然、精神与物质的相容关系是相对性的。之后的文艺复兴文化注意人与现实、自然的关系，认为人与自然必须在新的意识层面上重新走向和谐。所以文艺复兴的艺术表现出力图向古希腊、罗马艺术回归自然的趋势。从某种意义上说，部分是因为它在追求取消人与自然、精神与物质、尘世与天国之间的距离时，感到同古代意识契合，它向人们展现出的是在人与自然，精神与肉体的关系中重新找回曾经失落了的和谐。因此，文艺复兴时期的山水画表现出对大自然的极大兴趣，当时的风景画家从平凡情感与自然物质性和谐一致出发，创作出自然美的形象，同时也出现了可确定画家立足点的地域性风景画佳作。如德国画家丢勒的水彩风景画和阿尔特多斐的风景油画作品。“在17世纪早期资产阶级革命之后的荷兰，风景画在以雷斯达尔，霍贝玛和维米尔等人为代表的一批风景画家的画笔下得到了发扬光大。法国画家普桑和克劳德>洛兰也创作了以古代神话人物点景的“英雄风景画”。意大利的卡拉奇、西班牙的格列柯和委拉斯贵支等绘画大师都为风景画作出了重要贡献。”总之在“文艺复兴”之前西方的风景画和中国的山水画有着同等的“得遇”两者都是作为人物画的背景而出现的。之前西方一直是以宗教题材的人物为绘画主题的。
而与西方不同的是中国文化以人的精神作为宇宙精神的一个有机部分，因为在中国人的内在世界是可以同宇宙自然相构通的。这在老庄那里体现的最为清晰。他“道”法自然，祟尚自然，往往借自然来说明其中之真谛，在魏晋时期，大批文人画家将热情投放到大自然之中。从根本上说人的精神就是一种宇宙精神的观照，它来源于宇宙，最终也必将回归于宇宙，宇宙精神是永恒的，自然也是永恒的。所以，画家的生命精神是应该在与自然精神的交融中获得的。在这种意识基础上，中国画家对自然山水的爱好是热列的，自然景物被视为与人的生命密切关联的物象从魏晋时间开始而得到永久性歌颂。中国山水画对画家情感的表现，很少通过对画家自身的描绘来实现，一般是在自然景物中得以寄托。这时的画家作画，总是把自己的声音融入到大自然的声音之中，画中见景不见人，而又处处透人意。中国的山水艺术，对自然的崇尚，我们不能把它看作仅仅是对某种题材的偏好，也不能仅仅从其它外部因素的作用方面去考察。因为这种考察足不能够帮助我们理解中国绘画对自然景物的审美发掘要比西方绘画早得多、完备和兴盛时期也大大早于和长于西方等问题。其实这种艺术现象是中国艺术关于哲学、美学思考的结果。中国文化开始对宇宙体系进行探讨的时侯。艺术就因充当这种探讨的表现形式而出现了。这个探讨成果地位的确立，对文化心理的制约作用也就产生了。绘画作为一种意识活动的方式，必然要受到这种宇宙精神的观照。于是作为自然形象的中国山水画便成为魏晋时期绘画艺术强有力的组成部分，这
美术论文范文参考
美术论文范文参考美术是指运用一定的物质材料，通过线条、形体、色彩等造型手段，塑造出的具有可视的平面或立体的形象，反映自然和社会生活，表达思想观念和感情的一种艺术活动。
下文是店铺为大家搜集整理的关于美术论文范文参考的内容，欢迎大家阅读参考!美术论文范文参考篇1浅谈文艺复兴时期美术作品中的人文主义摘要：文艺复兴运动。
人类历史上一场伟大的政治、经济、文化运动。
这一时期的艺术在内容、形式等方面都出现了前所未有的变化与发展，大量的绘画创作都以“人”为中心，重视人权，肯定现实人生及世俗生活，提倡探索自然，科学研究。
本文从文艺复兴时期的绘画出发，探究人文主义思想这一种新思想在美术作品中的表现。
关键词：文艺复兴;绘画作品;人文主义不同时期的社会因地理历史、科学技术、生产力、政治、经济、民族、宗教信仰、风俗习惯等多方面因素，会影响到人类精神文明的发展。
14世纪到16世纪欧洲社会经历了一场伟大的思想文化运动――文艺复兴运动，这一伟大的运动是以“文艺复兴”为代号、“人文主义”为旗帜、“文学艺术”为先导而展开的。
这一时期的艺术在内容、形式等方面都出现了前所未有的变化与发展，大量的绘画创作都以“人”为中心，重视人权，肯定现实人生及世俗生活。
一、文艺复兴运动中的温情主义自西罗马帝国灭亡至文艺复兴文艺复兴运动开始的这一千多年被称为“中世纪”，是欧洲的封建社会时期。
宗教，是此时期封建统治阶级的有力统治手段，是人们生活的精神支柱。
封建统治阶级对于精神文明的垄断控制，使得欧洲人民生活在封建集权和宗教神权的压制下。
文艺复兴前期，随着手工劳动中技术的不断革新，生产力水平的提高，人们的物质生活有了很大的改善，城市人口明显增加。
“城市市民比农村农民的生活愈显富足而开明，农村封建自然经济渐渐以市场交换为主的城市手工业经济所压倒。
经济基础的改变必然导致上层建筑领域的大变革……”[1]。
生活上逐渐富裕的欧洲人开始追求精神上的“富足”，关注人生享乐和生活美好，人文思想开始萌芽，人们走出了黑暗漫长的“中世纪”阴影。
美术毕业论文格式3000字美术类毕业论文(十三篇)
美术毕业论文格式3000字美术类毕业论文(十三篇)有关美术毕业论文范文一：传统工艺美术新价值研究摘要：在工艺美术设计发展中，传统工艺美术具有重要地位。
从工艺美术的发展来看，传统工艺美术不但代表了工艺美术发展的重要历史阶段，同时也集聚了工艺美术的大量成就，成为了工艺美术的里程碑。
基于对工艺美术的了解，以及工艺美术设计的快速发展，在现代工艺美术设计中，正确理解传统工艺美术优点，并发现传统工艺美术新价值，对推动工艺美术发展和解决工艺美术设计问题具有重要作用。
为此，应立足工艺美术设计实际，深入探讨传统工艺美术的新价值，发掘传统工艺美术的优点。
关键词：传统工艺美术;设计;新价值;一、引言传统工艺美术作为艺术发展的重要阶段，在工艺美术发展史上有重要地位。
基于对传统工艺美术的了解，传统工艺美术不但具有发展历程长的特点，同时也具有重要的历史地位和应用价值，并且在新时代表现出了一定的新价值，对当代工艺美术的发展产生了重要影响。
因此，应立足传统工艺美术发展实际，认真分析传统工艺美术的新价值，为当代工艺美术发展提供有力支持，保证当代工艺美术能够吸取传统工艺美术优点，提高工艺美术的发展质量，推动工艺美术的快速健康发展。
二、传统工艺美术发展历程较长，具有重要的历史地位和应用价值在传统工艺美术发展过程中，无论是陶瓷艺术还是青铜器以及漆树和漆器，都是工艺美术发展的重要成就，在不同的历史时期引领了所处时代的发展。
基于对传统工艺美术的了解，传统工艺美术的发展历程和历史地位及应用价值主要表现在以下三个方面：第一，传统工艺美术的陶瓷艺术价值最高。
在传统工艺美术发展中，陶瓷作为重要的工艺品，无论是观赏性还是实用性，都具有较强的艺术价值。
从目前掌握的工艺美术文化中，陶瓷艺术的价值和艺术成就最高。
第二，传统工艺美术的青铜器引领了当时时代的发展。
青铜器的出现，代表了传统工艺美术发展到了重要阶段。
以当时的工艺成就而言，精美的青铜器成为了当时时代发展的重要代表，推动了工艺美术的发展。
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)论文一：对达芬奇《蒙娜丽莎》的艺术鉴赏达芬奇是文艺复兴时期最杰出的艺术家之一，而他的作品《蒙娜丽莎》则是他最具代表性的作品之一。
这幅画作是一幅肖像画，绘制于16世纪初期，目前收藏在法国卢浮宫。
通过对《蒙娜丽莎》的深入观赏，我们可以欣赏到达芬奇在绘画技巧和表现手法上的独特魅力。
首先，在绘画技巧方面，达芬奇运用了光与色彩的巧妙组合，使得画面显得十分生动。
画中女子的面部充满了光影效果，而眼神中的微笑更是达芬奇的创作精髓所在。
他通过运用细腻的笔触和渐变的色彩，使得画中的蒙娜丽莎仿佛具有生命力，能够和观者进行交流。
此外，达芬奇还巧妙地运用了透视法，使得画面具有深度感，使蒙娜丽莎的形象更加立体。
其次，在表现手法方面，达芬奇以其深厚的艺术造诣展示了他对人物心理的独特洞察力。
在画中，蒙娜丽莎的面容表情并非丰腴的微笑，而是一种微妙的、难以捉摸的神秘微笑。
这种表情使得观者难以揣摩她内心的情感，给了观者更多的想象空间。
这种不确定性与神秘感正是达芬奇追求的目标之一。
他通过巧妙挑战传统肖像画表现方式，创造出了一种独特的艺术语言，使得观者能够在作品中感受到蒙娜丽莎内心深处情感的种种可能性。
最后，我们还可以从《蒙娜丽莎》中感受到达芬奇对于自然界的赞美和对于人类美的追求。
画中的蒙娜丽莎身着一袭华丽的礼服，头戴一顶菊花装饰的帽子，这些细节展示了达芬奇对于细节的精心雕琢。
同时，画中的背景正是美丽的自然风景，这个细致描绘的背景象征着达芬奇对于自然世界的热爱与崇敬。
达芬奇通过这幅画作将人类的美与自然美相结合，传递出对于真实与理想的追求。
总之，达芬奇的《蒙娜丽莎》是一幅艺术品，它展示了达芬奇卓越的绘画技巧和对于艺术的深刻把握。
通过细腻的绘画技巧、神秘的表现手法以及对于自然与人类美的追求，达芬奇创造出了一幅极具魅力和内涵的杰作，给观者带来了无尽的欣赏乐趣。
论文二：对梵高《星夜》的艺术鉴赏梵高是19世纪后期最重要的艺术家之一，而他的作品《星夜》则是他在画作风格和表现手法方面的代表作。
关于美术鉴赏课程论文(8篇)
关于美术鉴赏课程论文（8篇）美术鉴赏课程论文篇11、形与神在艺术史上的源流。
形与神的关系在美术史上一直是一个连续讨论的问题。
关于传神论早在汉代就有了萌芽，其代表就是刘安《淮南子》中支出作画勿“谨毛而失貌”，而当时著名的画家王延寿则表示作画要“随色象类，曲得其情”.这些说法和观点影响到了后来的艺术工作者，并且为之后的“以形写神”的论点打下了的理论和实践基础。
而到了东晋时期，绘画艺术由“自发”转向“自觉”，而陶瓷雕塑也不例外，典型就是顾恺之的东晋画家顾恺之提出的“以形写神”“，以神造形”“，传神写照”等论点，这些论点无不显示出形神合一的理论特色，自此以后，形神合一作为中国美学的一项基本要求来确定。
经历南北朝的青白瓷、唐朝的唐三彩、宋朝的五大名窑等的发展，在中国文化整体大兴盛的前提下，艺术下的形神合一体系也到了又一个大总结的时期而代表就是唐代的张彦远所说的“以气韵求其画，则形似在其间”.这样理论的完整化更是让中国的美学“气韵”表现形式更为人们所重“，气韵”也成为一件优秀艺术品不可缺少的条件。
再加上当时儒家内敛化和佛道“虚无”思想的影响“，气韵”说更是得到了文人士子们的支持成为之后艺术品的必须要求，甚至于到了后来有“得意忘形”的说法。
这些传统的艺术要求对于陶瓷造型同样有效，甚至于其更多的保留在历代陶瓷艺术中，一直到现在“形神合一”都是陶瓷雕塑审美的基本原则。
2、陶瓷雕塑中“形神合一”表现。
陶瓷雕塑其本质是一种三位体系的雕塑艺术。
所以体、形是“实”，神是“虚”.对于陶瓷创作者来说，首先要考虑的就是体与形，在现有的技术利用，使外部空间与雕塑实体有一个和谐的环境，在进行艺术创作时，在观察周围环境的情况下，进行一种合理的嵌入式的艺术，所以在一定形式上说。
即精神之最高境界“始于形似，止于神似”.最后，在外部环境、雕塑实体与内在精神的三位一体的统一。
而这些在我国古代一些著名的陶瓷雕塑也可看看出来，如在临潼的兵马俑中就很好地做到了三位一体，一方面利用大规模陶俑数量和军阵的.整齐划一的气势进行了与周围环境进行了一个很好的契合，再这样契合的情况下，甚至于是它们创造了一个外部环境，用这个适宜的外部环境下雕塑实体的精致程度也是无与伦比的，二者以军阵为桥梁连接在一起的时候就是其单个的军人精神与整体的军阵是精神融为一体，这样的一体化程度结果就是内在精神的直接显现，在显现的过程中又坚持了单个的军人精神。
国画论文范文3篇
国画论⽂范⽂3篇略论近世国画⽂章⼤家楼笙华⼜名楼森华，现为中国中央电视台《中国画⼤讲堂》主讲，中国开放⼤学中国画教程副主编，中国美术学院艺术品鉴赏与修复学术主持，浙江⼤学艺术鉴赏与收藏投资⾼级研修班主讲，浙江省收藏协会理事，《浙江收藏》副主编，黄宾虹国画院院长。
现任职于中国美术学院，曾在浙江⼤学、厦门⼤学、宁波师范学院执教中外美术史和艺术概论。
个展：2014 《秋⼭问道》⼭⽔画个展2013 《听此太古⾳》楼森华⼭⽔画展（中国美术学院）2012 《古雅之道》楼森华⽔墨画个展（宁波）2012 《钱塘时代》楼森华油画个展（中国美术学院）2011 《⼗⼆⽉》楼森华油画个展（中国美术学院）2008 《澄怀观道》楼森华⼭⽔画个展（中国美术学院）2000 《楼森华⽔墨与油画》个展（台湾⼤学）1997 《回望传统》中国画个展（宁波展览馆）等近世国画⽂章⼤家，五百年间名世者黄宾虹有云：上古书画同源，仰观俯察，以造六书，取乎象形，⾃有丹青之画，书与画分，后世因重⽂⽽轻艺，有⼠夫之画，画与图分……⼜云：⾃来书画同源，书是⽂字，单体为⽂，孳⽣为字，以加偏旁。
⽂字所不能形容者，有图画以形容之，尤易明晓。
故图画者，⽂字之馀，百⼯之母也。
今求画学之途径，⾮讨论⽂字，⽆以明画之理，⾮研究习字，⽆以得画之法……学画之⽤笔，⽤墨，章法，皆源于书法。
舍⽂字书法，⽽徒沾沾于缣墨朱粉中以寻⽣活，适成其为拙⽽已，未可以语国画者也。
其语何出！六朝谢赫著画有“六法”，所谓⼀⽓韵、⽣动是也;⼆⾻法，⽤笔是也;三应物，象形是也;四随类，赋彩是也;五经营，位置是也;六传移，摹写是也。
元初赵孟\⾔书画同体（即后世曲解为“书画同源”），明季董其昌借禅宗以分画有“南北宗”。
⾄于后世影响甚巨，此后史学家竞相引证。
赵孟\有诗证⽈：《题柯九思画⽵》“⽯如飞⽩⽊如籀，写⽵还应⼋法通，若也有⼈能会此，须知书画本来同。
”此论以理论⾼度指明了绘画的技术要旨。
⽆论这“本来同”的是源、是体、还是法。
外国美术史论文
美术文献读书笔记对艺术再次认识摘要：现实主义作为绘画的一种艺术思想，具有独特的审美意义和价值。
它以弘扬真、善、美为艺术使命，与时代紧密相连，体现出浓厚的人文内涵和民族艺术风格特征。
现实主义作为艺术创作中的重要方法，是我国多种艺术形式的有机组成部分。
主要是对西方艺术的了解和以及心得。
关键词：现实主义油画艺术审美拓展现实主义作为一种艺术形式，它的基本原则是，强调艺术反映现实社会生活，关注现实人生、社会和自然，认为艺术是对现实的一种审美认识和再现，是对社会生活形象的、真实的、典型的审美认识，并利用恰当的造型手段将这种审美认识所形成的审美意象、审美情感和审美评价表现出来。
现实主义主张艺术要真实地反映客观世界的现实本质和历史本质，真诚地表现艺术主观世界的审美情感和审美理想。
作为流派和运动的现实主义油画艺术，是从西方产生和发展而来。
在西方美术史上，主要指库尔贝、杜米埃、米勒以及巴比松风景画家的艺术创作，历史(咱们上课时的教科书)上的卡拉瓦乔、伦勃朗、维米尔、夏尔丹、列宾、谢洛夫、怀斯以及当代英国王家弗洛依德的绘画都可归为现实主义艺术。
一般来说，只要真实表现和反映一个时代的精神面貌，我们都可称之为现实主义艺术。
中西文化各有侧重，但中西艺术追求真善美的理想是一致的，由此，油画才有“汇中融西”表现的可能性。
在创作实践上，现实主义艺术家重视生活实践和艺术实践，在实践中寻找美、发现美、认识美和表现美，同时，他们不回避丑，对现实中丑恶的现象敢于正视，从而揭示生活的本质和历史的必然。
现实主义艺术是从现实世界而不是从空想世界中获取它的内容和形式。
在表现手法上，现实主义艺术一般采用写实的方法，注重细节的真实，并通过典型化的手段，揭示社会生活的真理，体现艺术家的思想感情和个性特征，达到艺术之美。
因此，现实主义艺术作品是真、善、美三位一体的高度统一。
现实主义的基本特征是以具有审美价值的艺术语言，真实地再现客观现实生活，反映画家从社会生活实践出发对生活的认识活动。
美术鉴赏论文3篇
美术鉴赏论文3篇美术鉴赏是一种视觉艺术，在发展学生的视知觉，获得以视觉为主的审美体验，陶冶审美情操，提高生活品质等方面，具有其他学科难以替代的作用。
学而不思则罔，思而不学则殆，以下是漂亮的小编帮助大家找到的美术鉴赏论文较新3篇，欢迎借鉴，希望对大家有所启发。
美术欣赏论文篇一摘要：随着我国教育体制改革的不断深化，人们清醒地认识到教育的目的是促进人的素质全面、和谐发展，而不只是积累知识那么简单。
素质教育的基本目的是使学生在思想、道德、文化、身心等方面能够得到全面、和谐发展。
美育作为学校素质教育的重要组成部分，以其特殊的地位与作用区别于其他学科。
纵观当前的美术教学，美术观赏已贯串从小学至大学的审美教学全过程中。
而中小学美术观赏教学，作为培育学生审美素质的初级阶段，必需与学生的年龄特性相分离，控制学生观赏习气和观赏特征。
面对一幅绘画作品，该如何观赏？这是每一个人都会在心里问的一个问题。
在美术界，这也是一个值得讨论的，而且是一个历来末能构成共识的学术问题。
从大量的听课与调查中发现不少观赏课中，教员讲授时间很多，大局部超越30分钟，有的以至整节课讲授，学生学的时机很少，这样的课，不单教员讲得口干舌燥，学生学得更累，更没有兴味，这也不顺应如今所倡导的减负运动。
作为一名美术教育工作者，我也是常常考虑着这一问题，分离本人的教学理论，在这里谈一下本人的考虑。
一、美术观赏教学的常见类型普通说来，常见的美术观赏教学有以下四品种型。
(1)讲解型-----教员对美术伤口或是对美术观赏的根本原理和根底学问的解说、阐明。
(2)问答型-----教员就作品或观赏学问、原理发问，学生答复。
(3)讨论型------以学生为主体展开讨论，教员作为援助者。
(4)自在型------学生在学校内外自发地、自在地观赏美术作品。
讲解型的美术观赏教学的类型较常见。
象上面所讲的那样，一味由教员解说，这种以教员为中心的教学办法容易堕入学问灌输型的形式之中。
美术教育毕业论文范文(汇总13篇)
美术教育毕业论文范文(汇总13篇)摘要：美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。
美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。
美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。
关键词：绘画、梵高、中国建筑、鉴赏一、对绘画的鉴赏就像梵高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。
他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。
他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生,在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。
因此才留下了永远的艺术著作。
他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。
《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。
画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。
然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。
观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共同融入到凡高丰富的主观感情中去。
总之梵高笔下的向日葵不仅仅是植物;而是带有原始冲动和热情的生命体。
我更爱看窗外那一片向日葵，爱看她们在阳光下开出灿烂的笑容。
我不敢展示真正的我，我也不知道真实的我是什么样。
在向日葵面前，我有一种自信的感觉，展示着那个成功、全新的我;我在看见向日葵时，心里总有种暖洋洋的感觉。
我看见梵高背着画夹，在向日葵丛中专心致志地画着那幅热情奔放的向日葵。
我看着向日葵明朗的脸，眼睛一亮。
中国美术史论文二 从作品看作者
从作品看作者摘要欣赏美术作品不能单单看作品，而应该从多角度了解作品。
作为画家内心感情世界的外在反应，美术作品与作者的性格、艺术观念，时代背景等关联很大，若是能带上这些眼镜去欣赏画作，会有更深的体悟和更多的收获，从画作中能看到作者。
这里，我选了两位我个人比较喜欢的画家，梁楷和徐渭，做一些简单的赏析。
正文梁楷是南宋时的画家书法家，曾于南宋宁宗担任画院待诏。
这是最高级的宫廷画师，皇帝曾特别赐给金带，这是画院最高的荣誉，但梁楷却不接受，把金带挂在院中，飘然而去，完全不想受制于他人。
他是一个行径特异的画家，善画山水、佛道、鬼神。
他喜好饮酒，酒后的行为不拘礼法，人称是“梁疯子”。
梁楷的老师是南宋画家贾师古，但梁楷的画风和老师完全不同，这也能看出这位不羁的画家的某些特质。
他最著名的一幅画是《泼墨仙人图》（如右）。
我初看此画时，第一感觉就是这个仙人“冷艳高贵接地气”，根本不是我们想象中那样的道骨仙风，遗世独立，反而有种滑稽可笑的感觉。
这幅画似乎很简单，我不太懂得此画的泼墨技法，但我觉得我可以查清楚用了几笔。
然而就是这样并不繁复的构图，确勾画出一个大额大腹的仙人模样，甚至还有着向前走的动态体验，向前迈出的右腿，向后飘荡的衣襟，让我想起现代美术流派中的未来主义。
联想到梁楷好禅宗一道，这不正是六祖惠能主张的顿悟的反映吗？仙人并不是高高在上，但是又确实超凡脱俗，拥挤的五官让人忍俊不禁，那双小小的眼睛又好像充满了智慧。
仙人正是行走是世间，从生活中悟道，不受约束。
再看此仙人，又仿佛看到了梁楷。
他的一生正是在人世间行走，潇潇洒洒，不拘礼法，感悟着自然，感悟着生命，道理自在心中，时时洋溢高深莫测的笑容。
或许，这正是画家的自画像，写意自画像，虽无自己的外形，但画出了自己所拥有的独特的意蕴。
《李白行吟图》(如左)是我在高中就见过并且一眼就喜欢上的一幅画。
诗仙和泼墨仙给人的感觉大不一样。
诗仙确实是超脱飘然，遗世独立的。
此画线条减省，被称为“减笔画”。
美术鉴赏论文2000字 3篇
美术鉴赏论文2000字 3篇绢本,重设色,纵 28.7 厘米,横 335.5 厘米,藏故宫博物院顾闳中,江南人,五代时期南唐画院待诏。
他绘制的《韩熙载夜宴图》,构图严谨精妙,人物造型秀逸生动,线条遒劲流畅,色彩明丽典雅,在技巧和风格上比较完整地体现了五代人物画的风貌。
五代十国(公元907-960年),在中国历史上是一个动荡、分裂的年代,而在绘画艺术上却是一个承前启后的重要时期。
对意境的追求和对情趣的探索,使山水画与花鸟画得到新的发展,预示着绘画将由叙事状物转向抒情达意的更高层面。
五代人物画也更为精进,融汇了秦汉的纯朴豪放,魏晋的隽永含蓄,逐渐将大唐的恢宏绚丽淡化疏朗简雅的风尚。
然而人物画并未能摆脱“宣教化、助人伦”的世俗功能,要求生动地再现现实的事件和人物,在客观上直接促进了写实技巧的发展。
从古代人物画中,我们不仅可以了解一些历史事件,还可以通过那些或禾农丽丰腴、或柔淑温婉的生动形象了解那个时代的面貌和人们的精神境界。
据《宣和画谱》记载,《韩熙载夜宴图》是顾闳中奉南唐后主李煜之命,夜至韩熙载的宅第窥视其夜宴的情景而作的。
画中的主要人物南唐中书舍人韩熙载,出身北方豪族,避难来到南唐,李后主欲命其为宰相,而韩熙载见国事日非,不愿担当此任,遂终日纵情声色,与宾客作长夜之饮,画中的其他人物也大多真有其人,如状元郎粲、和尚德明等,都是韩常的常客。
画卷里,韩熙载虽放浪形骸,但始终双眉紧锁,难掩忧心忡忡。
桌案都比较低矮,正是由席地而坐到垂足高坐的过渡时期,琵琶箫鼓、秀墩床榻,室内的陈设器物无不体现了时代的特点。
现实主义的题材要求画家深入地观察生活,捕捉生活细节,目识心记,悉心体会,然后艺术地再现,把自然形态上升为艺术形态。
《夜宴图》采用了我国传统表现连续故事的手法,随着情节的进展而分段,以屏风为间隔,主要人物韩熙载在每段中出现。
通过听乐、观舞、歇息、清吹、散宴等情节,叙事诗般描述了夜宴的全部情景。
画家在构图上作了精心安排,每段一个情节、一个地点、一个人物组合,每段相对独立,而又统一在一个严密的整体布局当中,繁简相约,虚实相生,富有节奏感,图中三个屏风绝不雷同的处理方法体现了画家巧妙的构思。