为美而美——莱辛《拉奥孔》读后感
诗与画的界限——读《拉奥孔》有感
诗与画的界限——读《拉奥孔》有感多丽丝·莱辛是当代英国最重要的作家之一，被誉为继伍尔芙之后最伟大的女性作家，其美学著作主要有《关于当代文学的通讯》、《拉奥孔》、《汉堡剧评》等。
她的美学思想集中表现在《拉奥孔》中对画与诗的界限及两者和美的关系的论述上，表现在《汉堡剧评》中市民剧的创立上，体现着浓烈的启蒙气息。
首先，莱辛从三个方面阐明了诗与画的界限：一是摹仿的媒介不同，画以空间中的形体和颜色为符号，诗以时间中的声音和语言为符号，因此，画是空间艺术，诗是时间艺术。
二是摹仿的对象不同，画以空间中的颜色形体的符号，宜于表现全体或部分在空间中并列的物体;诗运用在时间中持续的声音和语言为符号。
因而宜于表现全体或部分在时间中持续的声音和语言为符号，因而宜于表现全体或部分在时间中持续的事物。
画表现静态的美，诗表现动态的美。
静态美包括人体美和精神美，动态美包括思想感情与故事情节，他认为诗人追求动态美，是因为动作包含的动机，愈错综复杂，愈互相冲突，也就愈完善，静穆是一种忍耐克制精神在艺术上的表现，在封建专制压迫下，不应提倡以静穆精神来克制忍受生活的痛苦，不怨不，荀安偷活，诗应描绘人物的动作和真实的表情，这是莱辛民主革命精神和侧重实践行动的人生观在艺术上的反映。
三是艺术作品的效果不同，绘画作用于人的视觉，以形体，色彩引起欣赏者的美感，诗作用于人的听觉，通过声音，语言使欣赏者产生丰富的联想。
莱辛认为诗与画的共同点在于都是摹仿的艺术，但由于摹仿的媒介，对象和产生的效果不同而成为各具特征的艺术，混淆二者界限，也就否定了他们的特殊性。
其次，莱辛提出了诗与画的不同美学原则。
认为诗与雕塑艺术也明显不同。
指出画的最高原则是美，诗的最高原则是真。
因为绘画和雕塑作为空间艺术，它只宜描写在空间中并列的物体或某一瞬间的表情，擅长表现静态事物，这就决定了它应着力描写的是事物的形态美或美的表情，因此美便成了绘画，雕塑创作的最高美学原则。
避免描绘激情顶点的顷刻是艺术特有的留白——我读《拉奥孔》
文艺研究避免描绘激情顶点的顷刻是艺术特有的留白——我读《拉奥孔》文/刘明妍摘要：“拉奥孔之死”是西方艺术作品中一个永恒的母题。
不论是小说、戏剧、诗歌、雕塑还是绘画，都曾经对拉奥孔做过这样或那样的描绘。
而我们这里所说的《拉奥孔》，乃是德国著名美学家、文学批评家莱辛所著的《拉奥孔》。
在以希腊化时期的著名雕塑作品“拉奥孔”雕塑群为叙述对象的同时，莱辛的该部著作里也详细的提及了与“拉奥孔”这一母题有关的其他艺术表现形式。
通过对他们之间的种种联系差异的详细分析，莱辛在这部书中证实了他有关于“造型艺术比诗歌更适宜于表现美”[1]的观点。
而在此部著作的第三章，莱辛详细的叙述了“造型艺术家为什么要避免描绘激情顶点的顷刻”[2]的相关问题。
本文就此问题更深入的探讨了造型艺术家运用此种描绘手法究竟能使作品得到怎样更好的表达和阐释，它对受众群体对造型本身的接纳和理解是否能够提供更为便捷的帮助。
关键词：召唤结构；视域留白；模仿与补充；悲剧意识在拉奥孔的雕像里，父子三人俱被两条巨大的毒蛇缠绕，紧绷的肌肉和瞪大的眼睛昭示着他们的恐惧，因此，于此件作品中所讨论的“激情顶点的顷刻”其实便是“恐惧心理之下的精神崩溃”，通过作品现有的情节所展示出来的画面感，我们不难想到这种崩溃几乎是毫无悬念的，然而造型艺术家们却并没有选择那样的一个“顷刻”来做为他们这幅雕刻作品的蓝本，而是把时间定格在这个“顷刻”之前，这样对于情节的裁剪，这样对于极其强烈的情感的避开，我们或许可以称之为艺术的“留白”。
“留白”一词，极富于中华传统的美感，且多用于中国的绘画艺术中。
留白一词的关键是“白”，在中国的绘画艺术里，“白可以是天空、是流水、是浮云，是创作者可以想象到的任意景物。
”[3]在三维的造型艺术当中，我们能够通过留白看到的，便不仅仅是作者未表现出的人或物，我们或许能从中看到某些情感，某些情节，甚至是某些信仰。
一、避免描绘激情顶点的顷刻是视域的留白莱辛在第三章里详细的分析了“避免描绘激情顶点的顷刻”的原因。
《拉奥孔》读后感范文
《拉奥孔》读后感《拉奥孔》雕像群被公认为是古希腊雕塑艺术的经典作品，代表着着古代雕塑创作的最高水平。
雕塑表现的是拉奥孔和他的两个儿子，着重表现了他们在被两条蟒蛇缠身后进行最后挣扎的痛苦场面。
拉奥孔站在基座的中央，身子被扭曲着，两条矫健的双腿和有力的胳膊都被毒蛇缠绕，面部表情表现表痛苦但并不夸张。
他的两个儿子头部朝向拉奥孔，意在为挣脱蟒蛇的缠绕而挣扎。
整个画面的人物动势幅度并没有读者所期待的那样夸张;画面氛围也没有读者所想象的那样热闹和剧烈，整个雕像作品似乎并没有感觉到他们父子观众所期待的那种悲痛......我不禁疑问：为什么古希腊雕像艺术不能依照客观去淋漓尽致地去表现？而是要有所保留？莱辛在书中说道：“在一种激情的整个过程里，最不能显出这种好处的莫过于他的顶点，到了顶点，就到了止境......在古代画作中，玛球斯好像最爱选择最激烈的情绪作为画题，不过从描写这些画的记载来看，他显然懂得哪一点才可使观众不是看到而是想象到顶点”。
读着读着，豁然开朗，明白雕像《拉奥孔》为什么遭受如此痛苦却表现的不是太过悲伤。
——所谓“顶点”是留给观众想象的空间而不是表现的顶点！我了解到即便表现到“顶点”顷刻，张开大口的《拉奥孔》就会在视觉效果上形成一个大“窟窿”，这在雕塑审美中是非常忌讳的。
我不知可不可以理解为：“受到美学原理的制约”。
突然领悟到美学——作为艺术的哲学，与我国古代哲学哲学，有着紧密的相关关系。
以下带我的一些粗浅小见结合古典艺术谈一谈我对“不到顶点”的认识。
一、莱辛“不到顶点”在中国文化中的体现（一）“不到顶点”理论与我国古典艺术的“空”性诗歌艺术：白居易：“犹抱琵琶半遮面”、辛弃疾：“欲语还休”、陶渊明：“此中有真意，欲辩已忘言”、王维：“行到水穷处，坐看云起时”这写诗词都体现了空旷悠远，从容淡定、恬淡释然的人生禅意。
作者们不是直面表现情绪，而是借由物象寄托情感，起到了比正面抒情更甚的效果。
陈子昂：“前不见古人，后不见来者”、王维：“大漠孤烟直，长河落日圆”。
拉奥孔书籍读书心得
拉奥孔书籍读书心得摘要：一、引言1.拉奥孔书籍简介2.读书动机与目的二、拉奥孔形象分析1.拉奥孔的形象特点2.拉奥孔与希腊神话其他角色的区别3.拉奥孔在希腊神话中的地位三、拉奥孔书籍的艺术价值1.史诗手法与悲剧氛围2.人物塑造与情节安排3.文学性与哲学性的结合四、拉奥孔书籍的启示1.人类命运与悲剧抉择2.道德观念与价值取向3.对现实生活的反思与启示五、结论1.拉奥孔书籍的评价2.个人收获与建议正文：作为一名热衷于文学的读者，近日我阅读了拉奥孔一书，这是一部充满悲剧色彩的史诗作品。
拉奥孔是希腊神话中的一位特洛伊先知，他在特洛伊战争中的形象深入人心。
作者通过细腻的笔触和富有哲理的叙述，使我对拉奥孔这一角色有了更为全面的认识。
在希腊神话中，拉奥孔的形象独具特色。
他既是一位英勇的战士，又是一位富有智慧的先知。
在与希腊军的对抗中，拉奥孔展现了顽强拼搏的精神，体现了人类在命运面前的不屈。
他与儿子共同抵御外敌，彰显了家族荣誉感。
然而，拉奥孔的悲剧在于，他洞察到了特洛伊的命运，却无法改变自己的命运。
这种无奈的悲剧色彩使得拉奥孔的形象更加立体和深刻。
拉奥孔书籍采用了史诗手法，以悲剧氛围贯穿全文。
作者通过生动的描绘，展现了特洛伊战争的惨烈场景。
人物塑造方面，拉奥孔形象的丰满与真实，使得读者能够感同身受。
情节安排上，作者巧妙地将神话传说与现实生活相结合，使故事更具吸引力。
文学性与哲学性的结合，使得拉奥孔一书成为一部具有深刻内涵的文学作品。
拉奥孔书籍给我们的启示在于，人类在面对命运抉择时，常常陷入无奈与挣扎。
悲剧的发生，使我们反思道德观念和价值取向。
拉奥孔的命运，使我们认识到个体在历史长河中的渺小。
同时，拉奥孔的英勇与智慧，也为我们提供了榜样，激励我们在现实生活中勇往直前，无畏困境。
总之，拉奥孔一书是一部值得一读的佳作。
它不仅展现了古希腊神话的魅力，还具有很高的艺术价值。
通过阅读拉奥孔，我对希腊神话有了更深入的了解，同时也收获了丰富的人生启示。
浅析《拉奥孔》的美学启示
浅析《拉奥孔》的美学启示摘要：《拉奥孔》这部美学著作不但是德国古典美学发展中的一座纪念碑，也是十七八世纪启蒙运动中反封建反教会斗争的一个强有力的武器。
它的主题是划定诗（代表一般文学）和画（代表一般造型艺术）的界限，找出一切艺术的共同规律以及各门艺术的特殊规律，开创了对于艺术形式的研究，在启蒙时期的德国具有非同一般的方法论意义和现实针对性。
关键词：拉奥孔诗、画美学启示俄国著名文学批评家杜勃罗留波夫在一篇关于莱辛文集俄文本的评论指出：“莱辛通过《拉奥孔》而创造了新的诗论，把生活带进诗之中，并且粉碎了以前在一切美学中占统治地位的那种死气沉沉的形式主义文风。
他以思想的异常鲜明性和力量，以无可反驳的逻辑的说服力证明了诗与其他一切艺术不相同，特别是与绘画不同…，自从《拉奥孔》出现以来，被公认为诗的本质内容的是变动不居的生活，而不是死板板的形式。
”在很早以前，希腊诗人西摩尼斯所说的“画是一种无声的诗，诗是一种有声的画”，已替诗画一致奠定了基础。
接着拉丁诗人贺拉斯在《诗艺》里提出“画如此，诗亦然”，在后来长时期里成为文艺理论家们一句习用的口头禅。
在十七八世纪新古典主义的影响之下诗画一致说几乎变成一种天经地义。
这样的论调容易把艺术家们引入在诗里追求描绘，在画里制造寓言，力求把诗变成一种说话的图画，同时也把画变成一种哑口的诗的迷途。
在莱辛看来，混淆诗与画的界限将会导致诗与画迷失各自的本性。
莱辛之所以反对把诗画相同说作为一种审美理想，是因为无论是在诗中追求画景式的描写，还是在画中追求韵律式的笔法，都会导致艺术脱离现实矛盾和现实生活，莱辛公开宣称，他创作《拉奥孔》的“目的就在于反对这种错误的趣味和这些没有根据的论断”把德国的文艺创作从封建宫廷趣味下解放出来。
在《拉奥孔》中，莱辛进行了两条路线的批判与斗争，一是反对与封建制度仍有密切联系的法国新古典主义以及它的信徒高特舍特的斗争，它批判必斯彭斯和克路斯伯爵等人为新古典主义辩护的诗画一致说。
读《拉奥孔》
读《拉奥孔》钱钟书一在考究中国古代美学的过程里，我们的注意力常给名牌的理论著作垄断去了。
当然，《乐记》、《诗品》、文话、画说、曲论以及无数挂出幌子来讨论文艺的书信、序跋等等是研究的中心；同时，我们得坦白承认，大量这类文献的研究并无相应的大量收获。
好多是陈言加空话，只能算作者表了个态，对理论没有什么实质性贡献。
倒是诗、词、笔记里，小说、戏曲里，乃至谣谚和训诂里，往往无意中三言两语，说出了益入神智的精湛见解，含蕴着很新鲜的艺术理论，值得我们重视和表彰。
也许有人说，这些鸡零狗碎的小东西不成气候，而且只是孤立的、自发的见解，够不上系统的、自觉的理论。
不过，正因为零星琐碎的东西易被忽视和遗忘，就愈需要收拾和爱惜，自发的简单见解正是自觉的周密理论的根本。
再说，我们孜孜阅读的诗话、文论之类，一般也谈不上有什么理论系统。
不妨回顾一下思想史罢。
许多严密周全的哲学系统经不起历史的推排消蚀，在整体上都已垮塌了，但是它们的一些个别见解还为后世所采取而流传。
好比庞大的建筑物已遭破坏，住不得人也唬不得人了，而构成它的一些木石砖瓦仍然不失为可利用的材料。
往往整个理论系统剩下来的有价值的东西只是一些片段思想。
脱离了系统的片段思想和未及构成系统的片段思想，彼此同样是零碎的。
所以，眼里只有长篇大论，瞧不起片言只语，那是一种粗浅甚至庸俗的看法——假使不是懒惰疏忽的借口。
试举一例。
前些时[1]，我们的文艺理论家对狄德罗的《关于戏剧演员的诡论》发生兴趣，写文章讨论。
这个“诡论”的要旨是：演员必须自己内心冷静，才能维妙维肖地体现所扮角色的热烈情感，他先得学会不“动于中”，才能把角色的喜怒哀乐生动地“形于外”(c’est le manque absolu de sensibilite qui prepare les acteurs sublimes)；譬如逼真表演剧中人的狂怒时(jouer bien la fureur)，演员自己绝不认真冒火发疯(etre furieux)[2]。
人文经典作品读后感 观后感 课程论文 为美而美——莱辛《拉奥孔》读后感
为美而美——莱辛《拉奥孔》读后感美学现在已经成为了一个奇怪的概念。
人们在吵闹叫嚣的社会里辛辛苦苦地、尽心竭力地追求着美。
浮躁的社会让美的概念也变得心浮气躁，越来越多的人开始标榜以过度表现的形式作为内心美学体系的外化，于是我们就看到了夸张、用力被称作艺术的张力和强烈，各种过度夸张华丽的造型出现在秀场，作为流行趋势被时尚爱好者追捧；各种极尽夸张之能事的艺术作品堂而皇之地被供奉为新艺术的先锋，而无数新锐艺术家更是致力于追求外化形式的夸张表现而显得十分用力过猛却没有足以相匹的内涵。
甚至于文学创作也被熏染得以无限度放大故作呻吟的苦痛和悲伤为风气受到无数自以为是的文艺爱好者的追捧，创作者们更是享受这种追捧而继续把发丝一样细小的情绪无限度放大，以文艺先驱自居而沾沾自喜。
总之可以肯定的是，这样的美学观念实在是有失偏颇的。
读过拉奥孔后，我个人感受最深的就是莱辛的功力之深。
因为如果对于初读者来说，光是为了通透他信手拈来的一个个经典，所涉及到要参考的资料就已经远远超过这本书本身之浩瀚了。
作为在艺术史和文艺理论课堂上一定会被老师们极力推荐的作品，莱辛这本拉奥孔在美学理论发展的建树和作为新古典主义教科书一样的存在也是大众化读者没法想象的。
经典之所以是经典，就是因为它能够完全地突破时间和空间的界限，给不同时代不同是空的人以不同的灵魂启迪。
那么拉奥孔给现代的读者带来的，除了犀利的表述，神秘生涩的经典和艺术理念，在我看来最为有益的应当是对艺术的界定和对审美观的重建。
看到了这样的观点：”莱辛将拉奥孔和维吉尔的《伊尼特》之较作为画和诗的比较是有失偏僻的，因为拉奥孔是雕像群而不是画。
“请原谅我看到这句话之后忍不住笑出了声。
读拉奥孔我认为有一点是一定要清晰的，就是莱辛在书中所作比较的其实不只是诗和画这两种形式，而是由文字表达和由直观具体可感的图像表达这两种方式，正如莱辛在前言中提及的：”我还得提醒读者，我。
从“拉奥孔”论温克尔曼与莱辛的审美理想
从“拉奥孔”论温克尔曼与莱辛的审美理想《拉奥孔》是德国文学史上一部著名的文学批评作品，作者是18世纪的文学评论家拉夫尔·拉奥孔。
在这部作品中，拉奥孔提出了他对于文艺理论和审美理想的见解，这对后世的影响是深远的。
而在这篇文章中，我们将以《拉奥孔》为切入点，讨论德国浪漫主义作家温克尔曼与莱辛的审美理想，在他们的作品中我们能够看到拉奥孔理论的影响和他们对审美的追求。
我们先来理解一下“拉奥孔”是什么。
拉奥孔是18世纪文艺复兴和启蒙运动之间的一个独特时期的产物。
这部作品被认为是文艺批评理论的一个重要标志，它对文学的审美观念产生了深远的影响。
拉奥孔认为，文学作品要达到审美的完美，必须符合人们的自然和理性，而这一思想在温克尔曼和莱辛的作品中得到了延续和发展。
温克尔曼，德国浪漫主义文学的代表人物之一，他在其文学创作和文艺理论中追求着拉奥孔所提出的人文主义的审美理想。
温克尔曼的作品充满了对于自然、人性和感情的理解与表达，他的《少年维特的烦恼》便是一个明证。
在这部小说中，温克尔曼通过对人物内心感情的刻画，展现了对于人性的关怀和对于理性的思考。
他认为，文学作品最终的目的就是要触及人的内心，唤起人的共鸣，这便是拉奥孔所主张的审美理想所体现的。
而在莱辛的作品中，我们同样可以看到他对于人文主义的审美理想的追求。
莱辛是德国浪漫主义诗人，他致力于用诗歌表达自己对自然、人性和社会的思考。
在他的诗歌中，充满了对自然美和人的内心世界的表达，他认为真正的美是源自内心的情感和理性的思考，这与拉奥孔的审美理想是一脉相承的。
在莱辛的诗歌中，我们可以感受到他对于自然的敬畏和对于人的理解，这些都是他审美理想的具体表现。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
为美而美——莱辛《拉奥孔》读后感
法学院国际经济法1304班
20130803156赵聪
美学现在已经成为了一个奇怪的概念。
人们在吵闹叫嚣的社会里辛辛苦苦地、尽心竭力地追求着美。
浮躁的社会让美的概念也变得心浮气躁，越来越多的人开始标榜以过度表现的形式作为内心美学体系的外化，于是我们就看到了夸张、用力被称作艺术的张力和强烈，各种过度夸张华丽的造型出现在秀场，作为流行趋势被时尚爱好者追捧；各种极尽夸张之能事的艺术作品堂而皇之地被供奉为新艺术的先锋，而无数新锐艺术家更是致力于追求外化形式的夸张表现而显得十分用力过猛却没有足以相匹的内涵。
甚至于文学创作也被熏染得以无限度放大故作呻吟的苦痛和悲伤为风气受到无数自以为是的文艺爱好者的追捧，创作者们更是享受这种追捧而继续把发丝一样细小的情绪无限度放大，以文艺先驱自居而沾沾自喜。
总之可以肯定的是，这样的美学观念实在是有失偏颇的。
读过拉奥孔后，我个人感受最深的就是莱辛的功力之深。
因为如果对于初读者来说，光是为了通透他信手拈来的一个个经典，所涉及到要参考的资料就已经远远超过这本书本身之浩瀚了。
作为在艺术史和文艺理论课堂上一定会被老师们极力推荐的作品，莱辛这本拉奥孔在美学理论发展的建树和作为新古典主义教科书一样的存在也是大
众化读者没法想象的。
经典之所以是经典，就是因为它能够完全地突破时间和空间的界限，给不同时代不同是空的人以不同的灵魂启迪。
那么拉奥孔给现代的读者带来的，除了犀利的表述，神秘生涩的经典和艺术理念，在我看来最为有益的应当是对艺术的界定和对审美观的重建。
看到了这样的观点：”莱辛将拉奥孔和维吉尔的《伊尼特》之较作为画和诗的比较是有失偏僻的，因为拉奥孔是雕像群而不是画。
“
请原谅我看到这句话之后忍不住笑出了声。
读拉奥孔我认为有一点是一定要清晰的，就是莱辛在书中所作比较的其实不只是诗和画这两种形式，而是由文字表达和由直观具体可感的图像表达这两种方式，正如莱辛在前言中提及的：”我还得提醒读者，我用‘画’这个词来指一般的造形艺术，我也无须否认，我用“诗”这个词也多少考虑到其它艺术，只要它们的摹仿是承续性的。
“所以这也是经典作品的特征之一，就是它的内涵所揭示的规律或思想可以被广泛适用。
以诗和画为代表的不同符号对美的诠释也是莱辛在书里讨论的重点之一。
在这本书里第一句给我醍醐灌顶之感的就是第三章，”造形艺术家为什么要避免描绘激情顶点的时刻？“莱辛是这样解释的：”艺术由于材料的限制，只能把它的全部摹仿局限于某一顷刻......我们愈看下去，就一定在他里面能想出更多的东西来，我们在它里面鱼能想出更多的东西来，也就一定愈相信自己看到了这些东西。
在一种激情的整个过程里，最不能显出这种好处的莫过于它的顶点。
到了顶点就到了止境，眼睛就不能朝更远的地方去看，想象就被捆住了翅膀。
......上述那一顷刻得到一种常住不变的持续性，所以凡是可以让人想到只是一纵即逝的东西就不应在那一顷刻中表现出来。
“文字和造形是殊途同归的艺术，他们共同的目的是竭尽所
能表现并留住美，但给受众的体验却是不尽相同的，即使表现的属于同一美学体系也需要受众用不同的方式来感受并获得自己的认识。
通俗地讲，以拉奥孔为例，维吉尔的《伊尼特》为例，以”可怕的哀号“、”像一头公牛受了伤“、”放声狂叫“等极具表现力的语句形容与大蟒殊死搏斗中的拉奥孔，正因为文字无法给人直观的感受，所以要通过具象的描述帮助受众在脑海中浮现出相应的情形，即以文字的表现力塑造形象的过程；而造形则是某种程度上的相反，受众可以对创作者的构思有直观具体的感受，自然而然会在脑海中出现相应的情形，并以创作者在细微之处的表现和自己的想象帮助丰富脑海中的情形，即以想象填充造形的表现力。
读到这里忍不住想起梵高。
在他笔下走遍全世界都见不到也买不到的太阳一般熊熊燃烧、怒放的向日葵，他是任意而为的艺术家，致力于夸大渲染想要表现的事物，甚至为其中一朵向日葵加上光环，力图为每样东西加上与底色互补的对比色让花朵更加突出。
而以梵高为首的现代印象派都极其一致地致力于以夸张变形的艺术手法实现新艺术的构想，所谓的”突破古典“。
所以其实对于艺术而言，物体只是描述的对象或符号，绘画或造形的最终目标也不应该只是直接呈现事实或者反映自然，而是通过特殊的手法或符号，将事实或自然的美转译成为艺术语言难以达到的理想，这又恰好与莱辛的理念相符。
关于美丑塑造，莱辛谈到，首先”美是古代艺术家的法律，他们在表现痛苦中避免丑“，这一点在拉奥孔雕塑群中表现出来的就是拉奥孔的雕塑细节。
”雕刻家要在既定的身体苦痛的情况之下表现出最高难度的美。
身体苦痛情况下的激烈的形体扭曲和最高度的美是不相容的。
所以他不得不把身体苦痛冲淡，把哀号化为轻微的叹息。
......那副痛苦的样子会引起反感”。
在雕像群中我们看到的拉奥孔便是略显痛苦地缄默的，但是又能够通过生动的肌肉以及血管的雕刻感受到那份忍受不住的痛苦，拉奥孔明晰的胸中缝、胸下轮廓、流畅的背部线条、像是附着在背阔上的清晰的前锯肌，美到极致的左臂，还有堪称点睛的血管。
而在网上也看到过一些恶搞图片，一些人将拉奥孔恶搞成各种啼笑皆非的版本，在一笑过后不禁有种看到严肃之物受到不严肃对待，无视那份严肃的崇高感的心痛。
看到很多指责莱辛矫枉过正、言辞过激、缺乏历史发展观点的言论。
诚然要承认其不足之处，确有过激，但是我依然从心底尊敬并且认同他对于美的极致追求。
温克尔曼注意到了雕像的拉奥孔的表情并没有像维吉尔在史诗中描写的那样的悲惨哀号，他称之为“静穆的伟大”：“拉奥孔发出的不是哀号，毋宁是一种节制住的焦急的叹息......他的困苦打动了我们灵魂深处；但是我们愿望自己也能像这位伟大的人物一样忍受困苦".尽管莱辛像曾经嘲讽充斥着英雄主义气息的文学创作一样不赞同温克尔曼的静穆论，但为了追求极致的美他事实上还是选择了静穆论。
读过拉奥孔觉得莱辛实在是有趣的人。
文艺理论不小心就会写成枯燥无味苍白堆砌的作品，莱辛分明在这本拉奥孔里极尽口舌之能，在嬉笑怒骂里表达了一众犀利的观点。
对于做艺术的人来说，这本书绝对是寻求灵感和树立艺术价值观的不二读物，而对于非专业人士来说，读来也一定获益匪浅。
毕竟至高的美学体系总是相通，对于每一个追求美的人来说都能通过这本书感受到纯艺的崇高感和美学的纯粹。
一切的痛苦和美好。
我们把这诗化成肉与灵。
我们把这勾勒成矜持的痛苦。
而诗化的最终是依旧相容的美学吗？是现实还是概念还是想象？还是永恒地含
混其中呢？勾勒出的画布上的又是相符或相悖的美学？又或者，哪一种才是正确的？
“怎么能说美有对错呢？”
我们都不能。
符合美学就好。