文艺复兴时期

文艺复兴艺术的主要特点一、概论文艺复兴（renaissance）一词的原意是“再生”的意思，主要历史跨度为14-16世纪。

它最早产生于14-15世纪的意大利。

可分为早期文艺复兴时期（15世纪），盛期文艺复兴（15-16世纪初）和晚期文艺复兴时期（16世纪中叶到末期），以及后来的巴罗克时期。

文艺复兴是欧洲的一段极为重要的时期，是一次重大的新文化运动。

文艺复兴的一个非常重要的成就就是对人性的发现，也就是人文主义或者人本主义的提出，这一点非常重要，它直接孕育了后来西方资本主义启蒙运动的民主、自由和平等的思想，并根本改变了中世纪以神为中心的思想观念，而重新回到对人的尊重的观念上。

2.新型的美学观念A．在人物造型的举止动作方面，追求稳健、简单和自然的动作，那些过度装饰、生硬造作和站立不稳的缺点都已经克服。

在每一件作品中，人物动作都被赋予了更强的气势和活力。

新的审美观最不能容忍的是过度紧张和不自然的动作。

B.新型人体形象的出现。

早期文艺复兴的趣味更喜欢那种未充分发育的苗条轻盈的形体，青年人清瘦优雅和富于弹性的曲线，比成年女子丰腴饱满和成年男子的肌肉发达更有魅力。

但是在文艺复兴盛期，拉长形体的方法被抛弃了。

所有的肢体都被表现的更丰满、更强壮。

美再度体现在古代理想中丰满躯干的宽大臀部中，视觉上追求的是宽大而统一的的美感。

文艺复兴盛期的艺术认为关节分明的形体是富于美感的，追求人体表现的强烈结构和表现内在形式，强调形式的水平线。

因此，绘画中人体的头部变的硕大，人们欣赏结实的下巴和丰满的面颊，甚至女人的嘴巴和鼻子也不追求小巧和别致（翘鼻子），而将他们描绘的文静匀称（高直的鼻型），表现强烈的高贵特征。

人物脸颊追求对称或者匀称，追求清晰性和可辨性，追去合乎逻辑的比例关系。

这也是希腊艺术追求的目标。

C．追求艺术的重量感和节奏感，以及整体感和结构感。

比如肖像画中把头发都表现为梳得光滑服贴、有条不紊的体块。

要求有分量的衣料和潇洒飘逸的饱满形体，拒绝结构复杂的式样和琐碎的装饰，而衣裙厚重的褶子取代了有编织图案的衣料，只考虑大面积的对比关系，并要求产生一种用手牢牢握住物体的感觉，而不是用指尖轻轻触及的感觉。

D．由于建筑是任何的实际感受在外部世界的透射，因此建筑随之变化，变得严肃和庄重，并迫使继承于哥特风格的早期文艺复兴建筑风格变得更加有分寸。

大量的装饰、宽阔的拱券、细长的圆柱全部消失，取而代之的是庄重而有节制的形式，神圣的比例尺度和严肃的单纯朴素。

鲜艳的色彩和生动的琐碎细节完全被抛弃了。

E．审美趣味向立体造型的转变，强调浓重的阴影和透视效果，达芬奇曾经嘲笑那些不愿意为造型而牺牲色彩美的画家，说他们是妙语连珠却又不知所云的空头演说家。

同时在后期，艺术家对世界的兴趣越来越只限于人物形象，而放弃了许多美好而生动的自然题材。

F．文艺复兴艺术的精神世界追求与古代（古罗马和古希腊）精神世界的统一。

当时的艺术家大量吸取了古罗马和古希腊的艺术精华和艺术母题，但同时又能确保自己的艺术不会在古典艺术世界中迷失。

他们从不赞同精确地再现古代艺术，而是强调古代艺术的单纯性，同时尽力克服自己对装饰的放纵欲望。

G．追求绘画的复杂性和形式观念的三维特征。

由于透视法的发明，艺术家开始全面把握各种人体动态，开始深入探究人体主要关节和次要关节的扭转和弯曲的各种可能性，即使以往认为是简单的二维平面处理，现在也开始按三维深度处理。

我们可以从文艺复兴时期大量研究人的各种器官的素描图中，比如各个角度的手和脚，体会当时对这种三维景深的痴迷。

甚至到后来，这种对透视的无休止研究，已经让某些艺术大师厌烦，比如意大利画家阿尔贝蒂内利后来干脆放弃绘画而去经营小酒吧。

充分发挥光与影的作用，反映一种可触及的固体性和周围空间的效果。

当时的艺术家认为运用光影的造型方法比透视法更容易获得空间感。

达芬奇在年轻的时候最大的理想就是“给形象最大限度的浮雕感”，这也是他毕生追求的理想。

他明确主张在一幅画中最暗的部分应该出现在强光部分的旁边，甚至米开朗基罗在最严格意义上说，就是一位素描画家，他非常强调绘画的明暗效果，而经常忽视色彩的意义。

H．追求艺术的统一性和必然性。

构图观念自艺术出现以来就一直存在，但是真正意义上的各部分内容的相互关系安排，出现在文艺复兴时期。

以往的构图都缺乏一种连接各个部分的特殊聚合物。

在文艺复兴时期，艺术构图的各个部分必须同时看到，而且还相互联系，形成统一整体，它通过对整个框架内局部功能的深入理解来把握一种特殊的内在协调关系。

比如在达芬奇的《最后的晚餐》中，有一个处于支配和协调地位的中心人物（耶稣），以及各自在总的情节框架中起着不同作用的一群人（耶稣的追随者），然而在这幅画中，没有一样东西（比如一块石头）可以在去掉之后或者加入任何东西，还能保持整幅画的整体平衡。

文艺复兴时期，这种平衡原则已经达到了非常精确的地步，也成为衡量古典艺术是否完美优秀的一个主要评判原则。

在文艺复兴盛期，高贵的姿势、有节制的行为举止和宽大有力的美是那一代艺术家（比如米开朗基罗、达芬奇、拉斐尔、提香等艺术大师）的共同情感特征，这种特征不断聚集在他们的艺术作品中，以至于发展到能将艺术作品中的各部分完全融合成一种必然的统一体。

古希腊艺术的特点1.希腊艺术的伟大革命：短缩法和自然形状的发现a.短缩法：当物体离开眼睛或视点远去时，物体体积的缩小。

但与透视法不同，透视法是由一个消失的原点作为中心，而短缩法并未达到这么精确的描述，一直到文艺复兴时期，才逐渐发展成一种科学的方法。

b.严格的循规蹈矩和寓变化于规矩之中所达到的平衡，是希腊艺术的最吸引后来艺术家不断回顾希腊艺术的主要原因。

希腊人要求绘画和雕塑可以自由的表现人体形象的种种姿势和动态的新发现，以反映出人物的内心世界。

比如菲迪亚斯为雅典卫城帕提农神庙（不是露天的那个）雕刻的雅典娜神像，雅典娜（帕拉斯·雅典娜），智慧女神，雅典的保护神，在古罗马神话中的名字叫米涅瓦（Minerva），她在无意中杀死了海神的女儿帕利斯，为了纪念她，便自称帕里斯·雅典娜。

这是一个庞大的木头像，高度大约为10几米（36英尺），身上包裹着贵重材料——黄金的盔甲和衣服，象牙的皮肤。

左手扶在盾牌上，右手放在一个矮柱上，左腿稍微有些弯曲，眼睛凝视着右前方。

盾牌和盔甲上还涂着大量的耀眼的颜色，雕像的眼睛是用彩色宝石制成的。

她的头盔上有几只半狮半鹫的怪兽，盾牌里还盘着一条蛇。

雕刻家让这尊雕像不仅要表现尊严，还要表现雅典娜的美丽，也就是表现雅典娜作为女人的魅力，这种表现与古埃及时候的神像表现已经非常不同了。

菲迪亚斯是希腊艺术革新的肇始者，使得后来的希腊艺术大师逐渐迈入一种很高的境界，就是达到了形式化的形象与真实形象之间的完美平衡。

当时希腊著名的雕塑有：眺望楼的阿波罗，米洛的维纳斯，拉奥孔群像（拉奥孔是特洛伊城的祭司，他看到要进城的木马中藏有希腊士兵，因此就警告他的同胞不要收下这些木马。

但是神看到他们要毁灭特洛伊城的计划遭到挫折，受到拉奥孔的阻挠，就派两条巨蛇从海中钻出去把祭司和他两个不幸的儿子缠住憋死）。

2.艺术家的地位：在古希腊，统治者或者贵族都是一些有钱人以及一些诗人和哲学家，而艺术家，包括建筑师被认为是下等人，因为他们像普通苦力一样用双手工作，所以不被认为是上流社会的成员。

3.结论：希腊人的艺术冲破了早期古埃及艺术的禁律，走向一条真正的艺术之路，通过仔细的观察和对完美形象的追求给世界形象增添了越来越多的特点。

他们的作品绝不是一面仅仅反射自然某个角落的一面镜子，而是永远带有创作者的智慧和天赋。

古罗马艺术的特点1、古罗马的典型艺术手法是从希腊艺术中取其所好，然后按照自己的需要加以运用。

举例说明，其中一项就是制作优秀的半身像。

古罗马时期，罗马人必须在皇帝面前，或者半身像前宣誓表示忠诚，当时的许多基督教徒因为不愿意向上帝之外的神像宣誓，被判处死刑（一般都是投入到大斗兽场中，被狮子老虎咬死）。

罗马的雕像尽管有这么严肃的意义，但是统治者却没有要求艺术家必须美化雕像，甚至产生尊严感。

当时的艺术家将统治者的半身像做的非常真实，甚至会用石膏模型套取死者的面型，他们好像根本不愿意将统治者表现为神，比如维斯佩申（曾建造了罗马大竞技场和凯旋门）的雕像做得犹如一位银行家或者公司老板。

尽管如此，神像却没有产生一种猥琐感。

古罗马艺术家在艺术方面尽管没有取得希腊艺术家这么高的成就，但却创造了一种逼真然而不平凡的效果。

2、古罗马人的艺术着眼于准确表现全部细节和清楚的叙事，而不在注意希腊艺术中和谐、优美和戏剧性的表现。

比如希腊雕刻中对游行队伍的表演者的动感刻画（表现了表演者上窜下跳以及马的动态的平衡效果）。

但是在古罗马的纪功柱上的雕刻中，只是把一幕幕的战争胜利场面如实的记录下来。

（要说明的是：这与古埃及艺术在目的上有类似之处，但是在手法表现上，古罗马艺术与古埃及艺术截然不同，它吸取了古希腊艺术的表现技巧（短缩法和对自然形状的描绘）。

）因为罗马人是讲求实际的民族，对幻想的东西不太感兴趣。

古罗马人用图画记述英雄伟绩的方法，后来被基督教广泛采用发扬光大，基督教堂中常有彩色玻璃画，就是为了给教徒提供圣经素材的，也就是所谓的恶傻子圣经，因为古时候识字的人很少。

3、在古罗马帝国衰亡时期，艺术家已经不再注意古希腊艺术的辉煌成就了。

比如雕刻家在雕刻时常常采用了一些相当简单易行的方法，只要能让观者分辨出哪里是脸，那里是眼睛和鼻子，那里是脚，就可以了，所以这些雕像在希腊人和早期古罗马艺术家那里根本称不上是美。

在经过大规模的战争、叛乱和外族入侵之后，许多艺术技巧都失传了。

随着基督教在欧洲的逐渐兴起，古代社会也随之终止。

罗马风艺术的特点1．罗马风艺术家借用罗马、拜占庭、野蛮民族和加洛林艺术（法国查理曼大帝时期的艺术，800年）的母题和特性，并把它们结合成一种国际风格。

实际上，这种结合各种因素的统一需要一种同时拥有活力、灵感和财富三方面因素的力量，而当时的修道院恰当的承担了这一重任，并对这种风格的流行起了决定性的推动作用，同时他们也将一种审美的沉思和急于创造表达基督教世界观的欲望也掺杂在罗马风艺术中。

2．罗马风艺术不具备自然主义和古典的或后期哥特式艺术所具有的人道主义热情。

自然的形体被罗马风艺术家自由地转换为线条的或雕塑的设计，这些设计有的高贵、宁静、严峻，而另一些则被认为是一种近似发狂的梦幻般激情的产物。

罗马风艺术具备丰富表现力的变形和自然形式的风格化，一直到十九世纪末、二十世纪初开始的现代艺术革命之后，才得到广泛的认同。

因为在古典时期的艺术一般都以再现自然作为目标，所以他不喜欢神经质甚至富于激情的对自然界的变形。

然而到现代艺术革命之后，再现不再作为艺术追求的唯一目标，同时也允许大量个人化的情绪或者感受注入到艺术之中，这样，现代艺术又重新发掘了罗马风艺术的宝贵价值。