浅谈绘画中的崇高思想
浅谈美术教学中的思想教育
实际 中如何 操作 等一 系列 的 问题都 要精 心设计 。美术 是一 门特殊 的学 科 ， 它 需要 教师 上课讲 授要 有故 事性 、 趣味性 、 科学性 。不论 欣赏作 品还是 亲 自制作 ， 都 要求 教师讲 授 时生动 有趣 ， 学生就 会不 自觉地 受到 吸引 ， 于 潜移默化 中受 到 美 的熏 陶 ， 巧妙 地 将 思想 教 育 贯彻 其
民。
例如在教学蒋兆和 的《 流 民图 》 时， 教 师可介绍 蒋兆 和所 处的时代 背景及 创 作 的历 史 年代 。那 是～ 个 动荡 落后 的年代 ， 到 处是 贫穷 、 饥饿、 瘟疫， 画作 表现 了 旧 中 国农 民的苦难 生存 境况 。在给学 生讲述 、 分析这 幅作品
深刻 的内涵和 艺术特 色 ， 让 学生接 受美 的 陶冶 时 ， 可不 教源自， 以下将进行深入研究 。 一
和遵 守纪律的 自觉性 ， 形成 协作 团结的团队精 神 。 三、 美术教 学应 多种方法渗透 思想教 育 在美术课 堂 中， 教师必 须先 做好 充 分 的准备 ， 把 握
本节 课 的重难点 ， 采取 相应 的方法 方式来 进行教 学 ， 在
、
美 术 课 堂 教 学 应 与 思想 教 育相 结 合
失 时机地对学 生进 行思想 教育 ， 教育 学生要珍 惜 自己今
天 的生 活 ， 要 热爱 祖 国 ， 热爱 社 会主 义。在教 学 鱼形 工
二、 美术教学应具有 鲜明的教育性
美术功能具有审美作用 ， 其 中重要 的一 点就是 鲜 明 的教育性 。一 幅优 秀 的美 术作 品在给 人一 种美 的享 受 的 同时 ， 也具 有教 育作 用 。人 的道德 认 识情 感 、 意 志和 行为， 只能在 人 类 的 生 活 、 学 习及 社 会 活动 中 ， 通 过 引 导、 教育 逐渐培 养 和完善 起来 。所 以 ， 学 生 的思想 只 能 是社会存 在的反 映 ， 是 社会影 响 和学 校教 育的结果 。美 术课堂上 教师向学生传授技法技 巧 ， 在美 术设计 制作 的
浅谈绘画创作中题材选取的方法
浅谈绘画创作中题材选取的方法1. 深入生活，捕捉灵感生活是艺术的源泉，艺术家可以从生活中获取无尽的创作灵感。
深入生活，用心感受身边的一切，捕捉生活中的美好瞬间，是一种很好的方法。
艺术家可以通过日常的观察和体验，找到自己感兴趣的题材，比如家庭、自然风光、城市景观等。
这些题材具有丰富的情感和生活的痕迹，可以让作品更加具有感染力和情感共鸣。
2. 发掘内心世界，表达情感艺术创作可以是对内心世界情感的表达，艺术家可以尝试从内心深处发掘自己的情感和感受，将其融入到作品中。
艺术家可以将自己的内心情感、思考和想象转化为艺术作品的题材，表达自己对生活、情感和存在的理解和感悟。
这样的题材具有个性化和独特性，可以让作品更加富有个人色彩和表现力。
3. 借鉴历史文化，传承和创新历史文化是人类智慧和创造力的结晶，其中蕴藏着丰富的题材资源。
艺术家可以从历史文化中获取题材的灵感，并在此基础上进行传承和创新。
艺术家可以选择历史人物、传统节日、民俗风情等作为题材，在传承历史文化的同时融入现代的审美理念和表现方式，使作品更加具有时代感和现代性。
4. 关注社会现实，表达关怀和思考5. 多样性和包容性在选择绘画创作的题材时，艺术家不应局限于任何特定类型或主题，而是应该拥抱多样性和包容性。
艺术家可以尝试不同风格、不同题材的创作，比如写实主义、抽象主义、风景、人物、静物等，以此丰富自己的创作经验和艺术表现形式。
多样性和包容性可以让艺术家的创作更加丰富多彩，也可以让作品更具有观赏性和表现力。
绘画创作中题材的选取是一个具有挑战性和创意性的过程。
艺术家可以通过深入生活、发掘内心世界、借鉴历史文化、关注社会现实等方式，寻找到适合自己的创作题材。
艺术家还应该具备多样性和包容性，拥抱不同类型和主题的创作，以此不断丰富和提升自己的艺术表现能力。
希望以上的浅谈对于绘画创作中题材选择有所帮助，也希望更多的艺术家能够在不断探索中找到适合自己的创作题材，创作出更加丰富多彩的艺术作品。
浅谈张璪的“外师造化,中得心源”
浅谈张璪的“外师造化，中得心源”作者：唐丽荷来源：《文艺生活·中旬刊》2017年第09期摘要：唐代著名画家张璪提出的“外师造化，中得心源”创作思想，提倡人们要师法自然，深入生活，以外在自然万物为师，从而获得内心感悟，并抒发于画作之中。
而这一创作思想的形成与发展与画家张璪所处的历史环境及后世对这一理论的解读与传播密不可分。
通过分析这一理论形成的历史条件，背景，以及理论的发展，讨论这一理论在绘画艺术创作中的作用、意义和产生的深远影响。
关键词：张璪；“外师造化，中得心源”中图分类号：J201 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2017）26-0101-01一、“外师造化，中得心源”绘画理论思想形成的背景张璪生平活跃于约晚唐时期。
他提出的“外师造化，中得心源”理论思想有诸多的背景因素，一方面，文人士大夫注重追求心源。
曾经老子、庄子在面对自然的关系时主张“天人合一”的思想，孔子面对人与自然的关系是“比德”的思想，这对人与自然的精神关系发展影响很大。
另外唐代佛学的繁盛，兴起了注重“心”的思潮，画者开始关注自然，强化心的地位，促使绘画者对山水产生向往和追求，观照自身的感受。
另一方面，在唐代以前，出现的山水绘画理论如东晋顾恺之著的《画论》、《画云台山记》中提出“以形写神”“迁想妙得”“置阵布势”等绘画思想，为南齐谢赫在《古画品录》序言中提出的“六法”奠定了基础。
南朝宋宗炳《画山水序》，宗炳又提出“以形写形，以色貌色”“应目会心”，并对绘画中的透视问题进行了阐述。
王微在《叙画》中指出“本于行者融，灵而变动者心也”，提出画者不能只局限于眼前所看到的事物，这些理论为“外师造化，中得心源”理论的成熟奠定了基础。
唐代后期，山水画独立成科，绘画理论随之出现，并开始注重于“心”的关注。
张璪将“外师造化，中得心源”明确为艺术的根源，师法自然是画家产生创作灵感的来源，绘画不再是对自然万物的模仿，而是重现自然事物给人的感受，是人的内心领悟的体现。
浅谈中国画中的道家哲学精神
浅谈中国画中的道家哲学精神中国画是一种精神劳动,它要求画家具有高深的艺术修养（包括人生经历、学养沉淀、胆识、才识等几个方面的综合素质）和丰富的社会实践知识。
它通过表现不同于西方透视的空间意识和奇妙的精神氛围以及对绘画语言创造性的运用来表达中国人的精神追求,这种精神追求源于中国道家思想的影响。
道家主张适应自然、与大自然和睦相处,提出人法地,地法天,天法道,道法自然。
老子曰：涤除玄览,能无疵乎？基于此,我们要用心感悟自然,使自己的精神得以升华。
在创作绘画时,必须将内心杂念彻底涤除,心境升华到对世俗繁杂之事一尘不染的空灵境界,才能创作出源于生活而高于生活的妙品佳作。
这种感悟方式是一种精神的升华,体现了物我互融的大思想,使物我感应达到物我为一的境界,最终将超越存在的精神力量得以体现。
《庄子人间世》云：且夫乘物以游心,托不得已以养中,至矣。
乘物以游心,就是要求我们在作画时,心要平,气要和,神要静,虑要远,心随物游中,万物是如此之玄妙。
将自我融于万物,通过心灵遨游,摆脱名缰利锁的束缚,摆脱各种世俗观念的羁绊,神游物外,得庄子之逍遥、老子之无为,才知绘画之本源,然后回归本体,复入有我之境,达到下笔如有神,乎随心远,笔随意至,乃至于意犹未尽的境界。
魏晋南北朝时期的文人士大夫们眷恋山水,领略玄趣,追求道家的精神境界,这对中国画的发展产生了很大影响。
宗炳在《画山水序》中指出山水画的作用是澄怀观道澄怀味象。
澄怀就是要领略玄趣,荡涤污浊势利之心,遁于空静的山林,体会圣人之道。
远离尘浊世俗,独与天地精神往来（《庄子天下》）,静静地思索,深沉地入静,方能得道。
有世俗名利之心的人,奔走于势利之途、名利之场,一心想发财,一心想做官,还能不争处下无为吗？还能像庄子一样拒绝礼聘吗？还有时间和心思去逍遥游独与天地精神往来吗？众多文人雅士游山观水,歌诗以咏之,绘画以形之,通过歌咏描绘自然山水,寄托自己的情怀,寻求老庄的精神支柱,寄托高逸清雅的情操。
浅谈中国风景油画的意境
浅谈中国风景油画的意境中国风景油画是中国绘画发展历程中的重要组成部分，它以丰富的意象和独特的意境深受人们喜爱。
意境是中国风景油画的重要特点，它是画家通过作品所表达的情感、思想、哲学和美学观点与观念。
本文将从以下几个方面探讨中国风景油画的意境。
一、崇尚自然中国风景油画的意境不仅仅是美学方面的表现，更是人们一种崇尚自然、向往自然、与自然亲密融合的情感态度。
在画面中，画家努力通过绘画手法表现大自然的气象万千、奇妙神秘的特点。
画中山川的高耸、林木的郁郁葱葱、水流的湍急奔涌，以及动植物的栩栩如生，无不表现了自然的洪荒之力和无穷魅力。
画家用油画技法将这些元素表现得淋漓尽致，让观者仿佛置身于大自然之间，感受大自然的神奇和壮阔。
二、寄托思想情感中国风景油画的意境除了体现自然生态的和谐与壮美外，还寄托了画家对社会和人生的思考和感悟，里面蕴含着深深的思想情感。
一些画家将自然的景象和自己对生活的体悟相结合，创造出一些诙谐幽默、深刻意味的作品，让人不禁心生感慨。
比如，画家白雪峰的作品《渔歌子》，他用真实而生动的笔触表现了渔船上劳作的渔民和平淡却充满了生机勃勃的渔村，强烈表现了山村美丽的风光和淳朴的民俗风情，同时又表达了对生命和爱情的追求和思考，营造出一种和谐、圆满的氛围。
三、追求形神兼备中国风景油画的意境还表现在形态和神韵的完美融合上。
中国画多从寄情于神韵中表现，风景油画运用了西方油画的色彩、透视等表现手法，但画家们注重的不仅仅是色彩和技法的运用，更加关注画面的意境呈现。
画家们经常以恰如其分、恰到好处的笔触描绘山水、水之色泽、云雾、月斜天遥等自然景致，将自然的神秘和华丽，表现得淋漓尽致，并赋予其以思想和情感，使作品达到了形神兼备的境界。
总之，中国风景油画的意境独特缤纷，既表现出自然风光的壮美和神秘深邃，又刻画出作者的思想情感，让人在观察画面的同时，也在体味画家对自然、生命和人生的理解和关注。
浅谈美术作品中的优美与崇高
西方绘画作品中，人体造型无论在写实、变形、象征，以及其 他艺术形式中都是不可或缺的艺术语言，人体解剖学的艺术魅 力令人震撼，是艺术家终生研究的重要课题。从文艺复兴时期 开始，艺术家在绘画或雕塑上对人体解剖就有了科学的认识。 达?芬奇、米开朗基罗、丟勒、鲁本斯等一些艺术大师非常重视对 人体解剖的研究，亲自解剖尸体，观察人体骨骼、肌肉，甚至各部 位关节的构造，并作精深的总结，将这些解剖学理念运用到艺术 创作当中。文艺复兴时期，达?芬奇创作了《蒙娜丽莎》，蒙娜丽 莎神秘的微笑之所以能迷倒几个世纪的人们，就是因为大师运 用精准的解剖知识，将人物面部肌肉结构刻画得惟妙惟肖，赢得 了世人的认可。善于运用夸张手法展现人体结构的米开朗基罗 创作的《大卫》雕像，其整体结构和比例都作了夸张处理，用过长 的大腿和较大的手臂强化大卫巨人般的英雄形象，这尊雕像是 从事艺术学习的学子们经典的素描刻画题材。这些成就都源于 艺术大师对人体解剖学研究的成果，才有了传世的艺术品供人 们欣赏与学习。
二、崇高
崇高是一种冲突的和谐、对立的和谐。博克认为崇高而伟 大的对象会引起惊讶的情绪，并带有某种程度的痛苦和恐怖之 感，但其先决条件是：危险或痛苦与人有一定的距离，并不存在 安全隐患，人们能够从战胜困难、经历恐惧中最终获得喜悦，产 生崇高感。康德将崇高的对象特征归纳为三点：高大、朴素单 纯、极高或极深。其中，极高给人的印象是伴随着欣赏的赞叹， 极深给人的印象是夹杂着战栗和恐惧。崇高所唤起的情感是令 人激动的。
西方美学一开始常把崇高排除在美之外，而将其当作与美 有关的另一范畴进行对比研究。实际上，西方所论述的美主要 是指当今美学中的优美，是一个狭义的概念。今天我们把崇高 作为美的另一种类型，使之与优美构成一对美学范畴。18 世纪， 英国经验派美学家博克最先将崇高与美并列对立起来。
浅谈绘画创作中主题性的表达
浅谈绘画创作中主题性的表达绘画创作中主题性的表达是指画家通过作品所表达的一种思想、情感或意义。
主题性的表达是绘画创作的核心，它直接关系到作品的艺术价值和观赏效果。
在绘画创作中，主题可以是艺术家对社会现实的关注和批判，可以是对自然景观的描绘和赞美，还可以是对人物形象的刻画和表达。
主题的选择要根据艺术家的个人兴趣和创作目的来确定，通过主题的选择和表达，艺术家可以将个人的观点和情感与观众进行共鸣。
在绘画创作中，主题性的表达有以下几个要点值得关注：主题要有新意。
艺术家通过独特的视角和表现手法来创造新颖的主题，能够给观众带来新的感受和思考。
主题的新颖性可以体现在题材的选择、形式的创新以及表达手法的独特性上。
主题要有深度。
艺术家通过绘画作品所表达的主题应该有一定的思想深度和内涵。
艺术家可以通过对人物形象、社会现象等的刻画和揭示来表达主题的深度，引起观众的思考和共鸣。
主题要有情感。
艺术家通过作品所表达的主题往往与情感紧密相连。
艺术家可以通过色彩、构图、线条等艺术手法来表达主题所带来的情感，使观众能够从作品中感受到主题所表达的情感。
主题要有统一性。
主题的表达要具有一定的内在逻辑和统一性，所有的元素和细节都要为主题服务，相互协调、相互支持，形成一个完整的表达系统。
主题的统一性可以通过构图的布局、色彩的搭配、细节的处理等方面来体现。
绘画创作中主题性的表达在艺术创作中起着重要的作用。
艺术家通过选择适合自己的主题，并用独特的方式表达主题，可以将自己的情感和观点传递给观众，引起观众的共鸣和思考。
主题性的表达不仅关乎作品的艺术价值，也是艺术家与观众之间的沟通和交流的重要途径。
在绘画创作中，艺术家要注重主题性的表达，给作品赋予更多的意义和思考的空间。
浅谈中国绘画的精神
浅谈中国绘画的精神内容简介：绘画艺术是借助一定的物质媒介和技艺来表现人类的心灵活动。
它作为一种精神产品,通过一定的物质形式向人们展示它内在所包含的精神思想。
中国的绘画从几千年前的工艺装饰纹样中孕育并发展起来,有极其深厚的文化底蕴。
通过一定的画面,来寓意一定的人生观世界观和价值观,是中国绘画的最大最本质的特点。
“情趣寄寓”和“以画写意”是中国绘画比较典型的借以表达画家思想的两种形式。
一、中国绘画表达的形式1、情趣寄寓绘画艺术创作是以审美方式反映生活的,作者的立场观点、思想感情和审美情趣都是通过具体的艺术构思和艺术传达而表现出来,是为情趣寄寓。
绘画是一种精神性极强的艺术,绘画艺术创作中内在体现出极强的思想性及它与物质世界那种若即若离的关系,既以物质为基础,又升华为一定的精神,因而最为贴近艺术的本质。
综观中西绘画艺术的发展历史,我们不难看出,在它发展的道路上,有根无形的线在牵引着它发展的方向,这个牵引力使得艺术发展的始终不偏不倚的朝着它的方向前进,而这个拥有巨大“魔力”的无形指挥便是“精神思想”。
在情趣寄寓方面中国画精神性的最大体现就是用笔。
中国画用笔的核心问题笔力是有书法奠定的一种美学要求。
古代南朝齐的谢赫的<<六法论>>中的第二法“骨法用笔”就要求笔画的组织精练而能够恰如其分地表现对象,抒发作者的感受。
中国画的用笔有很多要求,除了讲求笔力之外,还有三个很重要的要求是气韵表现,丰富变化,与情趣寄寓。
气韵是魏晋时代品评人物风气度韵的略称,是人的内在精神因素的向外展露,被引用来作为品画的标准。
一笔下纸要有变化,还要顾盼生情,交映成趣,这便是用笔及用墨的情趣要求。
情调是画家喜怒哀乐的情感色彩,趣味是指画家精神生活与物质生活中产生的各种情趣。
所以,用笔和用墨包含着浓厚的精神性和抒情性。
2、以画写意中国绘画艺术的思想性在中国画的创作体现在造型,用色,构图,题材等等很多方面。
通过一定的画面内容来表达一定的意境意义,来体现作者的世界观,价值观和生观。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
研讨水彩绘画的创新思维
一、水彩绘画的概念及发展
水彩绘画，就是以水为媒介，并与色彩相互融合的绘画。
吴冠中是这样论述水彩的：“水彩，水，彩，不发挥水的长处，它比不上油画、粉画的表现力强；不发挥彩的特点，比之水墨画的神韵又见逊色。
妙就妙在水和彩的结合”。
水彩是舶来的画种，世界上第一幅水彩画是德国画家丢勒，发展是在英国，至今有三百年的歷史，在当时的时代，丢勒是用水彩铺底，以水粉的方法描绘动物；鲁本斯是用水彩的技法画速写，伦勃朗在素描的稿子上画淡彩等，不难看出，那时期，都是业余的去表现速写性的水彩画，花费的时间很少，大家只是用水彩去铺底，为油画做底子，比较轻视水彩画。
水彩画传到中国也不过百余年的歷史，但由于水彩画和中国画运用语言的很多相似之处，很快水彩画在中国发展起来，并落地生根。
中国水彩画经歷了几代画家的摸索，努力，获得了多方面的发展并存的现状。