艺术原理
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艺术原理期末整理一、艺术的起源1、模仿说这是一种关于艺术起源问题的最古老的理论，始于古希腊哲学家。
这种学说认为：模仿是人类固有的天性和本能，艺术起源于人类对自然的模仿。
在古希腊哲学家看来，所有艺术都是模仿的产物，美术艺术如此。
亚里士多德认为："艺术模仿的对象是实实在在的现实世界，艺术不仅反映事物的外观形态，而且反映事物的内在规律和本质，艺术创作靠模仿能力，而模仿能力是人从孩提时就有的天性和本能。
"继古希腊哲学家之后，文艺复兴时期的达芬奇、法国启蒙思想家狄德罗、俄国作家车尔尼雪夫斯基等人都不同程度地继承和发展了这一学说。
这种理论直到十九世纪末仍然具有极大的影响。
今天，用模仿说作为艺术起源的动力的美学家已经不多了，因为事实上有很多现象，如人类的史前洞穴壁画是很难用模仿的冲动去解释的。
但模仿说仍有它一定的价值，它揭示了人类一种比较原始的心理倾向，这种倾向与艺术是相通的。
一方面，对客观事物的模仿也是一种对事物的把握方式，它使人从中看到自己的智慧和能力，从而引起人心理上的快乐和满足。
另一方面，不管原始人由于什么原因创作和制作了原始艺术，这些原始艺术本身（如史前洞穴壁画上的动物轮廓）却无疑是由模仿得来的，也就是说，模仿即使不成为动因，也至少是一种必不可少的手段。
正因为史前造型艺术都基于模仿的手段，我们才能认识到这些形象所模仿的原型是什么动物。
我们从今天所发现的原始艺术作品中也不难看出，模仿是大部分原始艺术创作和制作的主要方法。
而其它方法，如表现和象征的方法也都是从模仿之中发展演变而来的。
2、游戏说游戏说认为艺术起源于游戏，它是包括美术在内的艺术发生理论中较有影响的一种理论，其代表人物是德国著名美学家席勒和英国学者斯宾塞，人们也因此把游戏说称为"席勒－斯宾塞理论"。
席勒在《美育书简》中，通过对游戏和审美自由之间关系的比较研究，首先提出了艺术起源于游戏的观点，认为艺术是一种以创造形式外观为目的的审美自由的游戏。
艺术设计的基本原理包括
艺术设计的基本原理包括一、对比与对比度对比是艺术设计中常用的概念之一。
通过对比色彩、形状、大小、纹理、亮度或对比强度的调整，设计师可以营造出丰富多样的效果。
对比度是指两个物体或元素之间的视觉差异程度。
艺术作品中恰到好处的对比度可以强化主题，突显重点，增加视觉冲击力。
二、平衡与不平衡平衡是指艺术作品中各个元素之间的和谐排列，使整体感觉稳定均衡。
平衡可以通过对称、近似对称或不对称的方式表现出来。
平衡的选择取决于设计师的意图和作品的整体效果追求。
不平衡设计可以通过设置不同大小、颜色、形状或位置的元素来制造视觉张力，并使作品更富有活力和动感。
三、重复与节奏重复是指在艺术作品中重复使用某种元素或组合，形成一定的节奏感。
艺术设计中的重复可以传达出统一感和整体性，同时也能增加视觉效果的冲击力。
艺术家可以利用重复来创造出独特的节奏、步调或模式，以吸引观众的注意力。
四、比例与尺度比例和尺度在艺术设计中是非常重要的概念。
通过正确运用比例关系，设计师可以创造出准确的视觉效果，并将观众引导到关键元素上。
不同尺度和比例的组合可以产生视觉上的变化和层次感，能够增加作品的视觉冲击力和叙事效果。
五、色彩与色彩理论色彩是艺术设计中无法回避的重要因素之一。
色彩的运用可以传达出不同的情感、氛围和意义。
色彩理论提供了对色彩相互关系的认识和分析。
色彩的混合、对比、互补和饱和度的调整等都可以通过色彩理论来指导和实践。
六、空间与透视空间感是二维艺术作品中一个重要的构成要素。
透视是创造出真实三维空间感的一种方法。
线性透视通过远近景物的大小、位置和变形来表现深度。
空间感和透视的运用可以使艺术作品更具立体感和空间感，增加观众的沉浸感和视觉体验。
七、质感与材质艺术作品中的质感和材质可以通过色彩、纹理和光影效果来表现。
质感和材质的选择能够直接影响观众对作品的感知和情感反应。
不同的材质可以传达出不同的触感和质感，增加作品的丰富性和趣味性。
八、形状与线条形状和线条是艺术设计中的基本元素。
艺术的来源与基本的原理
艺术的来源与基本的原理艺术是一种人类创造的语言形式，通过各种表达方式传递情感、思想和美感。
它可以是绘画、音乐、舞蹈、戏剧、文学等多种艺术形式的统称。
那么，艺术的来源是什么？艺术的基本原理又是什么呢？本文将从这两个方面进行探讨。
艺术的来源，首先要从人类的内心深处开始。
人类作为有情感和思想的生命，通过艺术来表达内心世界中的情感和思想。
无论是快乐、悲伤、痛苦还是愤怒，艺术都能成为一种情感的发泄和引发共鸣的媒介。
比如，画家通过绘画作品表达自己的情感，音乐家通过音乐传达内心的情绪。
因此，艺术的来源是人类的情感和思想。
其次，艺术的来源也与人类的观察和思考有关。
人类对于周围环境的观察和思考，激发了艺术的创作。
艺术家通过观察自然、人类社会和个人经历来探索和表达人类的生活、文化和社会问题。
比如，印象派画家通过捕捉光线和色彩的变化来表现自然景色的瞬间感觉，写实主义文学家通过描绘社会现实来探讨社会问题。
因此，艺术的来源也是人类观察和思考的产物。
艺术的基本原理包括形式、内容和效果三个方面。
首先是形式。
艺术的形式是艺术表现的外在形式，包括绘画的构图、用色和线条的运用，音乐的旋律和节奏，舞蹈的舞步和动作等。
形式是艺术作品的载体，通过不同的形式可以表达不同的情感和思想，同时也可以唤起观众的共鸣。
比如，抽象绘画通过无限的想象空间和几何形状来传达作者的情感，戏剧通过表演形式和舞台设计来展示故事的发展。
其次是内容。
艺术的内容是艺术作品所表达的主题或意义。
艺术家通过内容来传达自己对于人生、社会和宇宙的理解和思考。
艺术作品的内容可以是具象的，也可以是抽象的，可以是个人的，也可以是普遍的。
比如，文艺复兴时期的绘画作品以宗教题材为主要内容，现代艺术则更注重艺术家对于现实生活的思考和批判。
最后是效果。
艺术的效果是指艺术作品所产生的视觉、听觉和情感上的冲击和享受。
艺术作品要通过形式和内容来达到特定的效果，让观众产生共鸣和感受。
比如，音乐作品可以通过旋律和节奏来引发听众的情绪共鸣，雕塑作品可以通过形态和材质的选择来引起观者的审美感受。
艺术学原理
艺术学原理
艺术学原理是一门关于艺术表现方式的学科，涉及到作品的结构、抽象、节奏、美学、风格等，是音乐、绘画、雕塑、文学等艺术创作的基础知识。
研究艺术学原理的人们会从形式、结构、技巧、含义等方面去探索艺术，以进一步提升艺术素养。
艺术学原理包括五大方面：结构、抽象、节奏、美学和风格。
结构是指作品的整体结构，也就是说作品的元素是如何组合在一起的，其组合方式一般会影响作品的表达效果。
抽象是指作品中最抽象和最重要的部分，如一幅画中的主题，一首歌中的流行曲，或是一本书中的情节。
节奏是指作品中使用的声音结构，它可以影响作品的节奏感和气氛。
美学是指作品的美感，它可以把作品营造出特定的感觉。
最后是风格，它是作品的外观和特点，也是作品的品牌标签。
艺术学原理的学习可以帮助人们更加深刻地理解艺术，从而更好地创作出佳作。
比如，在学习结构的过程中，可以分析作品中的组成元素，从而探索出它的构造；在学习抽象的过程中，可以增强自己把握作品主题的能力；在学习节奏的过程中，可以多加练习，以求出最美妙的节奏；在学习美学的过程中，可以探索多样美感，以获得更丰富的表达；在学习风格的过程中，可以多尝试并汲取不同的创作灵感，等等。
此外，学习艺术学原理还能帮助人们更好地认识自己，比如对自己喜欢的风格和表现方式有更深刻的理解，从而把握自我，实现自我完善。
虽然艺术学原理是一涉及面广，学习难度较高的学科，但是只要
给予耐心、热情，并养成勤奋的学习习惯，任何人都能够较快掌握这门学科的知识和技能，从而拥有一个美丽的艺术世界。
艺术的原理
艺术的原理艺术是一种表达情感、观念和美感的方式，它是人类文明的重要组成部分。
在艺术创作中，有一些基本的原理和规律，它们是艺术作品得以产生和发展的基础。
本文将围绕艺术的原理展开讨论，以期为文艺创作者提供一些启发和思考。
首先，艺术的原理之一是形式与内容的统一。
艺术作品的形式是指其外在的表现形式，而内容则是作品所要表达的思想、情感和主题。
艺术作品的形式与内容应当相互支持、相互补充，形成一个有机的整体。
形式的美感应当为内容的表达提供更好的载体，而内容的深刻性和内涵则赋予形式更加丰富的内涵。
只有形式与内容的统一，艺术作品才能更好地触动观众的心灵，产生更深远的艺术效果。
其次，艺术的原理还包括对比与统一。
对比是指在艺术作品中通过对照、对比来突出事物的差异性和矛盾性，从而产生冲突和张力。
而统一则是指在对比的基础上，通过某种方式使得矛盾的事物得到和谐的统一。
对比与统一是艺术作品中常用的手法，通过对比突出主题的矛盾性和冲突性，而通过统一又使得这种矛盾和冲突得到合理的解决，从而产生艺术上的美感和审美效果。
另外，艺术的原理还包括形式的多样性和变化性。
艺术作品的形式可以是多种多样的，可以是绘画、雕塑、音乐、舞蹈、戏剧等等。
而且在同一种形式下，也存在着丰富的变化性，不同的风格、流派、技法等都可以为艺术作品注入新的活力和魅力。
艺术作品的形式的多样性和变化性，使得艺术创作者能够有更多的选择和发挥空间，也使得艺术作品能够更好地适应不同的审美需求和文化环境。
最后，艺术的原理还包括情感的真实和深刻。
艺术作品是情感的表达，是艺术家内心世界的映射。
情感的真实和深刻是艺术作品能够触动人心的关键所在。
只有艺术家能够真实地表达自己的情感和体验，才能够打动观众，产生共鸣。
情感的深刻则是指艺术作品能够深入人心，引发人们对生活、人生、价值等方面的思考，从而产生更加深远的艺术影响。
综上所述，艺术的原理包括形式与内容的统一、对比与统一、形式的多样性和变化性、情感的真实和深刻等。
艺术的原理
艺术的原理艺术是一种表达与传达情感、思想和观念的方式，它通过各种形式和媒介，如绘画、雕塑、音乐、舞蹈等，展现出人类的创造力和想象力。
艺术的原理是指在艺术创作和欣赏过程中所遵循的一些基本规律和原则，它们在一定程度上决定了艺术作品的质量和效果。
在艺术的世界里，了解艺术的原理对于创作者和观众都是非常重要的，因为它们可以帮助我们更好地理解艺术作品，提升审美能力，甚至激发创作灵感。
首先，艺术的原理包括构图、色彩、形式、节奏等方面。
构图是指艺术作品在画面或空间中的布局和结构，它决定了作品的整体美感和视觉效果。
一个好的构图可以使作品更加和谐、平衡，吸引观众的眼球，让人产生愉悦的感受。
色彩是艺术作品中最具表现力和感染力的元素之一，不同的色彩可以传达出不同的情绪和意义，艺术家可以通过对色彩的运用来表达自己的情感和思想。
形式是指艺术作品的外在形态和结构，它直接影响着作品的立体感和空间感。
而节奏则是指作品中元素之间的韵律和节奏感，艺术作品的节奏可以使观众产生共鸣和情感共鸣。
其次，艺术的原理还包括表现力、意象、象征等方面。
表现力是指艺术作品所表达的情感和内在含义，一个好的作品应该能够引起观众共鸣，让人产生共鸣和情感共鸣。
意象是指艺术作品中所呈现出的形象和符号，它可以通过具体的形象来传达抽象的思想和情感。
而象征则是指艺术作品中所使用的象征性意义和象征性符号，它可以通过一些具体的符号来代表更深层次的含义和象征。
最后，艺术的原理还包括审美、情感、思想等方面。
审美是指人们对于美的感知和欣赏能力，它是人类对于艺术作品产生情感共鸣的基础。
情感是指艺术作品所表达的情感和情绪，一个好的作品应该能够触动人的内心，让人产生共鸣和情感共鸣。
而思想则是指艺术作品所表达的思想和观念，它可以通过作品来传达作者的思想和观点，引发人们的思考和探讨。
总之，艺术的原理是艺术创作和欣赏过程中的基本规律和原则，它们决定了艺术作品的质量和效果。
了解艺术的原理可以帮助我们更好地理解艺术作品，提升审美能力，甚至激发创作灵感。
艺术美学原理
艺术美学原理艺术美学原理是关于艺术作品的审美属性和价值的研究。
它涵盖了许多不同的理论和观点，但以下是一些重要的原则，可以帮助我们更好地理解艺术的美学特征。
1. 美的观念：美的概念因人而异，没有统一的标准。
不同的艺术风格和文化背景会对美的定义产生影响。
我们的审美观念通常受到个人经验、文化价值观和社会背景等因素的影响。
2. 表现力：艺术作品可以通过各种形式和媒介表达情感、思想和观念。
表现力是指艺术作品所传达的信息的强度、深度和影响力。
艺术家可以通过色彩、线条、纹理、形状等来表达情感和意图。
3. 和谐与平衡：和谐与平衡是指各种元素在艺术作品中的统一和相互之间的关系。
例如，配色方案、构图等因素可以产生视觉上的和谐效果，使艺术作品看起来平衡和协调。
4. 独创性与创新：艺术作品要想脱颖而出，通常需要具有独特的风格和创新的思维。
独创性和创新能够为作品带来新颖和新鲜的感觉，激发观众的兴趣和想象力。
5. 虚实结合：艺术作品可以通过对现实和幻想的结合来创造独特的效果。
虚实结合可以使作品更具有吸引力和神秘感，引发观众的思考和情感共鸣。
6. 内容与表达：艺术作品的内容和表达方式是评价艺术价值的重要因素。
内容需要有深度、意义和观点，而表达方式则需要能够有效地传达这些内容。
7. 观众参与：艺术作品往往需要观众的主动参与和解读。
观众的想象力和情感对于艺术作品的理解和体验至关重要。
综上所述，艺术美学原理涵盖了美的观念、表现力、和谐与平衡、独创性与创新、虚实结合、内容与表达以及观众参与等方面。
这些原理可以帮助我们更好地理解艺术作品的审美特征和价值。
艺术设计的基本原理
艺术设计的基本原理艺术设计的基本原理是指在进行艺术创作和设计过程中所遵循的一系列原则和准则。
这些原理和准则可以指导艺术家和设计师进行创作，使作品具有一定的美感和表现力。
下面将详细介绍艺术设计的基本原理。
1. 平衡：平衡是指图像或构成的视觉分布呈现出的稳定感。
在艺术设计中，平衡的形式有对称平衡和不对称平衡。
对称平衡是指物体在平面或者空间上对称分布，给人以和谐、均衡的感觉；而不对称平衡则是指物体在平面或空间上不均匀分布，但仍然保持整体平衡。
2. 重复：重复是指在设计中重复使用相同或相似的图形、色彩、纹理等元素。
通过重复可以加强视觉的统一性和连续性，形成一种整体的节奏感。
3. 对比：对比是指在设计中运用不同的元素，如颜色的对比、形状的对比、大小的对比等，以产生视觉上的冲突和差异。
对比可以使设计更具有吸引力，同时也能够突出主题和重点。
4. 节奏：节奏是指通过重复、变化或者对比等手法来营造视觉上的动感和节奏感。
艺术设计中的节奏可以是有规律的或不规律的，通过控制节奏可以增加作品的生动性和活力。
5. 重点：重点是指设计中突出的、最引人注意的部分。
通过巧妙地处理重点，可以引导观众的视线，增加作品的吸引力和表现力。
6. 比例：比例是指事物或图像各个部分之间的相对大小和比例关系。
艺术设计中的比例关系要合理，使整体作品达到稳定和谐的效果。
7. 空间：空间是艺术设计中重要的构成要素之一。
通过在作品中运用正、负空间的关系，可以创造出一种层次感和深度感，使作品更加立体和有趣。
8. 色彩：色彩是艺术设计中一个非常重要的表现手段。
通过选择合适的色彩搭配和运用色彩的对比、明暗变化等手法，可以丰富作品的表现力和情感。
9. 纹理：纹理是指物体表面的细节和质感。
通过运用纹理，可以增加作品的真实感和触觉感，使作品更具有立体感。
10. 运动：艺术设计中的运动是指通过形状、线条、色彩等元素的组合来表现物体或者图像的动态感。
艺术家可以通过选择合适的线条和形状来传达物体运动的方向和速度，创造出一种生动的效果。
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中外关于艺术创造理论的研究成果有哪些？艺术创造分哪几个过程？艺术创造是否需要技巧？艺术创造是否需要一定的媒介？
艺术品如何区别于一般的物？艺术品的内在结构是怎样的？艺术品是创造的还是发现的？艺术品是独一无二的还是有多个实例的？艺术品的身份会随着解读与接受的变化而变化吗
艺术品：一般是指有一定的文化底蕴或有一定的民族特色和艺术魅力的欣赏品。
它具有以下特征：1、针对性比较强，针对某一领域的艺术人群可能是极佳的审美享受，而相对另一领域的人群可能一分不值。
2、无明显的国界、时代之分。
古代有古代的艺术品，可能到了现代还成为很好的艺术品，也可能随着历史的变迁和人文科学的进步，将会退出艺术舞台。
3、差异性大，价格可以从上万元到几元钱，材质从普通的物品到稀有物品，只要是有艺术和鲜明的欣赏特征就可以认为是艺术品。
艺术品拥有艺术价值和收藏价值
艺术品，指内容和形式结合得比较完美的作品。
它的造型和技艺规律符合本行共识的理论标准。
艺术品包括仿制品和伪作，好的仿制品和伪作本身是艺术品，至于涉及作者抄袭、伪造侵权等行为则是法律上的事，它和作品艺术性无关。
1所谓艺术品是人工制品中一种审美的精神产品，他以创造非现实的意象世界来传达人类的审美经验。
艺术品与非艺术品的区别：
（1）艺术品是人工制品而不是自然物。
（2）艺术品是精神产品而不是物质产品。
（3）艺术品主要是意象思维的结晶，而不是抽象思维的成果。
而意象思维和抽象思维的不同主要表现在下述四个方面：
a．抽象思维是对世界（包括人类社会）的各种现实关系的理性认识与概括，属认识论范畴；而意象思维对世界的掌握则主要不是认识，它通过想象、幻想、联想等方式创造一个虚构的、非现实的意象世界来超越、否定或提高现实，它当然包含某些认识因素，但主要不属认识论范畴，而属心理学范畴。
b．抽象思维运用的是概念、判断、推理等理性逻辑工具，以导向纯粹的理性，一般、普遍、抽象为其特征，排除了感性、个别、特殊、具体；意象思维则恰恰相反，始终以个别、特殊、具体的感性意象运思为特征，它可以透过这些意象来呈现、暗示某种一般、普遍、抽象的观念，但一般不导向赤裸裸的纯粹的普遍理性概念。
c．抽象思维目的在求"真"；意象思维目的则在求"美"。
d．抽象思维的成果是理性认识和理论形态的精神产品；意象思维的成果则是它所创造的凝定了审美经验的意象世界，这就是艺术品。
艺术品与非艺术品的联系
艺术品与非艺术品之间的区别是相对的，在一定条件下两者相互联系、可以相互转化。
（1）经过审美加工和创造，非艺术的自然物和人工制品可以转化成艺术品。
（2）艺术在发展过程中不断向非艺术品领域渗透，拓宽艺术品的领地，增添艺术的门类和品种，并使人类物质和精神生活富有艺术情趣和审美意味。
如自然界的花经过插花工艺转化成了精美的插花艺术品，房屋原本是用来居住的，在古代文人的设计下成了精巧的园林，原本不存在的园林艺术由此诞生，从而拓宽了艺术的领域。
2 艺术品的层次结构
艺术品是以审美意象为中心、传达审美经验为目的的多层次开放系统。
主要包括以下四个层面：
（1）物质实在层
艺术品作为物质实体，是由各种物质材料构成。
因此艺术品赖以在时空中存在的物质实体和媒介就构成了最基本的层次：物质实在层。
这些物质材料和媒介并不等于艺术品的本体存在，仅仅是本体存在的一个不可缺少的必要前提或构成因素。
（2）形式符号层
物质实在层之上的是形式符号层。
物质实在层是它的间接性物质存在，形式符号层则是艺术品的直接性物质存在。
因为任何艺术都有自己独特的指向意象世界的形式符号，如色彩、线条、形体、音符、旋律、词语等。
形式符号层的更重要的作用在于它直接指示、负载着艺术的意象世界，在艺术品的整体结构中，形式符号层指出、负载意象的功能远大于其独立的审美价值。
（3）意象世界层
建立在前两个层次基础上的是意象世界层，这是艺术品结构中的核心层次。
这是非现实的、展现人类审美经验的、能转化为被感性把握的、富有意味的表象世界。
物质实在层仅仅是艺术品在物理时空中的存在层次，形式符号层则是艺术品由物理时空向心理时空存在转化的过渡层次。
审美意象虽然以物质实在层为基础，以形式符号层为指示，但它却是艺术品的一个更为高级、深入的层次。
准确地说，意象世界只潜在地存在于形式符号层中，而现实地生成于接受者鉴赏时的心理活动中。
这意象也就是鉴赏中生成的审美对象。
可见，艺术的审美意象是作为其载体的物质实在层和形式符号层引导鉴赏者进入审美状态后，经鉴赏者的审美知觉和想象而产生的，它是一种非实在的精神性存在，只有当主体心理经历了一种从实在性向非实在性的飞跃，穿越了物理时空，才可能创造出属于自己的审美意象。
（4）意境超验层
这是意象世界背后所蕴含着的富有形而上的人生哲理意味的最高境界。
如果说，意象世界层是人类经验范围内的东西，意境则是一种超越人类特定经验领域的形上至境。
艺术本体由物质实在、形式符号层次向意象层次的深化，意味着艺术品从物理时空的存在状态向心理时空存在状态的转化，而从意象世界向意境世界的深化，则更将艺术品推向人生哲理意味的更高层次，进入了"玄而又玄、众妙之门"的至境。
意境超验层次有广义，狭义之分，一是就人生境界而言，一是就艺术品本身的内涵而言。
这两种含义又往往混合为一体，艺术家对人生的体悟溶入到艺术品中，既表现了艺术家的人生境界又表现出一种非经验的意境。
如在中国书画作品中的线条、形状，是艺术家情感与人格的表现。
而其中的气势则表现了一种意境。
如欣赏钢琴曲《命运》
必须有钢琴这样的物质存在，这是最基本的要求。
而钢琴演奏出的音符旋律组成了《命运》曲，这就是形式符号层。
而创作者在《命运》曲中所蕴含的悲怆的崇高美意象就构成了意向世界层，这是我们可直接感受的。
当我们在激动的心绪平息后，细细体会，感到命运的无常，人与名誉抗争的毅力，这就进入了意境超验层。
四个层次由低到高，由具体到抽象（如下表），缺一不可，贯穿其中的是艺术独有的审美本质，即通过艺术家的意象世界，来传达人类的审美经验。
┎—意境超验层-最高境界
↑非现实┨
∣┖—意象世界层-核心层次
↑
∣┎—形式符号层-直接性物质存在
↑现实┨
∣┖—物质实在层-间接性物质存在
3是创造品，艺术作品，首先是创作品，创作是始造、首创、创意造物，前无他人，艺术品要求内容和形式完美，有一定的文化品位；艺术作品必须是首创的原作，有较高的艺术造诣。
4艺术品是独一无二的，艺术上有独到之处，此模式首先面世，它不包括仿制、伪作以及作者此后同一个模式的续作，艺术作品模式只有一个。
5会
审美是艺术最核心的功能
（1）艺术的本质特征决定了艺术的首要功能是审美。
艺术品以意象世界作为核心。
艺术家创造艺术品，首先是创造意象，意象的生成，伴随着艺术创造的全过程。
艺术意象的最根本的特征是它来自实在的世界却追求虚拟的审美效应。
接受主体在对待艺术品这一精神产品时，在作品中意象的导引、暗示下，主体不断重构意象、趋向虚拟境界。
这是一个超功利的、审美的过程，艺术在其中实现的也主要是其审美功能。
同时，艺术意象的营构主要也是为了传达人类的审美经验。
（2）艺术的多元功能须通过审美功能间接实现。
因为艺术的核心是意象世界，艺术的种种非审美因素在作品中不能单独存在，只能体现在意象体系中。
艺术的多元功能正是在艺术欣赏过程中间接实现的。
在鉴赏艺术意象过程中，审美经验的传达始终是最主要的，但也不排斥消遣娱乐、认识效应、道德教育、思想启迪等功能同时发生。
贺拉斯所说的"寓教于乐"，是指寓教育功能于审美功能中，通过审美功能的实现间接地实现教育功能。
（3）应当恢复审美在艺术诸功能中的首要地位。
艺术的首要功能是审美，但是，在实际生活中，审美功能却往往被人们忽略、遗忘、甚至有意贬低。
如"*"与"*"前十七年，由于极"左"路线的干扰，艺术的审美功能遭到了曲解。
虽然人们一般把艺术功能归结为认知、教育、审美三个方面，但在实际操作中，往往只重视教育、认识功能，而忽略审美功能；在某些情况下，甚至把艺术的政治宣传、教化功能提高到无以复加的高度，而审美的功能却被打入冷宫，成为可有可无的东西。
我们反对艺术的"唯美主义"或"艺术至上主义"。
但在我国的艺术和审美实践中，忽视审美这种不良倾向根深蒂固，影响更大。
因此我们应重视审美在艺术诸功能中的首要作用。