何谓当代雕塑
现代雕塑的艺术表现
现代雕塑的艺术表现现代雕塑作为一种艺术表现形式，正处于不断演变与创新之中。
与传统雕塑以静态形式表现美学不同，现代雕塑突破了以往的艺术界限，融入了更多的观念、材料和技术，形成了多样化的艺术表达方式。
首先，现代雕塑注重观念的传达而非单纯的美学表现。
许多现代雕塑作品不再拘泥于对形态的精细刻画，而是通过创作手法传递艺术家的思想和情感。
这些作品常常挑衅观众的思维，引发关于社会、政治、文化等层面的深刻讨论。
例如，克劳德·莫奈的《水莲花》系列不仅仅是自然景象的再现，更是对印象主义的创新探索，促使观众重新审视自然与艺术的关系。
其次，现代雕塑在材料选择上展现了前所未有的多样性。
除了传统的石材和铜材，艺术家们广泛使用塑料、钢铁、玻璃、甚至回收材料来创造作品。
这种材料的多元化不仅拓宽了雕塑的表现手法，也反映了当代社会对环境保护和资源再利用的关注。
例如，阿尼什·卡普尔的《云门》不仅运用了不锈钢材质，还通过其光滑的表面反射出周围环境的变化，创造了一个互动性的观赏体验。
此外，现代雕塑还在技术上不断创新，利用计算机建模、3D打印等先进技术来实现创意。
艺术家们通过这些技术手段可以探索更为复杂的形状与结构，突破传统雕塑的制作限制。
例如，贝尔纳·维尔梅的《白色的大气》运用了计算机生成的复杂几何形态，展示了技术与艺术的完美结合。
最后，空间和环境的融合也是现代雕塑的重要特征之一。
许多现代雕塑作品不仅仅是独立的艺术品，而是融入到公共空间中，与环境进行对话。
通过与建筑、景观的互动，这些作品为观众提供了新的视觉体验和思考角度。
例如，杰弗里·巴特尔的公共艺术装置通过与城市空间的整合，打破了艺术与日常生活的界限，使艺术成为生活的一部分。
总体而言，现代雕塑的艺术表现形式展现了创新和多样性的特征。
它不仅在材料和技术上进行了大胆探索，更在观念和空间的处理上开辟了新的艺术维度。
通过这些表现形式，现代雕塑不断推动着艺术的边界，激发着观众对世界的思考和感悟。
当代城市雕塑艺术的创作特征探究
当代城市雕塑艺术的创作特征探究随着城市化进程的不断加快，城市空间也在不断发生变化，城市雕塑艺术作为城市文化的一部分，也得到了越来越多的关注。
当代城市雕塑艺术在传承传统的也不断进行创新，呈现出了许多新的特征。
本文将就当代城市雕塑艺术的创作特征进行探究，以期更好地了解和欣赏这一艺术形式。
一、多样性与创新性当代城市雕塑艺术在创作特征上最为显著的就是多样性与创新性。
传统的城市雕塑作品大多是以历史人物、传统文化和宗教题材为主，而当代城市雕塑则更加注重现代生活和城市环境的表达。
在题材上，当代城市雕塑作品所涵盖的内容非常广泛，不仅有宏大的城市景观雕塑，还有以当代社会问题和现代科技为主题的作品。
在形式上，当代城市雕塑也呈现出了更多元化的表现方式，不再局限于传统的铜像和石雕，而是融合了金属、玻璃、塑料等材料，使得作品更具时代感和创新性。
二、与城市环境的融合当代城市雕塑作品在创作特征上还体现在与城市环境的融合上。
与传统的城市雕塑作品单独矗立在广场或公园不同，当代城市雕塑更加注重作品与城市环境的相互关联。
作品的选址、形式、主题等都会受到周围环境的影响，力求与城市环境和谐统一、浑然一体。
一些城市雕塑作品可以被设计成为可供市民休憩和游玩的载体，既可以作为观赏的艺术品，又可以成为城市公共空间的一部分，为市民提供各种便利。
三、大众参与和互动性当代城市雕塑作品在创作特征上还表现出了大众参与和互动性。
与传统的城市雕塑作品局限于观赏的模式不同，当代城市雕塑更加重视作品与观众之间的互动。
一些城市雕塑作品不再是静态的，而是被设计成可以活动、可以变化的，以吸引观众的关注。
一些作品也会鼓励观众的参与，通过不同的方式让观众成为作品的一部分，使得城市雕塑作品不再仅仅是一种观赏的方式，而是成为城市空间的一部分，与市民共同生活。
四、表达现代社会问题当代城市雕塑作品在创作特征上还体现在对现代社会问题的表达上。
在当代社会，人们所面临的问题日益复杂，城市雕塑作品也不再局限于传统的美化城市环境，而是更加关注和表达社会现实。
当代城市雕塑艺术的创作特征探究
当代城市雕塑艺术的创作特征探究随着城市化进程的加速和城市建设的不断发展，城市雕塑作为城市文化的重要组成部分，逐渐成为当代艺术的热点之一。
当代城市雕塑艺术与传统雕塑艺术有着很大的区别，它融合了当代艺术的一些新特点，并且更加贴近现代都市的生活和人们的情感。
本文将探讨当代城市雕塑艺术的创作特征，以期对当代城市雕塑艺术有更深入的了解和认识。
一、审美观念的转变在审美观念的转变中，当代城市雕塑作品不再追求传统意义上的美感，而是更加关注作品与城市环境的融合与互动。
它不仅要具有独特的艺术表现力和观赏价值，更要把城市雕塑融入城市生活和日常环境中，让人们在城市中感受到艺术的存在和力量。
二、多样化的创作手法当代城市雕塑艺术的创作特征之二是多样化的创作手法。
传统的雕塑作品多以石雕、铜雕、木雕等材料为主，形式单一，内容主题固定。
而当代城市雕塑作品则更加注重艺术形式的多样性和创新性，尝试使用新材料、新技术、新手法进行创作，从而使作品更加具有时代感和现代性。
在当代城市雕塑作品中，我们可以看到各种各样不同材质的作品，如不锈钢雕塑、玻璃钢雕塑、塑料雕塑等，这些新材料赋予了雕塑作品更加生动和多样的表现形式。
艺术家们还善于利用雕塑的造型、结构和空间等特点，创造出更加多样化的作品，注重作品与环境的互动和沟通，使得城市雕塑更加富有活力和创意。
三、文化表达的多元性当代城市雕塑艺术的创作特征之三是文化表达的多元性。
随着全球化的发展和文化交流的加深，城市雕塑作品也变得更加多元化和国际化。
不同国家、不同民族和不同文化背景的艺术家们通过自己的方式来表现自己的文化观念和审美情趣，使得城市雕塑作品变得更加丰富多彩。
在当代城市雕塑作品中，我们可以看到各种各样具有不同文化特色和表现形式的作品，如中国的“神兽”雕塑、西方的抽象雕塑、非洲的原始雕塑等，这些作品不仅具有本土文化的深厚内涵，同时也具有跨文化交流和对话的意义，使得城市雕塑成为了文化多元性的重要载体和表达形式。
浅谈当代雕塑创作
天工｜2019.12文 李心雄浅谈当代雕塑创作对于当代艺术中的雕塑而言，需要把传统文化资源作为载体，向着当代艺术进行延伸，充分挖掘文化内涵和精神内涵、精神智慧等，完成资源移植，然后将思想转换于当代的艺术语境中，最终达到传统资源被激活和利用的目的，浸润在中国传统文化基因中，获取其蕴藏的精神能量，确立雕塑创作实践中的线索脉络。
一、当代雕塑创作的过程所谓的雕塑创作，就是雕塑家将自己的思想进行个性形式转化。
把雕塑作品作为载体，将这些思想通过作品的方式呈现出来。
雕塑家在进行创作的过程中，所使用的方式有很多种，如动机萌生、题材选择、意向表现、意境升华等一系列的内容。
从一定程度上看，动机是雕塑家进行创作的前提。
例如，古代的陶瓷之所以会被称之为艺术，主要原因是为了满足人们储存食物的需求和审美的需求，在这样的条件下，雕塑艺术就诞生了。
从当代对艺术的创作动机上看，主要是为了实现思想的指向，或者是为了达到一定的目的。
有了创作的动机之后，就可以选择一个适合的题材，接着在作品中融入自己的想法。
这个想法存在很多种方式，可以是一个故事，也可以是一个事件。
换句话说，题材的选择是雕塑创作最为重要的一步。
题材选择的高度，决定了作品的成败。
例如，当代的雕塑艺术家吴为山根据自己的亲身经历，总结出了一个经验，即题材选择的样子就是你想要表达的东西。
在很大程度上，表达什么样的东西，和雕塑家的生活经历存在着很大的关系。
吴为山就喜欢以比较沧桑、文化感很强的老人为题材。
他认为这些老年人就像中国的山水一样，都是在漫长的岁月中产生，这两者之间都将沧桑保持了高度的一致性。
在确定思想之后，就可以在老年人当中寻找到对应的题材，之后通过塑造，将自己的想法展现出来。
另外，题材的选择主要来源于生活，也来源于自己的亲身经历。
一般情况下，需要在一定的原则下进行构建，服务于创作的动机。
在雕塑题材确定了之后，就可以进入意向的表现阶段，这也是创作的重点阶段，需要根据大体的形象进行确定，使用一定的方式将这些并不简单的东西进行再现，如变形夸张的方式、高度概括的方式、模糊处理的方式等。
当代具象肖像雕塑研究
当代具象肖像雕塑研究关键词：当代；具象；肖像；雕塑一、当代具象肖像雕塑的特点及类型（一）具象肖像雕塑的含义（二）当代具象肖像雕塑的类型直到19世纪末期，具象肖像雕塑还统治着肖像雕塑这一领域，具象的雕塑风格也是肖像雕塑家唯一的表现手段。
但在不同的历史时期，具象肖像雕塑也以其不同的面貌和内涵在雕塑史上写下了浓墨重彩的一笔，也是人类文明史上辉煌而灿烂的一页。
例如古希腊时期米隆的《掷铁饼者》、文艺复兴时期米开朗基罗的《大卫》、罗丹的《者》、中国的秦始皇兵马俑都属于具象肖像雕塑。
但我们放眼当代，而今的具象肖像雕塑依然是肖像艺术家重要的创作风格之一。
也就是说表象采用的是具象的风格，但创作背后的理由和意义已经超越具象形式表面的意义解读。
因而，具象不等同于写实。
所以真正优秀的具象肖像雕塑也不应该被简单地认为是对某人的纪念或赞扬作用，而是应该超越其表面的形象看到雕像背后雕塑家所要传达的艺术观念。
但传统观念认为：客观的表现肖像就是肖像雕刻应该呈现给观者的全部内容，肖像作品的审美内涵源于形象和与雕刻对象相关的移情和想象，这样的阐释已经随着时间的推移开始发生变化。
随着时代的发展，当代艺术观念逐渐被人们所接受，新型的材料也逐渐运用到雕塑创作中，具象肖像雕塑创作在当代也表现出前所未有的激情和活力。
新的艺术观念的切入，意味着形式已经不是作品的全部，具象肖像雕塑，只是作为一种艺术表现形式体现在当代的雕塑创作中，而与之相关联的文化、时代、社会、个体与雕塑作品一起，才是构成这个作品的全部，这才是当代的具象肖像雕塑。
（三）当代具象肖像雕塑的类型按照肖像雕塑定义划分，可以分为狭义和广义之分。
按照2002年版的《中国美术大辞典》对肖像雕塑解释为：“是指以表现人物头部（五官）形象为为主体的雕塑。
一般以头、颈（至颈窝部）和座子三个部分组成，也有无座子和不带颈部的。
它们都是以突出肖像部分雕塑的主要内容和表现重点。
”以这样狭义的肖像雕塑定义来划分当代具象肖像雕塑的话是很难和当代艺术创作生动活泼的雕塑创作相对应。
现代雕塑的艺术表现与创新
现代雕塑的艺术表现与创新
现代雕塑以其多样化和创新性成为当代艺术的重要组成部分。
传统雕塑的静态形式被现代艺术家们重新定义和挑战，他们通过材料、形状和空间的创新，展现出前所未有的艺术表现力。
首先，现代雕塑通过材料的多样性展现了其艺术的新视角。
传统的大理石和青铜被混合媒介、再生材料甚至是虚拟现实技术所取代。
这种多样性不仅仅扩展了艺术家们的创作空间，也为观众带来了全新的审美体验。
例如，塑料、纤维和电子元件的结合使得雕塑作品不再是单一材质的简单展示，而是一种材料与技术的融合。
其次，现代雕塑通过形状和结构的创新展现了对空间的重新探索。
传统的雕塑作品通常是固定的、有限的，而现代雕塑则更倾向于与环境互动或者以动态的形式存在。
例如，一些艺术家创造出可以移动或者改变形状的作品，使得观众可以通过不同角度和时间的变化来体验作品的多重层次。
最后，现代雕塑通过主题和概念的创新挑战了传统艺术的边界。
艺术家们不再局限于传统的人物或抽象主题，而是探索社会、科技和环境问题。
例如，一些雕塑作品可能涉及到环境保护、身份认同或者数字化时代的隐私问题，这些作品不仅仅是艺术品，更是对当代社会的一种深刻反思和表达。
综上所述，现代雕塑以其材料的多样性、形式的创新和主题的深度，展示了艺术在当代社会中的重要性和影响力。
它不仅仅是雕塑艺术的一种发展，更是对传统观念的挑战和超越，为艺术界和观众带来了全新的视觉与思想体验。
当代雕塑艺术赏析
当代雕塑艺术赏析雕塑艺术作为一门古老而神奇的艺术形式，从古代一直延续至今。
在当代社会发展高速的今天，雕塑艺术也呈现出多样化的形式和题材内容。
通过欣赏当代雕塑艺术品，我们不仅可以感受到艺术家的独特创造力，更可以体验到作品所传递的深刻思想和情感。
本文将通过对几件当代雕塑艺术品的赏析，深入探讨当代雕塑艺术的魅力所在。
第一件作品是一座巨大的金属雕塑，以流线型的造型融合了人体和动物形象。
艺术家用现代材料制作而成，其创作灵感来自于人与自然之间的和谐。
这座雕塑不仅体现了当代科技的进步，也通过流畅的线条和曲面展现了动物的力量和人体的优美。
观者在赏析这件作品时，可以感受到艺术家对于人与自然关系的思考，以及追求生命力和美感的探索。
第二件作品是一幅表现人类情感的细致雕塑。
这件作品通过抽象的形态和精细的雕刻呈现了人类情感的纷繁错综。
艺术家选择了石材作为材料，创造出了一种古老而沉稳的感觉。
观者在欣赏这件作品时，可以感受到艺术家对于人类情感复杂性的思考和描绘，同时也可以通过触摸作品的表面来体验到石材所带来的肌肤触感，增强了观者对于作品的亲身体验。
第三件作品是一组以环境保护为主题的装置雕塑。
这些作品通过利用废旧材料和垃圾创作而成，旨在唤起观者对于环境问题的关注。
其中一件作品是利用塑料废弃物制作的大型海洋生物造型，呈现出当代消费浪潮带来的环境负面影响。
观者在面对这组作品时，可以感受到艺术家对于环境危机的担忧，以及对于废物再利用和可持续发展的呼吁。
通过对这几件当代雕塑艺术品的赏析，我们可以看到当代雕塑艺术的多样性和创新性。
艺术家通过使用不同的材料和形式，以及表达各种主题内容，为观者带来了丰富的视觉和情感体验。
当代雕塑艺术不局限于传统的人物或动物形象，更加关注人类与自然、社会、环境之间的关系，以及对于当代社会问题的关注和反思。
在当代社会快节奏和信息爆炸的背景下，欣赏当代雕塑艺术品成为一种寻求内心平静和情感共鸣的方式。
作为观者，我们可以通过与作品的互动和思考，感受到艺术家对于当代社会和人性的思考和表达。
中国当代雕塑漫谈
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中 国 当 代 雕 塑 的 境 遇— — 啼 笑 皆 非 ！
渐 冷 的 世 界 经 济 给 艺 术 界 吹 来 一 阵 凉 风 ， 但 丝 毫
没 有 改 变 美 国 的 世 界 文 化 霸 主 地 位 。不 过 ， 在 的 中 国 现
样 的 风 格 、 式 和 理 念 ， 至 包 含 了 声 光 电 磁 等 无 形 的 形 甚 ￣－－ ．＋ｌ ｔ ｚ。可 以 说 ， 学 技 术 在 社 会 发 展 之 中 蕴 涵 的 魅 力 正 ． － 科 推 动着 雕塑 走 向知性 。 中 国文 化 所体 现 出来 的 潜 力 已不仅 仅 属于 中 国 ， 而 为 全 世 界 所 用 。 中 国 文 化 用 自 己 独 有 的 价 值 与 西 方 １ ９ ５年 劳 申伯 格 在 中 国 美 术 馆 举 办 艺 术 展 后 ， 代 ８ 当 上 艺 术 开 始 在 中 国 大 势 地 兴 起 。 这 不 光 是 劳 氏 的 功 劳 ，人 类 喜 新 厌 旧 的 本 性 也 在 促 使 我 们 产 生 撬 开 另 一 个 世 界 的 欲 望 。从 文 艺 复 兴 开 始 ， 们 的 思 想 就 一 边 深 我 文 化 进 行 对 话 交 流 ， 幻 化 为 推 动 历 史 前 进 的 动 力 。笔 她
者 的创作 ， “ 术 ”很 “ 代 ” 撕掉 了女 人最 后 的遮 很 艺 、 当 地
羞 布 。《 云 堆 雪 》 中 国 美 术 馆 展 出 时 ， 观 众 的 举 报 堆 在 因
而 选 择 在 慈 禧 私 处 盖 上 白布 ， 而 正 是 这 一 奇 妙 装 束 所 产 生 的 幽 默 效 果 ， 加 大 了 雕 塑 现 代 性 的 视 觉 反 差 。 当 然 ， 果 允 许 观 众 自行 掀 开 白布 的 话 ， 又 会 给 展 览 增 如 那
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何谓当代雕塑？（上） 发表人 wiseones 于 2008/12/8 2:14:09 (391 人读取)
何谓当代雕塑？（上）
文/图 ：张锜 当艾立松(Olafur Eliasson)的“人造太阳”(The Weather Projet, 2003) 和欧雷(Carsten Holler)的“巨型溜滑梯” (Test Site, 2006)先后在英国泰德现代美术馆(Tete Modern)内出现，或当凯立(Mike Kelley)的《宠物园》(Petting Zoo, 2007)，以及艾墨格林与德拉格塞特(Michel Elmgreen & Ingar Dragset)合作导演的雕塑剧场《 天后 》(Drama Queens, 2007) 等作品泰然自如地在敏斯特雕塑大展中上演，雕塑作为一艺术实践来说，其整体面貌究竟为何？当雕塑不断地运用多元媒材和形式、结合建筑、戏剧、舞台设计、游戏互动，或科技、生态学等跨领域学科，在运用或结合的多重可能性当中，以致于艺术家的每一种新尝试，都可能成为下个世代重新定义雕塑疆界的新指标，而这些现象是否凸显出当代雕塑的定义正以一种前所未见的姿态与速度持续松动？时至今日，在雕塑的面貌不停地改弦易辙至令人难以想象之际，是否更加必要再度回溯波依斯(Josephe Beuys)的社会雕塑、阿布拉莫维基(Marina Abramovic)或吉那.潘(Gina Pan)身体自残式的行为艺术、纽曼(Bruce Nauman)的喷泉，或者更早之前杜象的脚踏车轮，甚至构成主义、未来主义，以及达达艺术家们的整体贡献？
Mike KELLEY_Animation 19_2007(Fiac国际艺术博览会) 徒菲于庞毕度艺术中心315室个展"介于３和２之间的４"
《何谓今日雕塑？》一书野心勃勃地一举回顾“雕塑自台座走下”后至今日的历史，一段事件刚发生或正处于酝酿阶段、趋势尚难以轻下断言的历史，企图揭示出隐含在明日雕塑的无限可能性。在书中所引介的六十六位代表性艺术家的作品与创作理念当中，除了曩括现在主义时期的一些代表性雕塑作品，同时也不忘谈到许多近两年来出现于一些大展中的新作，例如：去年敏斯特雕塑大展的作品，或今年五月在巴黎大皇宫展出的理查德德‧塞拉(Richard Serra)的《漫步》、费曼(Daniel Firman)八月于巴黎东京宫的个展，以及九月底才在庞毕度艺术中心结束的徒非(Tatiana Trouvé)个展《二和三之间的四》(4 between 2 and 3)等。此外，(Hommage à Juan Munoz, Félix Gonzalez-Torres, Joseph Beuys et César >，是以「向你最喜爱的雕塑家致敬」为题，邀请费曼(Daniel Firman)，依斯宏(Thomas Hirschhorn)，科史士(Joseph Kosuth)和黎柏隆(Guillame Leblon)等艺术家，谈论他们心目中最敬佩的雕塑家，让读者透过各个艺术家对于前辈雕塑家的定位和作品诠释的观点，反过来阅读这些艺术家在创作理念上所受的影响或冲击，以期洞察不同形态的雕塑作品之间的潜在联系。而书中、、、品空间>，以及等文，则分别探讨今日存在于雕塑的几个值得思考的面向。
Guillame LEBLON_La Trappe_2008(Fiac国际艺术博览会) R. Serra 「漫步」个展
其中，由卡洛林克洛执笔的一文重点式地铺陈了今日雕塑发展的整体脉络，同时也引出了贯穿本书内容的主要轴线。而此书出版前夕，卡洛曾于《美术》(Beaux-Arts)杂志发表塑？>(Qu’est ce que la sculpture d’aujourd’hui)一文，两篇文章皆试图对雕塑作一概括式的疏理，并且将文章区分为五大项，然而前者在时序的铺叙中，更重视五大雕塑脉络之间的传承关系，后者则较着墨于各脉络的特点分析和归类法则，因而笔者认为有必要同时针对两篇文章作一综合介绍。克洛认为继1947年，杜象的《请触摸》(Prière de touvher)的作品面世之后，雕塑可谓进入了一场前所未有的“骚动” : 艺术家重新质疑雕塑的自律性，试图在美学与生活之间取得一进路，作品的实践普遍倾向反约定俗成之雕塑定义、去除艺术固有的神圣性…等。于是离开了台座的雕塑开始朝不同的方向发展(工作室、美术馆、户外、戏剧或舞蹈剧场)，某种新的“视觉哲学”(philosophie visuelle)便在陆续出现的作品之间慢慢成形，或相反地，雕塑正是在此种“视觉哲学”所能延伸出的意义中逐渐扩展开来。克洛以作品的形态为主轴，从以下五个方面着手阐释此一雕塑领域扩展的过程，以及雕塑在当代艺术中的种种变形和化身。
现代雕塑的起源/身体突变 杜象在1914年所提出的第一批现成物，预示了雕塑与工业社会的结合—此工业社会本身既是物体和符码的制造者，亦为随后艺术家不断与之对话的对象—，也影响了安德尔-卢瓦尔省(Carl Andre)、欧登博格(Claes Oldenbug)与海丝(Eva Hesse)等诸多艺术家的雕塑。而布列东(André Breton)于1938-1964年间于巴黎和纽约策划的超现实主义展览，处理了雕塑与建筑之间的关系，并涉及了有关人的动觉和精神感官等经验，这些内容皆与杜象将声音、味道、恐惧、阴影…置入作品，以及将从未出现于美术馆或画廊的物质(如水、沙…等)引进造型艺术领域的创举不无关系。而被视为极限艺术和环境雕塑的先驱布朗库西(Constantin Brancusi)则为现代的雕塑带来造形上的简练与纯化，他对现代雕塑的贡献不仅在于其对于雕塑台座的处理方式，而雕塑所处的背景环境成为雕塑造型元素其之一(此整合处理的方式在他的工作室中展露无疑)、光滑至近似工业产品的雕塑铜质表面，以及作品的系列化…等，亦预示了随后出现在极限主义作品中的特点。此外，在雕塑的造形和体感方面，延续着布朗库西、阿尔普(Hans Arp)与摩尔(Henry Moore)等人自人或动物的形体出发的创作原则，后续有不少艺术家将身体作为造形原型或作品构成元素，例如布登(Chris Burden)、阿布拉莫维基、阿孔奇(Vito Acconci)、吉柏与乔治(Gilbert & George)与曼左尼(Piero Manzoni)等人，有些将形体的线条或比例加以扭曲变形，有的则进一步地将形体分解成各别元素予以“陈列”。八十年代之后，逐渐产生一种回归雕塑传统造形体感的表现趋势，以米诺(Juan Munoz)，虚特(Thomas Schutte)，哥门尼(Antony Gormley)，巴兹理特(Georg Baselitz)和费特西(Katharina Fritsch)等人为代表。此一传统雕塑造形的复兴运动，在法国则要等到2000年左右阿提亚(Kader Attia)、白朗卡(Olivier Blanckart)、巴比耶(Gilles Barbier)、维雍(Xavier Veilhan)等新一代艺术家崭露头角之后才略见端倪。克洛深信，若没有杜象和布朗库西此两位现代主义雕塑的开路前锋，和上述承继者的作品作为先例，今日我们将难以理解凯利的《宠物园》 (Petting Zoo, 2007)或阿提亚(Kader Attia)的《飞鼠》 (Flying, 2005)等作。
Xavier VEILHAN_LeRhinoceros_1999-2000(巴黎氛围Airs de Paris) Bruce
现成物的延续/ 时间性的混同 杜象以现成物重新定位物品、空间和语言之间的关系，除了促使观念雕塑的产生，也激发了下几个世代的艺术家愈发以更大胆的方式进行创作。艺术家们派遣或命名现成物的姿态(geste)除了消弭了介于具象与抽象艺术之间的传统隔阂以外，也旋即将传统雕塑作品技术层面上的问题抛诸脑后。法国的新写实主义艺术家，如阿尔曼(Arman)、汉斯(Reymond Hains)、塞萨(César Baldaccini)以及丁格利(Jean Tinguely)等人为这条脉络的直接继承人。从现成物延伸而来的作品脉络通常具有以下特点 : 艺术家透过日常／现成对象之间的迭加、移植或嫁接等方式而创造出第三个物体／雕塑，作品往往将现实和虚构，或不同时空的事物混淆在一起，而产生「时间性的混同」(Télescopages temporels) 的特质，例如毕加索、欧本汉(Meret Oppenheim)、沃荷(Andy Warhol)、琼斯(Jasper Johns)等人的作品所呈现出的面貌。2000年以后，许多延续此类创作手法的艺术家，更进一步地将某些不同领域或世代的产品图像引入作品中，例如拉维也(Bertrand Lavier)挪用设计界名家的产品、华德迪斯奈卡通形象所做的雕塑；随后2007年费曼的《自由落体》(Chut libre)则是挪用拉维也的《布朗特/费薛包舍》(Brandt/Fichet Bauche, 1984)所制做的雕塑。此间，挪用者转眼成为被挪用者，在相互转化、渗透、结合以及再向外连结的无穷可能性中，逐渐将「作者身份」和「原创性」等意义挪为次要。
景观雕塑/ 实验性质 在美国，继新达达(Néo-dada)和普普(Pop)浪潮之后，史密森(Smithson)、马西亚(W. De Maria)、纽曼(Bruce Nauman)、塞拉(Richard Serra)、莫理斯(Robert Morris)、海森(Michael Heizer)、欧本汉(Dennis Oppenheim)、马达克拉克(Gordon Matta-Clark)等人逐渐将雕塑带出美术馆和工作室，前往森林、沙漠、废墟、湖边或国境边界。（注1）
此一时期的雕塑家有许多受到梅洛庞帝(Maurice Merleau-Ponty)的《知觉现象学》(Phénoménologie de la perception, 1945)一书影响(此书于1962年在美国发行英译本)，艺术创作当中更关注于观者的感知课题，重视观者面对作品时的自主性，他们邀请观者在作品所属的情境中移动，并且在观看和移动中感受作品和自身的存在。对于这些艺术家来说，观者在作品中的移动是主要形塑其雕塑实体的要素，卡洛认为正是在此过程中，实现着当代法国哲学家米歇尔.安费(Michel Onfray)所谓的「雕塑自体」(sculpture de soi)。（注2） 今年五月塞拉于巴黎大皇宫展出之名为《漫步》(Promenade)的五片巨型钢板雕塑，便是其中一明显案例。这条脉络的承继者有齐克贝(Per Kirkeby)、卡洼马达(Tadashi Kawamata)、德孔尼(Krijn de Koning)、艾立松(Olafur Eliasson)、贝第刚(Dominique Petitgand)等人。他们的作品时以水、烟、气味、光线、阴影以及声音等各种不具形体的物质为媒介，时而采取重复、狭窄或密闭等特殊的安置形式，以引发观者对身体与空间之知觉的敏感度，以致于作品多半带有某种实验性质。