浅谈宋省予写意花鸟画的笔墨技法
写意花鸟画基本技法
写意花鸟画基本技法一、勾线与结构勾线是指在绘画的初期，用细铅笔或钢笔或毛笔勾勒出形状和轮廓。
它是构图的基础，能够准确地控制作品的整体结构和比例。
勾线有助于确定关键部位的位置和形态，为后续的填充和着色提供依据。
结构是画面呈现的基本组成，通常由主体、背景和装饰等元素组合而成。
在绘画花鸟作品时，需要注重主体的清晰和突出，并且注意背景和装饰的搭配，以达到辅佐主体的效果。
二、线条与笔法线条在花鸟画中具有非常重要的作用，它能够表现出物体的形态、纹理和动态效果。
线条可以使用直线、曲线、陡峭线和渐变线等不同类型，以达到表现花鸟的不同形态和特点。
在画花鸟时，需要注意线条的变化和流畅性。
例如，当画花朵时，线条可以通过轻重、粗细和连接的方式来准确地描绘出花瓣的纹理和层次感。
当画鸟时，线条可以通过快慢、粗细和曲直的方式来描绘出鸟羽的流动和柔软感。
此外，不同的笔法也能够产生不同的效果。
例如，点画可以用于描绘花朵的细节和鸟羽的纹理，以增加画面的层次感；勾线法可以用于描绘花草的轮廓和鸟嘴的形态，以突出形象的特点。
三、用墨及运笔技巧用墨是花鸟画的重要技法之一，它可以通过水墨的深浅、干湿和浓淡等变化，表现出画面的明暗、轻重和纹理等效果。
在使用墨汁时，可以选择湿笔或干笔的方式。
湿笔表示墨汁比较稀，可用来描绘淡墨或水墨渐变的效果。
干笔表示墨汁比较浓，可用来描绘浓墨或墨线的效果。
运笔技巧可以通过笔势的轻重、快慢和紧张来表现出画面所需的效果。
例如，当画花瓣时，可以使用扫劲笔法来表现出花瓣的柔软感；当画鸟羽时，可以使用勾勒笔法来表现出鸟羽的层次感。
四、色彩运用与传统着色方法色彩是花鸟画的重要组成部分，它可以表达出画面的情感和氛围，并且能够增强作品的表现力。
在花鸟画中，常见的色彩有传统的水墨灰，以及彩色水墨和彩绘等形式。
传统的水墨灰是利用黑墨与不同浓度的水配合而成，可以表现出画面的明暗和层次。
而彩色水墨和彩绘则可以通过不同颜色的配搭和渐变来增加画面的鲜艳和变化。
[说明]写意花鸟画创作技法
![[说明]写意花鸟画创作技法](https://img.taocdn.com/s3/m/995e50cda48da0116c175f0e7cd184254b351bd8.png)
写意花鸟画创作技法以写意法画花鸟，可追溯到北宋的文同、苏轼、扬无咎、释仲仁的水墨写意法。
如今在故宫博物院里陈列着的南宋末年画家释法常的《写生杂画卷》，表现花果禽鸟纯用浓淡墨渲染。
同时还有宋人的《百花图卷》，以写意笔法用浓淡墨疏渲花鸟，或兼工带写，开元明以来墨笔花鸟画的先河，对明代林良、吕纪以及后来的水墨花鸟画有很大影响。
马远的《梅石溪凫图》，赵孟的《古柯竹石图》，还有李亨的写意花鸟，皆能以劲挺的笔锋写花鸟，淡渲疏扫，自成一格，从而加速了写意花鸟画的发展。
戴进以粗笔勾线，彩笔晕染，也是南宋院体的发展。
降至明中叶，沈周、文壁、陈淳、陆治，仍以宋人花果一派延续得来。
徐渭画风奔放，所作写意花鸟，随心挥洒，水墨淋漓，不受传统约束，自成泼墨一体。
周之冕又继沈周之钵，远宗宋元各家，创“勾花点叶派”。
从历史的演变来看，写意花卉翎毛自宋以后已经形成了自己的体系，表现出与工笔花鸟不同的风貌。
复经过历代画家们智慧的创造，写意花卉翎毛便更加成熟和风格多样了。
总之，写意花卉翎毛应力求形神兼备，以笔墨写精神。
在表现上是以墨为主，以色为辅；以点染为主，以勾疏为辅；以少胜多，以简胜繁；以刚劲的笔锋、活泼的晕染代替细线勾描，以点垛法的套笔套墨代替浓淡层层的烘托。
在写意花鸟画中禽鸟的表现方法约略可分为：渴勾：以渴笔率勾，与工笔细线铁笔重廓不同。
用笔须顿挫有力，出线苍老涩拙，勾成后涂染淡彩或白粉。
这种勾勒填粉法，多用以画遍身素白或颜色浅淡的鸟，如白鹦鹉、白孔雀、白鹰、白鸡以及鹅、鹭等。
点染：以墨或墨彩混点而成，亦可以重彩与墨相同。
画燕子、麻雀、翠鸟、鹰、雁、鸜鹆、鸳鸯等重色的鸟多用之。
近人任颐、齐璜喜用此法。
点垛：先点淡墨，后套深墨，层层点染。
画时以淡墨先点头、背、胸、腹等部，再以深墨点大翅、背花及尾部，最后以花青、淡赭罩染，又称套墨、套色法。
有时除嘴、眼用淡墨粗勾外，率以浓淡墨套点。
寥寥数笔，意态自得。
明代林良写水墨花鸟纯用点垛法，可参看故宫博物院藏林良的《写生翎毛卷》。
写意画的用笔与用墨技法讲解
写意画的⽤笔与⽤墨技法讲解⼀、⽤笔⽤笔指运⽤笔锋表现出各种笔墨效果。
⽑笔型号众多，⽽性能⼜各有特点，因此学会⽤笔对初学者来说⼗分重要。
１.中锋与侧锋。
中锋⽤笔时，笔锋在线条的中间，效果圆实厚重，如⾐纹之铁线描，⼭⽔画法之披⿇皴等。
侧锋⽤笔时笔杆稍稍侧卧，笔锋⾃然偏在⼀边，笔道有“飞⽩”，浓淡、⼲湿变化较⼤。
在实际创作中，我们可以⽤侧锋画⽼⼲以得苍劲之感，⽤中锋画新枝以得润泽之感。
（见图⼀）图⼀2.藏锋与露锋。
藏锋起笔时，笔锋折藏在⾥边。
起笔藏锋俗称“倒插笔”，收笔藏锋是指把笔锋反缩回去。
露锋是与藏锋相对⽽⾔的。
⽆论起笔与收笔都可运⽤露锋。
如桃花花瓣的起笔处和墨⽵叶⼦的收笔处都要⽤露锋。
3.顺锋和逆锋。
顺着笔势⾏笔叫顺锋。
顺锋形成的线条较光润。
逆推着⾏笔叫逆锋。
逆锋的笔锋容易散开，效果变化较多。
在实际运⽤中，我们可逆锋画⼲，顺锋写枝。
（见图⼆）图⼆4.⽴与卧。
在实际作画时，笔杆有⽴卧之分。
例如画柳条、荷梗等长线条时，⽤卧锋（拖锋）较为⽅便。
⽴锋与卧锋是相对⽽⾔的，⼆者都是⽤笔的常态。
5.转与折。
转与折指⾏笔时改变⽅向的⽅法。
硬折的⽅式就是折，圆转的⽅式就是转。
转的效果是圆曲的，折的效果是棱⾓的。
除转折之外还有搭笔。
搭与折很相近，因此容易被忽略。
搭对体⾯关系的表现⼗分重要，不可忽视。
（见图三）图三6.轻重与提按。
轻重和提按都是指⽤笔的⼒度变化。
⾏笔时要根据不同要求，不断改变⼒度的⼤⼩、轻重才能展现出不同的效果。
7.快与慢。
快慢指运笔的速度变化。
笔⾏纸上，⾃然要有快慢的反差。
⼀般来说，墨饱时⾏笔要快些，墨枯时⾏笔可慢些。
同时，⽤薄纸可较⽤厚纸⾏笔快些。
很多初学者往往采取同⼀速度运笔，墨枯时也不降速，续墨频繁，不容易画出⼲笔的效果，使墨⾊显得单调乏味。
8.⽅圆与畅涩。
⽅圆与畅涩既可看作是⽤笔的效果，也可看作是画家的⽤笔风格。
例如北宋李公麟笔下的⾐纹多⽤圆笔，⽽南宋马远笔下的⾐纹则多⽤⽅笔。
画花鸟也同样有⽅圆⽤笔的不同。
宋代花鸟画及其对当代工笔花鸟画的影响
宋代花鸟画及其对当代工笔花鸟画的影响宋代花鸟画及其对当代工笔花鸟画的影响宋代是中国艺术史上一个辉煌的时代，该时期的花鸟画成为中国文化艺术的珍贵遗产。
它以其独特的表现形式和技法，成为当代工笔花鸟画的重要源流和灵感之源。
本文将从宋代花鸟画的传统技法、题材选择以及艺术风格等方面来探讨宋代花鸟画的影响。
首先，我们先谈一谈宋代花鸟画的传统技法。
宋代花鸟画主要采用细密的勾线和工笔彩绘的手法，注重细节的描绘和色彩的施展。
画家们运用毛笔勾线和绘制出充满生动力的花鸟形象，通过叠加色墨的方式使画面具备层次感。
这种传统技法的运用使得画家们在表现花鸟的外形、姿态和形态等方面更加准确，同时也有助于提升作品的观赏性和艺术性。
其次，宋代花鸟画在题材选择上的独特性也为当代工笔花鸟画带来了深远的影响。
在宋代，画家们不仅限于描绘自然景物中的花鸟，还通过其他文化元素的加入使作品更加丰富多样。
他们通过描绘民间风俗、宫廷生活以及庙壁石刻中的花鸟形象等进行创作，使作品更具时代感和观赏性。
这种多样化的题材选择对于当代工笔花鸟画家来说，可以提供更多的创作灵感和思路，使作品更加富有个性和独特性。
此外，宋代花鸟画在艺术风格上的独特追求也对当代工笔花鸟画产生了深远的影响。
宋代花鸟画以“写实”为主导，追求形象的真实性和神韵的流露。
画家们以精湛的技法和准确的造型，将自然界中的花鸟形象栩栩如生地展现在画面上。
他们通过精心描绘花叶的纹理和羽毛的细节，使作品更具艺术表现力和观赏性。
这种追求真实和细腻的艺术风格为当代工笔花鸟画提供了借鉴和学习的范本，使得作品更具观赏价值和艺术魅力。
综上所述，宋代花鸟画对当代工笔花鸟画具有重要的影响。
传统的技法、多样的题材选择以及独特的艺术风格都为当代工笔花鸟画的发展提供了有益的启示。
正是受到宋代花鸟画的影响，当代工笔花鸟画家们在传承传统的基础上进行创新，使得作品更加丰富多样，展现出中国传统文化的魅力与艺术的魅力。
相信随着时间的推移，当代工笔花鸟画将继续发展壮大，为我们带来更多美的享受，让我们继续探索艺术的无限魅力综上所述，宋代花鸟画对当代工笔花鸟画的发展产生了重要的影响。
花鸟画笔墨技法详解
花鸟画笔墨技法详解花鸟画讲究用笔，还须注重用墨，清代画家王原祁说：“用笔用墨，相为表里。
”有墨无笔，缺少筋料;有笔无墨，缺少血肉。
关于墨色变化，有“五墨六彩”之说，五墨是指焦、浓、重、淡、清，这是墨阶，运用它的构成搭配，使面面形成节奏和旋律。
六彩是指黑、白、浓、淡、干、湿，是画中用墨变化的要素，使墨具有丰富色彩的表现力。
墨法就是用墨的技法，墨法有赖于水法，它轻易关系到用墨的效果，所以这里将水法归为墨法之中。
蘸墨法即为调墨的方法，通常建议，笔头上的墨不容光滑，必须存有淡、浓、干活、烫，这就要研究煮墨的具体方法。
笔端蘸墨：蘸水后，笔前端蘸墨，在调色盘上按一按，使墨色从笔端至笔根，由深逐渐变浅。
无论是正锋顺用，还是侧锋用，都会出现浓淡变化。
笔腹煮墨：蘸水后，笔腹煮墨，然后在调色盘上按一按，并使墨色从笔腹至笔端，由深至深逐渐过渡阶段。
正锋顺用和侧锋侧用的黑色效果，与笔端煮墨的墨色变化刚好恰好相反。
这两种煮墨就是极为常用的方法。
笔侧蘸墨：先蘸淡墨并将笔头轻轻压扁，然后用一侧或两侧蘸浓墨，画出的线条是一边深一边浅，或两边深中间浅。
常用一侧蘸墨的方法画枝干、藤蔓，用两侧蘸的方法画竹竿等。
蘸水：煮浓墨后，笔端蘸水，墨被水冲入笔腹，并使笔锋至笔腹由深渐浅。
可以已连续用蘸水法作画。
笔端蘸水和笔腹煮墨都就是笔端深笔腹浓，但是，笔端蘸水孔颖草的形象更变得光泽透明化。
常用这种方法画叶子、葡萄、兰花和花瓣、小鸡、小鸟等。
滴水：方法很灵活，先蘸浓墨，需要笔的哪一部分汪些，就用别一支笔蘸清水滴在哪一部位上，可多次滴水。
可以滴水在笔根、笔腹一侧、笔腹两侧，使水墨和谐，滴水后笔中水分较大，画出的轮廓较模糊。
用墨法用墨法是指在纸上运用墨的技法，包括用水的方法，与蘸墨法不同的是在纸上“作文章”。
用墨法有破墨、积墨、泼墨、焦墨、冲墨、水渍、渗墨等。
破墨：通过墨与墨的冲撞、渗化，并使原来的墨迹产生代莱变化。
具体方法存有以浓破淡、以淡破浓、以干破湿、以湿破干。
浅谈宋人花鸟画
浅谈宋人花鸟画姓名：符凡凡班级：2011级室内一班学号：201111850392摘要：花鸟画是宋代宫廷画院绘画的重要类别，在艺术上大大超越了唐代。
宋代宫廷花鸟画家极重视对动植物形象情状的观察研究，他们笔下的花果草木，务求生动逼真，合情合理，一丝不苟。
其表现精工细丽，设色浓重典雅，造型周密端庄，反映出宋代宫廷贵族的审美特征。
宋代院体花鸟画之所以能够在传神方面达到很高的境界，在于能够从自然万物中直接取得，生意趣味浓厚是其重要的特征。
宋代院体花鸟画对后世影响致深。
通过对两宋院体花鸟画的学习和研究让我们对中国传统工笔花鸟画有了进一步的认识，并为更好地继承和发展工笔花鸟画艺术奠定了基础。
关键词：宋代花鸟画代表作品技法科学性意境影响中国画发展到今天，已有数千年的历史，从马王堆出土的汉代帛画，我们就已经看到了中国画的雏形，而中国花鸟画，由一开始作为人物画的背景出现，到形成一个独立的画科，经过了漫长的岁月。
到了宋代，花鸟画已经达到一个很高的境界：那么从什么角度来看待宋代花鸟画呢？宋代花鸟画有很高的艺术性，这种艺术性在绘画中的体现，通过一幅幅宋人花鸟我们就能感受到。
当我们打开宋人画册时，我们会为每一幅作品栩栩如生的气魄所感染!就算是一幅小品，也大气磅礴，动静有序，一支花，一丛叶，都充满了自然的灵气。
所刻画蜻蜓鸟虫，无不活灵活现，楚楚动人，有振翅欲飞的感觉，如果说现代画家对于生活的观察，可借助于照相机，能够以高速快门拍下禽鸟飞动的瞬间。
但是在宋代，没有照相机，全靠画家细心的观察和领悟，才能把鸟画得活灵活现。
中国工笔花鸟画也被称为“帝王艺术”，两宋是工笔花鸟画的黄金时代。
当时涌现出了很多有名的画家，可谓人才辈出。
宋代以来不断完善画院体制，提高画家地位，按职位设立画学士、艺学、待诏、祗候、供奋等名目。
宋徽宗时设立画学，正式成为科举考试制度的一部分。
徽宗朝兴“画学”，在封建社会里是空前绝后之举，因为此前和此后绘画都没有被列入国家科举制，它培养了许多画家，提高了画家绘画能力和文化修养，促进了绘画的发展。
笔意精微 设色典雅——浅析宋人工笔花鸟画之意境表现
知识文库 第11期254笔意精微设色典雅——浅析宋人工笔花鸟画之意境表现黄雅婷中国的花鸟画源远流长。
早在新石器时代的彩陶和战国、汉代的帛画上，就有花、鸟、虫、鱼的形象，而宋人花鸟画以其素雅的画面风格以及对花鸟画精神的体现和意境美的营造，在中国花鸟画创作上达到了高峰。
本文试图通过宋人花鸟画的背景、意境美的概念、对部分宋人花鸟画个例的分析，来浅析宋人工笔花鸟画之意境美。
1 宋人工笔花鸟画形成的背景花鸟画在唐代形成独立画科。
中唐前，花鸟画仅仅作为人物画而附庸存在；中唐后，花鸟画脱离人物画作为专门的画类。
五代两宋时期，花鸟画进一步发展，出现了大批杰出画家，如徐熙与黄荃。
黄荃善画珍禽异兽，奇花怪石，用笔精细，色彩艳丽，有富贵之气；徐熙善画汀花野草，水鸟渊鱼，“落墨为格，杂彩副之”，有野逸气。
两种画风由五代延续到两宋，形成两大流派。
宋代的花鸟画，在黄荃、徐熙的基础上逐渐走向成熟，并由成熟走向精微。
2 中国花鸟画意境的概念意境，是我国古典美学追求的最高艺术境界。
中国画艺术理论中的“意”是指作者创作作品时的主观思想和审美观念，而“境”是指画面描绘出的客观物象，两者的结合通过创作者和观赏者来共同体现出来的。
中国画的显著特征是讲求意境美，而中国花鸟画的意境美的概念是自然美的抒情表现。
宋代花鸟画的一个重要特点就是崇尚自然，重视写生。
北宋花鸟画家赵昌，早时学画，常在清晨朝露未干时对花圃中的植物手调彩色作画，自称“写生赵昌”。
他的画，一反当时厚重彩色之风，画明润匀净，得“妙于赋色”之誉。
由此可见真正好的作品无不源于自然而又高于自然，寄寓画家的审美理想和感情，进而产生意境美来引发观赏者的联想与想象。
3 宋人工笔花鸟画意境美的营造宋代的花鸟画家热爱自然，精通绘画技巧，感情丰富，对线条色彩和形式十分敏感，善于将面对千姿百态的自然界的情感巧妙的表现出来，在此，试以几幅宋画作品为例，就工笔花鸟画的意境之美做如下阐述。
3.1 画面构图简约之美构图在谢赫六法中称之为“经营位置”，可见其重要性。
写意花鸟画如何用笔
写意花鸟画如何用笔
写意花鸟画所用的笔主要是软毫和硬毫，软毫主要是指兼毫笔，大、中、小号提斗笔和大、中、小白云都属这一类，点厾花瓣及渲染使用。
硬毫是指狼毫，石獾、鼠毫一类的毛笔，点叶，画枝干，画兰竹使用一二号大提斗笔或大兰竹，勾勒花瓣、画鸟嘴、腿爪、及丝毛，要用长锋或短锋小号狼毫勾线笔。
但无论软毫硬毫，都以退号为宜。
退毫是指用旧的秃笔，由于长年蘸墨，笔毛上的胶制件多而弹性增大，远比狼毫新笔画出的笔墨味道厚重。
斗笔，在写意画上用的最广，分1到8号，型号的大小各有其功用，这种笔的特点是笔肚含水量大，蘸色蘸墨都饱满，一次可以点若干个花瓣或若干个叶，勾花、丝毛须使用新笔。
写意画的制笔位置一般偏高，为的是便于运转，笔管执正的时候不多，经常偏向一侧，但侧的辐度不一。
一般是稍侧，个别情况下，侧的倾斜度大，近似于山水画皴擦时的执笔。
如意钩花瓣时的用笔就是这样。
与执笔相关的一个问题就是作画要臂，肘，腕，指通力配合，以腕运指。
存“形”尚“意”——宋代宫廷花鸟画绘画语言研究
2018窑04我国花鸟画绘画史起源较早，经历了从新石器时代的彩陶到唐朝的漫长历史阶段，唐朝的花鸟画名家有以画鹤见长的薛稷，以画鹰、鹘、雉知名的冯绍正，以画花木禽鸟著称的边鸾、腾昌祐等。至后期，出现以徐熙和以黄筌父子为代表的两种不同花鸟画流派，徐熙画风野逸，黄筌父子为西蜀宫廷画师，画风气象富贵，形成了后世所称赞的“徐熙野逸”和“黄家富贵”，后世并称“徐黄异体”。入宋以后，经历了唐朝五代积时渐久的酝酿之后，画家崔白等人对“黄体”进行了变革，将宫廷花鸟画提高到了一个新的水平。北宋后期，在宋徽宗赵佶的大力倡导下，宫廷花鸟画出现了全盛时期，达到宋画水平的最高峰。此风绵延至南宋宫廷，花鸟画创作长盛不衰，可谓名家辈出，各有建树，形成我国花鸟画前所未有的繁荣。一尧宋代宫廷花鸟画之野形冶渊一冤题材之巧宋代宫廷对绘画的兴趣主要在于“宣教”与“唯美”，画家成就多在人物、花鸟与山水画上，虽然山水、花鸟、人物都有传世作品，但宫廷绘画更对花鸟感兴趣，这与当时的特殊环境与特定时期有关。花鸟题材丰富，服务于唯美，趣味在工谨与富贵，符合宋代文人宫廷趣味。据《宣和画谱》所载，宋代主要花卉有海棠、荷花、菊花、百合、辛夷、碧桃、白蔷薇、梅花、茶花、杏花、芙蓉花等，多达200种。如画家李嵩的代表作《花篮图》，竹篮编织精巧，里面放满了秋葵、栀子、百合、广玉兰等各种花卉；赵昌的《茉莉花图》，所画的茉莉花笔触细腻文静，着色淡薄明润；还有马远的《倚云仙杏图》、朱绍宗的《菊丛飞蝶图》。花卉是对美好事物的象征，也寓意着富贵荣华和吉祥如意。如牡丹花有“国色天香”之誉，有花开富贵之意；荷花出淤泥而不染，往往被比喻成高尚的人物品格；菊花象征健康和长寿。如北宋文同善画的墨竹，杨无咎善画墨梅，赵孟坚善画梅写兰。渊二冤构图之精构图一词来源于西方，谢赫在“六法”中称为“经营位置”，《辞海》中“构图”的解释是“艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体”。完美的构图对绘画作品起着决定性作用，使画面增添艺术趣味，所以说构图是一幅好的作品前提，决定着整个作品的意趣和整体的气势。宋代花鸟画的构图方式有折枝构图、内敛法构图、纵横深远式构图、“S”型构图等。宋代宫廷画家崔白的《双喜图》就是一幅构图形式特殊的纵横深远式构图形式，画面采取纵横交叉的走势来表现近中远景，并且画面主体的布局安排，符合道家思想的理论指导，是画家崔白经过深思熟虑的、独具匠心的经典之作。观《双喜图》的整体构图，右边的老树干的枯树枝向左上角延伸，树根连接土坡，土坡朝左下连接到画面左下角的小树苗，符合一个标准的“S”形构图，右上两只绶带鸟，一只绶带鸟张开双翅迎画飞来，一只绶带鸟立于树干上，头部垂直朝下，立足未稳，翘尾展翅。一只野兔立于画面土坡左下角，抬头瞪着眼睛回头凝望画面右上角的两只绶带鸟，做出随时准备奔跑的动作，高低对峙，以动衬静，动中寓静，互为呼应，生动精彩。右上角的绶带鸟与左下角的野兔在“S”型构图中犹如象征太极图中两个上下对应的圆，构图方式里面又包含了“太极”式构图形式，蕴含着画家独有的道家情思与感怀。构图形式呼之欲出，精巧入微。渊三冤表现手法之绝
写意花鸟画法技法教学
写意花鸟画法技法教学花鸟画是中国传统绘画中的一种非常基础的绘画形式，它以描绘花卉、鸟类为主题，运用水墨和颜料等材料，通过点画线面的表现手法，表达出自然界中的美丽和生机。
本文将为大家介绍一些花鸟画的基本画法技巧，帮助大家更好地理解和掌握这一艺术形式。
首先，我们来了解一些花鸟画的材料及工具。
花鸟画的基本工具包括毛笔、宣纸、墨汁和颜料。
选择一支适合自己的毛笔非常重要，一般来说，宣纸较硬，笔尖要稍硬；而出色灵动的花鸟画，需要选择柔软一些的毛笔，以便更好地表现出婉约秀丽的特点。
在选择墨汁时，可以根据自己的需要选择黏度和颜色饱和度适中的墨汁。
颜料的选择可以根据花鸟的特点来决定，一般来说，淡雅的颜色更适合花鸟画的表现。
其次，我们来了解一些基本的画法技巧。
花鸟画的基本画法可以分为构图、素描和着色。
构图是花鸟画的基础，它决定了画面的整体布局和结构。
在构图时，可以通过放大或缩小花鸟的比例，调整花鸟的位置，来增强画面的层次感和透视感。
同时，也可以通过增加背景、花卉或树木等元素，增加画面的饱满感。
素描是花鸟画的关键，它不仅可以有效地表现花鸟的形态和姿势，还可以展示出画家的个人风格和技巧。
在进行素描时，可以使用轻重笔触来描绘花瓣、羽毛等细节部分，用端正有力的笔触描绘鸟的轮廓和脾气，用流畅有节奏感的笔触描绘花卉的线条。
值得注意的是，描绘花鸟的形态时，要注意捕捉到细节，如鸟的眼神、花的纹理等，以增加画作的艺术感。
最后，着色是花鸟画的最后一步，它不仅可以赋予画作生动的灵气，还可以表达出画家的情感和内涵。
在进行着色时，可以根据花鸟的特点来选择颜色的明暗和饱和度，以增强画作的逼真感和层次感。
同时，也可以运用水墨渲染的技法，通过湿笔、干笔的运用，使得画面充满变化和层次。
除了以上的基本画法技法，还可以通过观摩大师的作品，学习他们的技法和风格。
在学习花鸟画的过程中，不仅要发扬传统的技法，还要不断尝试新的表现手法和风格，以突破传统，创造出属于自己的花鸟画作品。
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浅谈宋省予写意花鸟画的笔墨技法
作者：刘晓彤
来源：《文艺生活·文海艺苑》2013年第09期
摘要：笔墨是中国水墨画中特有的审美形式和表现形式，一幅杰出的写意花鸟画是缺不了笔墨技法的灵活运用，而宋省予是近代画坛不可多得的一位早熟多产的著名花鸟画家，他留下大量优秀作品和精辟的艺术对我们产生着广泛而深刻的影响。
因此本文陈述了宋省予老师在写意花鸟画中的用笔、用墨技法特点。
关键词：用笔技法；用墨技法
中图分类号：J212 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）27-0017-02
宋省予作为二十世纪闽籍画坛上的重要代表人物之一，其作品及理论的影响直至当代。
他一方面重视观察生活，一笔一墨都从生活中提炼而来，笔墨要表现对象，并指出运用不同线条表现不同对象，不同质感，不同性质。
另一方面更重视笔墨语言的艺术构成。
他强调作画多要用线，善用写的方法，体现线的书写性，反对反反复复，磨磨擦擦。
他在技法讲话中强调用笔中、侧、顺、逆、顿挫、转折并用，线条要有曲直、长短、粗细、浓淡、断续等变化。
因此，探讨和学习宋省予花鸟画中笔墨技法，对我们在绘画实践中有很重要的意义。
一、宋省予写意花鸟中用笔、用墨技巧
学习中国画的重点在于笔墨二字，笔为骨，墨为肉，墨色的优劣全靠笔的运行来体现。
在技法上，“笔”通常指钩、皴、擦、点等笔法；“墨”指烘、染、破、泼、积等墨法。
在理论上，强调笔为主导，墨随笔出，相互依赖映发，完美地描绘物象，表达意境，以取得形神兼备的艺术效果。
而从宋省予的国画技巧而言，其特点为：注重用笔，讲究水墨，随类赋彩，笔墨色韵，浑然一体。
（一）用笔技巧
黄宾虹是一位传统笔墨的集大成者，他认为“用笔之法，从书法而来”，又说“自画法失传，古人用笔，存于篆隶”，故“作画全在用笔上下工夫”，他还指出“作画不求用笔，止谋局部烘染，终不成家”。
而在中国画中笔墨深受书法的影响，这又是中国画技法在世界艺林中独树一帜的风格特征。
宋省予先生不但非常重视用笔，而且也精于用笔，他的用笔特点主要体现在两个方面：
1.笔法的多变性
宋省予掌握了大量的用笔技法，不管是抬笔、转笔、拧笔、还是抡笔、拖笔、挑笔、点笔、抹笔都能熟练掌握，挥洒自如，甚至达到出神入化的境地。
他不但擅于中锋用笔，而且能恰如其分地表现形体的体面转折、物体的质感、神态气质，在每一笔的行笔中，他经常转动笔管，使线条处于多变的状态之中。
2.笔法的书写性
宋省予用笔的书写性在实践中取得很高的艺术成就，讲究线条“写”的艺术和韵味。
他积累了深厚的书法根底，其行草流畅自然，挺劲苍润，篆书雄浑苍茫，蕴含有很重的金石味。
在他的作品中，不管是花瓣、竹叶、枝干、翎毛还是禽兽，他都能以书法笔章的线条抒写物体的形态，用笔重节奏、重天成、重韵味，使他的作品具有极大的艺术魄力。
笔锋正侧顺逆，顿挫提按，转折疾徐，无不发自腕底，气到笔随，穿插争让，疏密有致。
故每画花草和禽鸟其动态均极为生动活泼，毫无板滞之感。
（二）用墨技巧
水墨画就是用墨的黑、白、干、湿、浓、淡来表现复杂的颜色，“一转一束皆有意趣”运墨方面强调一笔落纸要能分出浓淡、深浅来，虽没有强烈地立体明暗表现，而黑、白可以表示阴阳明暗，浓淡可以表示凹凸远近，干、湿可以表示苍翠秀润。
明唐岱在《绘事发微》中指出“用墨要浓淡相宜，干湿相当，不滞不枯，使石上苍润之气欲吐，是得墨之气也”。
宋省予也十分重视水墨的变化和浓淡干湿墨色的应用，我们可以从以下两个方面来分析他用墨的技巧：
1.墨的干湿运用
墨有干湿的分别，干墨就是枯墨，湿墨就是水墨，灵活使用墨的干湿变化可以显示出墨的韵味。
而宋省予对墨的干湿应用，呈现出一种精妙、浑厚、淋漓、气韵生动的特点。
2.墨的浓淡运用
墨即是色，用墨的浓淡深浅变化来呈现水墨画的不同色调，从淡墨渗透到浓墨，利用水分的自然渗化，不但表现出物象的气韵生动，并且充分取得物象的阴阳相背、轻重、厚薄之感。
宋老师在墨的浓淡处理上能随干随湿，墨色浓淡有致，变化丰富，给人一种和谐、绚丽之感。
如《持鳌赏菊》中菊花叶子的正反与形态变化是用墨的干湿堆叠而成，而墨色的应用恰到好处。
在苍莽的气韵里，泛出墨光。
其用墨之妙，正如黄宾虹先生所说的“黑团团里墨团团，黑墨团中天地宽”。
二、从宋省予的师承关系中看他的笔墨技法
宋省予先生有如此成就，除了个人的天赋与努力外，而影响他艺术创作的画家们有着不可磨灭的推动作用。
所以与那些影响过他的画家作对比，对进一步学习他的笔墨技法有着重要的
作用。
宋省予早年深受“海派”和“岭南画派”的影响，后又追元、明、清诸家，但他学古而不泥于古，变化运用，融会贯通，形成了自己独特的艺术风格与笔墨观。
（一）与“海派”画家相比——任伯年
任伯年和宋省予的绘画都发轫于民间艺术，重视继承传统，都吸收各家所长并形成各自的独特风格，而宋的作品技法中明显可以看出任伯年的印痕，他学习了任的创作思想，取材于自然风情，讲究骨法用笔，但任伯年吸收传统民间艺术的形式，事物造型夸张变形，而宋的物象造型师法于自然。
他们的笔墨特点也有着明显的不同，任伯年的笔墨趋于简逸放纵，设色明净淡雅，用线兼工带写，具有明快温馨的格调，画风大胆自然。
而宋省予的笔墨豪放淋漓，明快苍润，设色明艳俊秀，雅俗共赏。
又因“以书入画”把行草并入写意画中，线条极富弹性。
（二）与岭南画派相比——高剑父
高剑父提出：“艺术关系国魂，应推陈出新。
”这一思想对宋的影响非常深远的。
至此，宋省予的作品多反映生活，有贴近生活的蔬菜瓜果，有来自自然的飞禽走兽，要求一笔一墨出自生活，重形重意，变成不同于传统文人画的概念。
从笔墨方面来与高剑父相比，宋的笔法更为流畅有弹性，行笔圆转，转折之处不会断裂、对折。
宋的用墨干湿对比强烈，浓淡相宜，流露出一股苍润之气。
宋省予的笔墨圆润而不乏雄壮，豪放洒脱而不失严谨，粗中有细，细中有粗，线条流畅富有弹性，处处流露出生动的笔韵。
笔墨技法在于掌握基本规律之后，要学会创新。
而宋省予受“海派”与岭南画派的影响之后，能够综合两家所长，介于两派之间，形成宋氏花鸟画的独特风格。
三、从造型意义上看宋省予的笔墨技法
在造型上，中国画中的造型侧重于笔墨的运用表达出物象的形、结构和固有色等因素，更多的是通过笔墨表达出事物的内在状态来传达画家本身的心灵感受。
因此，从造型上研究宋省予的笔墨技法是有意义的。
（一）宋省予笔墨传递出的意象造型
在中国水墨画中，意象造型的前提是尊重客观对象，在此基础上发挥作者的主观能动性，从自身的审美情趣出发，塑造出既类似客观生活形象，又高于生活原型的艺术形象，从而表达出作者自身的思想感情。
宋省予注重师法于自然，要求表现出事物本身所特有的内在精神状态，并寄予自己的感受体会。
他的笔墨从生活中提炼而来，并指出运用不同的笔墨技法，表现不同对象，不同性质，不同质感，使画面中的形象传递出自然真实的感觉。
用笔快速有力，所写线条如行云流水，畅
快淋漓，赋予物象积极向上的精神面貌。
用墨干湿浓淡对比强烈，突显物象的姿势动态，给予人耳目一新的感觉，这就是宋氏写意画的意象造型。
（二）宋省予在笔墨上注重整体布局，强调转折
宋省予在绘画实践中重程式，在造型上注重整体布局，强调形体转折。
他在画菊花时遵循一定的程序，要先画花瓣再画叶，菊花的枝干要在花叶画出来前先定出，用干湿相兼的墨色把枝干画的强劲有力，表现出了菊花的精神实质。
再如《双鹭》先整体布局出画面的“S”形构图，再用笔勾出不同动态的两只白鹭，用墨整体布局，前后两只白鹭所用墨色不一，形成对比，拉开了前后的空间关系。
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