绘画艺术欣赏

绘画艺术欣赏 绘画艺术在二度平面上创造充盈着自然生命力的物象与空间，展示现实生活与想象世界的多样景观，传达人的丰富的思想感情。中国画和油画是东西方两大绘画体系的代表。从总体上说，它们在创造与审美上有同一性，也有差异性。对油画的欣赏，应从历史的角度了解从古典油画到近、现代油画主题与风格的流变，建立起衡量画作的"标尺"；对中国画的欣赏，则可从不同的表现对象出发，领悟山水、花鸟、人物画的特征。绘画欣赏固然深奥精微，但若能在提高社会历史知识和全面文化修养的情况下，把了解美术历史脉络、掌握杰作风格与发挥艺术感受中的直觉和想象结合起来，将能面对作品得其神髓内涵，获其情致意韵。 绘画概说 绘画是运用线条、形体、色彩、明暗、笔触等造型语言在二度平面上塑造艺术形象，以表达人的思想感情的艺术。绘画区别于雕塑、建筑等其他造型艺术的特征是其实体的平面性，即画家是在平面的材料上(如画布、画纸、墙面等)进行描绘。通过描绘，画家创造了一个视觉空间，即画面上的形象构成了与现实生活有一定联系的，但却是视觉上的，也即虚幻的空间。由于画家表现的内容和艺术风格不尽相同，绘画作品呈现出的空间面貌也各具特点。由于绘画是在二度平面上创造三度空间的艺术，可以把它称为"视觉空间的艺术"。绘画的各类很多，也有不同的分类的方式。根据绘画所使用的工具材料分类，可分为素描、油画、水彩画、水粉画、水墨画、版画、壁画等；根据绘画所表现的内容或对象分类，可分为历史画、风俗画、肖像画、风景画(山水画)、花鸟画、静物画等；还可以按照国家或民族的文化传统分类，如中国画、日本画等。在这许多种类中，有几种是大家比较熟悉的，也是欣赏中常见的，有必要作简单的介绍。 油画 是以油为调合剂调合颜料，在经过制作的不吸油的平面上描绘而成的绘画。公元1430年左右，尼德兰画家凡•埃克史弟通过大量实验，发现运用亚麻仁油调角作画，效果更佳，调好的颜料不易干固，可以层层重叠，画好后又不易褪色，有经久的新鲜感。这种技法很快传到意大利等国，经过许多画家的实践后更加完善，油画由此成为西方的主要画种。 中国画 是中国传统绘画的统称。就材料而言，西方的油画不存在国别之异，所以人们一般不称"英国画"、"法国画"，而具有悠久历史的中国绘画在东方形成了独立体系，中国画因之得名。从广义上说，中国画包括中国传统绘画的各种类别，但通常指的是以水为调合剂，以墨为主要颜料的一类，又可称"水墨画"或"彩墨画"。中国画的工具材料为我国特有的笔、墨、纸、砚和绢素。其中宣纸可分为熟、生两种。熟宣适于层层敷染墨和彩，用熟宣创作的画往往称工笔重彩画。生宣具有较强的吸水性，笔触纸面即形成水墨或色彩的痕迹，适合以写意的方式表现物象。中国画的另一特色是使用毛笔，比起油画笔，毛笔具有特殊的效能，它能自由地勾画出线条。中国画以线条为主要造型手段，通过线条粗细，顿挫、方圆、疾徐、转折等变化，表现物象的形体和质感。在水墨一体的中国画中，墨色基本代替了彩色，通过布墨的皴擦点染、干湿浓淡等变化，塑造体积，烘染气氛。西方有人以为中国人缺乏色彩感，没有制造出在欧洲流行的油画形式。其实，墨中有丰富的色彩，"墨分五色"就是说的这个道理。 壁画 是绘制在土砖木石等各种质地壁画上的绘画，所用绘制的颜料比较多样。根据壁画所绘的场所，可分为殿堂、墓室、寺观、石窟等壁画。殿堂和墓室壁画多描绘历史人物及神话传说，并有生产、战争、社会习俗等场面，间有神灵异兽、山川花木、日月星云等图像；寺观、石窟壁画(在西方主要是教堂壁画)多描绘宗教故事。壁画的表现技法多样，各种材料都可以运用，典型的有油质、粉质、白描、堆金沥粉等。壁画的画面主要依据建筑的要求而定。一般地说，场景恢弘、形象丰富、色泽鲜丽是它的基本特点，它往往与雕塑、建筑相关联，服务于建筑整体的构思，构成综合性的环境艺术。 水彩、水粉画 是以水调合颜料创作的绘画，大多画于纸上。水彩画特别借助水对颜料的渗融效果及纸的底色，产生画面的透明感及轻快、湿润的艺术特色。水粉画颜料有一定覆盖力，又易于被水稀释，可用干、湿、透明、厚积等不同表现方法作画，其特点兼有水彩的明快、油画的浑厚。当代的宣传画、广告画多采用水粉材料画成。 版画 在不同材料的版面上刻画形象后印制而成，它的最大特点是可以连续重复印制。由于版材的性质与刻印方式的不同分为若干品种。主要有：木刻、铜版画、石版画等。木刻是常见的版画，在枣木、梨木或胶合板上刻去形象之余的部分成凹版，留下有形象的凸版，用油质或水质颜料拓印于纸上。它一般有造型简括，明暗强烈，有刀刻韵味的特点。铜版画是在铜版上用腐蚀液腐蚀出表现形象的凹线后印制而成，也有的直接用刀在铜版上干刻。铜版画比木刻细腻、层次丰富，主要以光影明暗效果为艺术特色。石版画是用特制的墨笔在石面上作画后进行化学处理，使墨笔画出的形象可以印制在纸面上。石版画也具有层次丰富、表现力较强的特点。与其他画种相比，版画作品的造型往往概括洗练，艺术风貌明快、单纯。 素描 又称单色画。广义上指的是以任意一种材料作单色的描绘，狭义指用铅笔、钢笔、木炭笔等在纸上绘出形象。它一般是画家的写生之作，即面对人物或风景描绘而成，是一种带有研究性的绘画基础训练作品。有时也指画家构思大幅创作的草图。优秀的素描作品不仅是习作，而具有独立的艺术价值。就写实的绘画来说，素描是造型的基础，有什么样的素描，就有什么样的油画或国画，素描同样体现了画家的艺术观念和艺术表达方式。 不同的工具材料固然制约了不同的绘画面貌，但绘画创作的共同规律又决定了工具材料的运用只是为了更好实现作品的艺术效果。无论使用何种工具材料，绘画创作总离不开形体、线条、明暗、色调等艺术语言。 绘画艺术欣赏方法 绘画的视觉空间特征决定了绘画欣赏的方式是看，因而提高绘画欣赏力的唯一方法也是看。绘画语言中的形、光、色、结构等要素都是具有审美感染力的表象符号，不同艺术家运用它们的方式不同，就产生出具有个性的艺术作品。因此，对于欣赏者而言，面对风格各异的作品，欲获得欣赏的愉悦，达到欣赏的层次，需要掌握一定的知识与方法。概括而言，有下列几个方面： 一、首先，对绘画作品(当然也包括一切艺术作品)要以理解的态度加以品评 不论哪种流派、风格，不论是你第一眼喜欢或不喜欢的，在欣赏之前要首先确立自己的理解的态度。所谓理解，即设法了解作品产生的原因和背景，作者想要说的内容，以及作品结构、形式的特征等，只有对这些真正理解了，和作者的作品在感情上交流了，欣赏者才可能作出比较实事求是的判断和批评。欣赏和批评切忌有先入为主的成见。 二、了解绘画发展脉络，把握代表作品特征 概而言之，绘画世界是一个立体的现象。从纵向上看，是绘画的演变与发展。比如西方绘画 经历了古代(古希腊和罗马)、中世纪(公元5世纪到14世纪)、文艺复兴时期(15、16世纪)、17、18世纪和近、现代等大的历史阶段。各个历史时期的艺术理想和艺术表现风格都不相同。我们一般把文艺复兴时期到19世纪初的西方绘画称为古典绘画，即造型基本上是写实的，作品很完整，其美学倾向是典雅与和谐。但在整个古典绘画中，又有风格的演变。 三、培养艺术形式感觉 欣赏的实质不是表现的观看，而是感觉。面对画作，作品的整体面貌在瞬间便直逼眼帘。作品的艺术特征触动、撩拨、撞击、刺激着人的感官神经，形成审美的心理活动。 线条是绘画诸要素中最生动的部分，是画家从自然真实中抽取出的一种有抽象意味的语言。 形体在绘画中不仅指具体物象的形貌，还指这种形貌所暗示的情感倾向特征。 色彩是绘画中最富情感性质的要素。 与色彩相关的是色调。特别在油画中，色调是构成主题思想与意境的重要因素。动感也是绘画中的重要因素，它既指通过构图和造型形成的某种感觉效果，又指涵盖其他因素形成的画面整体精神。此外，在绘画中起作用的还有笔触、质感、体量感等因素。所有这些要素在一幅幅画中组成有机整体，有时艺术家也侧重地强调某种要素。因此，培养和提高欣赏力量重要的方法是多看。 四、尊重自我感受，尊重自己的直觉与联想 欣赏绘画是一种"见仁见智"、原无定法的创造性活动。由于欣赏主体的年龄、经历、修养与趣味各异，同样看一幅画，获得的感受结果自然也相异，这是正常的。欣赏绘画的动机，在于人们希冀通过艺术理解历史文化，也理解自身的意义。 绘画世界蔚为大观。我们将以油画和中国画为主展开比较具体的讨论。这两大画种是东、西方美术的代表。在古代，虽然丝绸之路的开拓与佛教的传播形成了中国与外国美术的交往，但欧洲的绘画并没有很快传入中国。在很长时间里，东、西方绘画是独立发展的。掌握这两种绘画欣赏的知识，可以触类旁通于其他绘画种类。形与色的交响：油画作品欣赏在西方美术中，数量最众、影响最大的种类当推油画。油画作品构成的艺术画卷，容纳着宗教与世俗、神话与现实极为丰富的艺术形象。 油画发明之前，西方的绘画主要是壁画，用以装饰教堂内部的壁画和屋顶，它们的内容大部分是《圣经》故事，既把教堂打扮得五光十色，又如一幅幅宣传画，对宗教信徒形象的教育。 可以把15世纪到19世纪中叶的油画概称为古典油画，它们的共同点是：无论画面大小，都有一种很完美的情境。众多物象的场景经画家布局，形成秩序清楚、层次分明、有主有次的画面。主体突出，细节精微，造型与色彩往往呈现出典雅、统一的情趣，给人很悦目的感觉。大部分画家采用的多层画法，暗部颜色往往用稀薄的颜料多层均匀铺设而成，看上去隐约中有微妙变化，亮部则多厚堆颜料，具有质感和量感，明暗之间的响亮与深邃，形成深入浅出的节奏与韵味。 意大利油画是欧洲油画发展的先声。文艺复兴使初生的油画生机勃发。文艺复兴对艺术的促进有两个方面： 一是人性的复兴。画家从中世纪基督教的控制中觉醒，意识到人的尊严，在绘画中注入了现实生活。虽然当时许多画家迫于历史环境仍要画宗教画，但在作品中表现的是从人文主义角度理解的宗教题材，即情节取自宗教故事，人物、服装、环境都有现实特征。 二是古典艺术的复兴。意大利是古代罗马的故地，它遍地有古希腊罗马的艺术遗迹，经千年沉睡后，许多古代作品在艺术家面前焕发出崭新的光辉，画家的造型于是有了楷模。 波堤切利(1445-1510)是早期文艺复兴画家中的代表。他和当时的画家力求恢复古典艺术对人本身肯定和讴歌的传统，以古典艺术形象作为美好、正义的象征。他的代表作《春》，创作于15世纪70年代，其意图在于引导人们把目光追溯到遥远的古代，在纯净的神话王国里寻求美好与永恒。画中，春的女神抱着鲜花前行，花神与微风之神跟在后面，远处是牵手起舞的三女神；那代表一切生命之源的维纳斯站在中间；小爱神在天空飞射着爱之箭。草地上、树枝上、春神的衣裙上、花神的口唇上，到处布满鲜花。整个世界充满春的气息和爱的欢悦--这就是画家的理想与憧憬。波堤切利是一个富有诗人气质的画家，他用诗一般柔美的线条勾划女性形象，在温婉、优雅的女神姿态中添加了她们略为惘然的情绪。妩媚与忧郁、飘逸与神秘，在他的画中奇妙地合为一种动人的情采。浮想联翩，情意缠绵--那个时代对纯