中西方绘画艺术赏析
外国美术赏析(新古典主义和浪漫主义时期绘画)
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法国大革命 （1789年法国历史事件）
法国大革命（法文：La Ré volution franç aise，英文： The French Revolution）又称法国资产阶级革命，是 1789年7月14日在法国爆发的革命，统治法国多个世纪 的波旁王朝及其统治下的君主制在三年内土崩瓦解。 法国在这段时期经历了一个史诗式的转变：过往的贵 族和宗教特权不断受到自由主义政治组织及上街抗议 的民众的冲击，旧的观念逐渐被全新的天赋人权、三 权分立等的民主思想所取代。关于法国大革命结束的 时间，世界史学界看法众多，难成共识。在法国，普 遍将热月政变作为大革命结束的标志，热月政变推翻 了雅各宾派的激进集权统治。 1794年7月27日，法国大革命中的市民革命宣告结束。 1830年7月，巴黎人民发动七月革命，建立了以路 易· 菲利浦为首的七月王朝，至此法国大革命才彻底结 束。政变中建立了以热月党人为代表的政权。法国历 史进入维护大革命成果时期。
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新古典主义和浪漫主义时期绘画 大家注意一下新古典 主义绘画特点： 1.造型严谨， 2.形式，人物形象来 自于古希腊雕塑， 3.古典主义艺术对色 彩的抑制，他的色彩 用的比较少，仔看 只有几种颜色穿插在 里面，绘画中有红色、 白色、蓝色基本色彩， 颜色单调有限，但是 它安排的节奏的安排， 并不单调。 SZM
雅克——路易•大卫完成其《贺拉提乌斯兄弟的宣誓》（即《荷拉斯三 兄弟之盟》）新古典主义艺术开始成为欧洲和美国占主导地位的运动。 新古典主义开始对绘画纵深空间的表现加以限制。
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新古典主义和浪漫主义时期绘画
雅克——路易•大卫完成 其《贺拉提乌斯兄弟的 宣誓》（即《荷拉斯三 兄弟之盟》） 新古典主义艺术开始成 为欧洲和美国占主导地 位的运动。 新古典主义开始对绘画 纵深空间的表现加以限 制。
古典油画人物赏析
1、技法变革：凡艾克《阿尔诺芬妮夫妇像》 2、人文主义：达芬奇《蒙娜丽莎》 3、时代精神：拉斐尔《西斯廷圣母》
二、中国人物油画古典风简介
1、靳尚谊《塔吉特新娘》《女青年歌手》 2、罗中立《父亲》
杨·凡艾克《阿尔诺芬妮夫妇像》
扬·凡·艾克（Jan Van Eyck又译扬·凡·爱克） (1385年-1441年)， 尼德兰画家，是早期尼德兰画派最伟 大的画家之一，也是十五世纪北欧后哥德式绘画的创始， 尼德兰文艺复兴美术的奠基者，油画形成时期的关键性人 物，因其对油画艺术技巧的纵深发展做出了独特的贡献， 被誉为“油画之父”。
拉斐尔】《西斯廷圣母》
拉斐尔·桑西（1483 —1520），Raffaello Santi全名Raffaello Sanzio da Urbino，常称为拉斐尔（Raphael），意大利著名画家，也是“文艺复兴后 三杰”中最年轻的一位，代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能 达到的巅峰。他的性情平和、文雅，创作了大量的圣母像，他的作品充分体 现了安宁、协调、和谐、对称以及完《蒙娜丽莎》
列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇 （意大利文原名：Leonardo di ser Piero da Vinci，1452年4月15日—1519年5月2日，享年67岁），意大利学者、艺 术家。 欧洲文艺复兴时期的天才科学家、发明家、画家。现代学者称他为“文艺复 兴时期最完美的代表”，是人类历史上绝无仅有的全才，他最大的成就是绘 画，他的杰作《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》、《岩间圣母》等作品，体现 了他精湛的艺术造诣。他认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然 的奇妙之作品，画家应以人为绘画对象的核心
世界名画赏析
『帮你背单词』画家热罗姆是浪漫派画家德拉罗什的学生，却又极善安格尔严谨的线条。
1856年，他曾赴埃及与近东旅行，收集和纪录了大量关于近东的风土人情，创作了一批极富东方情调的作品，轰动了整个法国画坛。
热罗姆画的这幅《后宫露台》，描绘了阿拉伯王宫最隐秘的后宫生活，描绘了生活于后宫的王妃、宫女等女眷的闺阁生活，有的在洗浴，有的在清谈，有的在沉思……，几乎都流露出一种惆怅与茫然的神情，华丽的露台，冰冷得象囚室，不见天曰，只有露台外面才是晴朗的天空与清新的气息。
从构图和色彩处理上，都遗留着古典主义原则的严谨性，注重细节的和谐对比，人物、服饰、建筑尤重质感的表现，充满异国情调。
名称:贩卖孩子的商人时期:1763年创作者:约瑟夫－玛丽·维安法国规格:96cm×121cm材料:布油彩存藏处:枫丹白露皇家博物馆藏这是一幅人神合一题材的绘画，有着典型的新古典主义风格。
人物造型严谨，肃穆而冷静。
女主人被刻划得高贵而矜持，女商人则从提篮里抓出一个带翅膀的小男孩(无疑这是小天使)，构成一个充满戏剧性的场面。
如果说画家描绘的是当时社会现实的话，那么，那个正在被贩卖的长着翅膀的孩子，无疑又给作品增添了扑朔迷离的色彩名称:桌球时期:1807年创作者:路易斯－利奥波德·布瓦伊法国规格:56cm×81cm材料:布油彩存藏处:圣彼得堡艾尔米塔什博物馆藏在这幅画中，布瓦伊以极熟练的笔法与色彩，描绘了市民阶层的生活与风貌。
在一个桌球俱乐部里，数十人集中在一起，打球，聊天，玩耍。
其场景被画家处理得井井有条，人物刻画体现出新古典主义画风的完整细致。
色彩严谨，素描一丝不苟，成为一幅古典风味极浓的风俗画。
名称:包厢时期:1855年创作者:威廉·鲍威尔·弗里思英国规格:34.9cm×45cm材料:布油彩存藏处:普雷斯顿哈里斯美术博物馆藏这是一幅富于情节情的肖像画，一位小姐坐在包厢之中，手持望远镜观看演出，神色专注。
世界十大名画赏析 PPT
作品评价
• 这幅名画曾因第二次世界大战战乱惨遭破坏，丢失多年， 1954年才偶然被人在一建筑物的地下室中发现。 • 拉斐尔笔下的圣母和中世纪的圣像画完全不同，他以母性 的温情和青春的健美完美地体现了文艺复兴时期的人文主 义理想。这幅1512年至1514年间完成的《西斯廷圣母》 以其秀美典雅的艺术风格在同类作品中出类拔萃，在西方 绘画史上具有特殊的地位。正如雷诺兹所说：“拉斐尔是 所有后继画家的模范，不断地模仿，同时不断地创新。” 他的典范风格成了所有学院派的理想，对后来著名的古典 主义者，如意大利的阿尼巴莱?卡拉奇、法国的普桑及安 格尔等，都产生了巨大的影响 • 拉斐尔的这幅名画对美丽与神圣、爱慕与敬仰的把握都恰 到好处，显示出高雅的格调，因而使人获得一种升华的精 神享受。
《亚威农少女》毕加索 244 × 234cm
创作思路
毕加索以他青年时代在巴塞罗那的“亚威农大街”所见的妓女形象为 依据。这条街以妓院林立而闻名。画上的女人形象，就是这条街上的 妓女们。画家曾多次易稿。在这件作品的草图中，曾出现一个海员和 一个刚进门的医学院学生。毕加索大胆地画了五个姑娘和两个男人。 背景是妓院的客厅或饭厅。后来几经修改，又作了大胆的突破。毕加 索曾对人说，他讨厌这个题目。因为亚威农的姑娘并非是些风姿绰约 的妙龄女郎，而是一些出卖爱情的妓女，她们与画上的女人毫无干系。 这幅画的题目是诗人萨尔蒙给起的。也许诗人根据这些裸女，才把她 们与亚威农妓院联系起来。由于这一幅以裸体女人为主的大型油画， 与那个不光彩的亚威农背景相联系，使毕加索受到了猛烈的抨击。在 此画的第一幅稿子上，一如前述，还有两个男子，一个持花束，另一 个从布幕后面走出来。毕加索自己说，他原想画一个骷髅，以强调死 亡。如是这样，似乎又多了一层“劝人为善”的意义，以符合西班牙 人对花街柳巷蔑视的传统。但后来全部改变了，以立体主义方法来表 现五个裸女。在这幅画上，观者多少可感觉到画家着意于纯粹的田园 风趣。五个裸体女人的色调是以蓝色背景来映衬的。蓝色使他想起戈 索尔那美丽宜人的风光。但观众看到的是一群几何形变异的女人。右 边坐着的一个女人像戴上假面具一般，当她转过身来，脸容十分可怕， 就像从阴间爬出来的鬼魅，颜色却又像烤熟了的乳猪。最左边一个女 人，正拉开赭红色的布幕，为要展示她的姊妹们的菱形身体。她那严 肃的表情，侧面的轮廓，简直像埃及的壁画。中间还有一堆水果。
西方油画艺术赏析13-14
爱德华·马奈 Edouard Manet
出生于大资产阶级家庭的法国画家爱德华·马奈 （1832-1883）。两次报考海军学校都没有成功，在得到父母的 允许之后，开始学习绘画。马奈有一种十分坚决的现代意 识，他以作品来表现自己对当代生活的瞬间印象。他的构 图完美地分配空间和体积。他对日本版画的把握创造了质 朴坦率的透视效果和纯色与黑色的均匀色调。露天的创作 显示出画家的印象主义艺术才华。马奈晚期的自然主义作 品的笔法刚劲有力、综合概括，十分个性化。
萨金特 西班牙舞者1880-1881
萨金特 爱德华达利 ·博伊特的女儿们1882 222.6 x 221.9 cm
萨金特1907
萨金特1908 71.12 x 55.88 cm
萨金特c1895 86.36 x 102.235 cm
萨金特c1879 25.4 x 35.56 cm
萨金特 卡普里的女孩1878 63.5 x 77.47 cm
莫奈1863 81.28 x 64.77 cm
莫奈草地午餐1865-1866
莫奈 日出印象1873
莫奈 红船 1872
莫奈 红船 1875
莫奈 茶具1872
莫奈 花园中的女子
莫奈 静物 1872 73 x 53 cm
莫奈 干草垛 1891 100 x 60 cm
1888 92 x 65 cm
莱顿 肖像1858-1859 41.5 x 53 cm
莱顿 沐浴的普赛克 布面油画
c1890 62.2 x189.2厘米
莱顿 少女c1860 90.2 x 152.1 cm
莱顿 泉边 1892 95.3 x 127.6 cm
莱顿 宫女 1862
音乐课 c1877 118.1 x 92.8 cm
椅中圣母
南京理工大学泰州科技学院土木学院西方绘画作品赏析专业：艺术设计班级：艺术（2）班学号： ********** 姓名：**椅中圣母拉斐尔的圣母像是他的艺术生涯丰碑。
他那些圣母之具有的完美品质，乃得益于他对人间女性的敏锐洞察力。
人们把他的《西斯庭圣母》奉为他的女性画的集大成者。
这一幅《椅中圣母》，我们可以认为是拉斐尔圣母形象的顶峰了。
这幅画上的圣母、圣婴与约翰三个形象，比他以住任何圣母子画像更富有生活气息。
但人们不禁要问，为何画家把三个生动的形象塞在这已很少间隙的圆形框内呢？１８２０年，意大利有一本《隐士传说》，内有一则传闻，说从前有一德高望重的隐士在森林里遇到狼群，他急中生智，爬上橡树才幸免于难。
后被一酒家女儿救下并受到款待。
在酒店过了一宿后，翌晨离开了林子。
走时他预言，救他的橡树与这位姑娘将得到永恒的善报。
若干年后，橡树被砍下做了酒店的酒樽，姑娘也结婚生了两个儿子。
一天，拉斐尔路过这里，见到这两个天使般的孩子与年轻漂亮的母亲，在拉斐尔眼中，什么样的题材，都无法与母亲这一主题相媲美！绘兴油然而生。
可眼前没有绘画工具。
急切中他抓起地上的陶土片，在酒店门边一个橡树酒桶底上画下这母子三人形象。
这就是这一幅《椅中圣母》诞生的由来，它似乎应验了当年隐士的预言。
拉斐尔的画主要分为两种：一.宗教；二 .世俗。
这幅《椅中圣母》就是属于宗教的画。
这幅画上画了三个人，分别是圣母玛利亚和圣婴耶稣，还有一个就是圣约翰了。
在图画上，那个手抱小孩的女人就是圣母玛利亚，那个小孩便是圣婴耶稣。
圣母玛利亚的眼睛好像正看着圣婴耶稣，而圣婴耶稣则好像看着全世界。
圣婴耶稣的出生似乎和普通孩子一样，可当他出生时，并没有这个孩子的未来。
整幅画画面颜色很暗，只有圣母玛利亚和圣婴耶稣的周身才很亮。
在我看来，这幅结构紧凑，黑色在画面中衬托出亮光，让人感到比较真实，比较符合实际。
在艺术作品中，形式与内容总是相互决定、相互作用的。
成功的艺术创作总是达到了形式与内容的高度统一，而艺术的美，则是两者统一的效果。
100幅世界名画赏析（建议收藏）
01乔托《犹大之吻》Kiss of JudasGiotto1305乔托《犹大之吻》聚焦于基督和犹大之间心理交锋的瞬间。
基督坚定的目光回应犹大的注视，眼神中只有对背叛者的谦卑和同情。
在指控、欺骗和背叛的喧嚣中，基督保持着始终如一的怜悯。
乔托首次赋予形象鲜明的人性动机，以及传统绘画欠缺的心理深度与逼真感。
02马萨乔《纳税银》The tribute moneyMasaccio1427画面描绘了《马太福音》里的故事：税吏质问耶稣是否缴纳了税。
画面中央税吏正在索要纳税银，场景延续至画面左边，彼得从鱼口中取出钱币。
右侧，彼得交给税吏纳税银。
马萨乔将三个独立场景浓缩于一幅画面之中，赋予角色人性化的感情，同时在古典主义基础上加入了技法的革新。
03扬 · 凡 · 艾克《阿尔诺芬妮夫妇像》 Arnolfini portraitJan van Eyck1434这幅谜一般的双人像，描绘阿尔诺芬尼和新妻宣誓的场景，展示出 扬 · 凡 · 艾克 卓尔不凡的传递细节和光线的能力。
夫妇的姿势和不同寻常的细节设置，都有独特涵义和象征性，镜中反射出夫妻背影和画家本人。
装饰性拉丁铭文写着：「1434年，扬 · 凡 · 艾克在此。
」《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后世风俗画和室内画的最早先例。
04保罗 乌切洛《圣罗马诺之战》Battle of san RomanoPaolo Uccello1440乌切洛名作《圣罗马诺之战》，显示出直线透视法领域的突出成就。
前景是交战双方，后面是持矛的队伍，地上横七竖八丢弃的武器盔甲。
背景经过几何式的抽象处理和透视安排，具有强烈的空间效果。
乌切洛首次在理性层面上，探索总结出「焦点透视法」，不仅使二维空间艺术在视觉上趋于科学性，而且使东西方绘画的空间经营从此分道扬镳。
05波提切利 《维纳斯的诞生》The Birth of VenusSandro Botticelli1482-1486希腊神话中，克罗努斯阉割了乌拉诺斯，重伤的生殖器坠入大海，孕育出美女维纳斯。
美术作品赏析
艺术评价
• 西班牙画家达利的《内战的预感》，是西方超现实主义绘 画的代表作。超现实主义绘画的理论依据是柏格森的“非 理性主义”哲学和弗洛依德的“精神分析学”。它的重要 特点是以写实的手法或近乎抽象的手法表现人的潜意识， 呈现在观众面前的或是荒诞的情景，或是奇特而又近乎抽 象的画面。达利的《内战的预感》属于前一种手法。画中 的主体形象是人体经拆散后重新组合起来的荒诞而又恐怖 的形象。形似人的内脏的物体堆满了地面。所有这一切都 是以写实的手法画出来的，具有逼真的效果。这显然不是 现实的世界，而是像人做噩梦时所呈现的离奇而又恐怖的 情景。这是当时笼罩在西班牙国土上的内战的预兆在画家 头脑中的反映的产物。从这个意义上讲，这一作品是对非 正义战争的一种控诉
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作者生平及作品
萨尔瓦多· 达利 萨尔瓦多-达利(Salvador Dali)，1904年5月11日生 于西班牙菲格拉斯，1989 年1月23日逝世。西班牙超 现实主义画家和版画家,以 探索潜意识的意象著称。 与毕加索、马蒂斯一起被 认为是二十世纪最有代表 性的三个画家。 他是一位具有卓越天 才和想象力的画家。在把 梦境的主观世界变成客观 而令人激动的形象方面， 他对超现实主义，对20世 纪的艺术做出了严肃认真 的贡献。达利的一生充满 了传奇色彩。除了他的绘 画，他的文章、口才、动 作、相貌以及胡须均给欣 赏他的人们留下了扑朔迷 离的印象。
作品赏析
西班牙ቤተ መጻሕፍቲ ባይዱ画家 达利的《内战的
预感》，是西方超现实主义绘画的 代表作。超现实主义绘画的理论依 据是柏格森的“非理性主义”哲学 和弗洛依德的“精神分析学”。它 的重要特点是以写实的手法或近乎 抽象的手法表现人的潜意识，呈现 在观众面前的或是荒诞的情景，或 是奇特而又近乎抽象的画面。达利 的《内战的预感》属于前一种手法。 画中的主体形象是人体经拆散后重 新组合起来的荒诞而又恐怖的形象。 形似人的内脏的物体堆满了地面。 所有这一切都是以写实的手法画出 来的，具有逼真的效果。这显然不 是现实的世界，而是像人做噩梦时 所呈现的离奇而又恐怖的情景。这 是当时笼罩在西班牙国土上的内战 的预兆在画家头脑中的反映的产物。 从这个意义上讲，这一作品是对非 正义战争的一种控诉。
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中西方绘画艺术作品比较赏析—父亲和蒙娜丽莎的微笑国贸1002 XXX 指导老师李雅娟【内容摘要】美术即是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的,占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术。
表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。
油画在当时历史条件下体现着一种新型审美价值——意境审美，而这，其实是古老的传统审美。
这听起来就是一个悖论，是油画在中国的传播和发展上存在着的众多的悖论之一。
但悖论往往孕含着生机，随着对西方绘画的深入研究，越来越多的人们更加清晰和准确地发现了自身传统文化的优势。
重新认识古典的意境审美，并将之在当今油画创作中进行解读和转换，是油画创新的资源之一，也是油画由走向自主发展的必由道路之一。
在《中外美术鉴赏》这门课中见到了许许多多的世界名画，其中很多都给人留下了深刻印象，我最喜欢的是罗中立的《父亲》和达芬奇的《蒙娜丽莎的微笑》随着对达芬奇了解的深入，对大师创作的背景、时间和境况也有了更多了解。
花费了很长时间才完成，它为达芬奇大师的绘画生涯画上了一个圆满句号。
至今大家还都会被这幅画深深震撼，也被达芬奇大师对绘画的热情和执著追求而感动。
【关键词】中西；绘画；父亲；蒙娜丽莎【正文】1 《父亲》在油画中追求意境，开拓油画审美的本土化的路途中，罗中立的《父亲》堪称是一幅意境深远的经典之作。
这幅作品描绘的是一个普普通通的老农形象，却像一首扣人心弦的沉重又悲怆的奏鸣曲令人震撼令人感动。
《父亲》这幅中国油画史上的“名作”，主要从意境审美角度进行分析。
绘画的意境由象内之境和象外之境构成。
首先，《父亲》的象内之境：人物形象。
这是一个农民形象的父亲，画里的“父亲”脸上布满皱纹、额头流淌着汗水，手里端着一个粗瓷大碗，望着前方。
对于油画《父亲》，相信观众不会把它当作画家罗中立本人的父亲的肖象来看待。
即便知道这个“父亲”的真实身份，观者的欣赏还是不会就这个形象而止，还仍然会产生很多联想和感触。
这其实触及到了意境的本质了。
如果说“生活是艺术的源泉”有其真理性，那么就由此推定作为艺术的高级形态的意境的本质：“意境就是生活的形象反映”，这样的结论无疑显得单薄。
也就是说，从意境的本质看，意境不仅仅是对某一生活原型、一个有限的形象的反映，而是以此种来自生活的形象作为符号来宣泄作者的独特的人生体验和审美体验并进而唤起观者的某些体验，这样的“一种特殊的生命运动形态”《父亲》的意境的创造过程正好说明了这一点“文革”中形成的审美标准是：红光亮，而罗中立在这幅画里是：脏暗涩。
罗中立的立足点在于真实，对真实的追求使之突破了对政治的附庸、对红光亮风格的限制，这得益于画家审美的超功利性：画家创作的目的只有两个，一是通过作品说出想说的话，表现对“父亲”的“同情、怜悯、感慨”，二是想用超级写实手法来完成创作，这两点也正是这幅画在造境上的成功和妙处，即：以真为美、抒发了情感和吸收国外画派的手法开创了新形式。
需要进一步指出的是，此处审美的超功利是指画家抒发的不仅仅是一己的感想，而是“文革”结束后人文精神回归大潮下人们普遍的一种愿望：正视中国农民、中国人的真正生存状态。
画家的高境界在于其绘画不在于一己之私利，而在于谋求全民族共通之感情的表达。
而这种超功利的真情实感的抒发全仗于超级写实的技巧才得以实现。
作者细致地描绘了那一道道像蚀石般深刻又像蜘蛛网般细密的皱纹，观众看到的是生活的苦难和艰辛；作者把握住了“父亲”那有些昏花又很安详的眼神，观众看到的是千百年来农民的慈善和逆来顺受；作者把“父亲”的手刻画得干枯和粗糙，观众看到的是每日起早摸黑的辛勤劳作，作者在“父亲”前额画上一粒粒的汗水，观众在心里默默流泪水……。
第三层次的分析：观者的参与和意境的最后实现。
意境是“情与理的辩证相生”，其中，理是意境形成的基础，情则是最活跃的因素，欣赏者之“情”参与到作者已描绘完毕的“有限之境”中，将之升华至常变常新的“无限之境”。
在这幅画里，作者的尽其所能描绘的父亲形象是“理”，是制约因素，它引导观者心中的意境的形成，使之与画家已创造的物化形态基本上同构，也就是说观者的想象或联想基本上受制于“父亲”、“农民”、“皱纹”、“汗水”；而每个欣赏者因为自己的人生体验各不相同，又会在创造意境时根据自己的经历和学识，联想到和象内之境相关的“繁衍”、“土地” 、“艰辛”、“尊严”等等象外之境。
2《蒙娜丽莎的微笑》《蒙娜丽莎的微笑》是用油画的方式来细细描绘其脸部表情和幽雅的体态。
它代表达·芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。
艺术语言方面：构图上正面胸像构图，透视点略微上升，是构图成金字塔，体现出人物端庄稳重的性格，在技法上，晕染法细致入微的刻画了女子细腻娇嫩的皮肤，柔和的光线让面部表情有了些暧昧迷离的意味，也溶解了抽象生硬的线条，早期文艺复兴绘画形象外观上的那种生涩感没有了。
达芬奇的这幅画色彩朴素，明暗透视结构让步恰到好处。
艺术形象方面，《蒙娜丽莎的微笑》一直以来被披上了神秘的色彩，画面里蒙娜丽莎上半身的肖像含而不露的微笑温和宁静，眼神，蒙娜丽莎双手交叉平放胸前，使得端庄的姿态增添了宁静与安详，身体姿态与面部表情显的和谐，画面深处的背景飘渺朦胧的山岩和流水如同梦境一般，使画面感觉更加神秘，成功的刻画了一个资本主义上升时期的城市有产阶级的妇女的形象。
艺术意蕴方面：肖像的意义表现了摆脱中世纪宗教和封建双重束缚新女性形象，也通过一个女性的形象表达了人对自身肯定级对美好事物的向往也是文艺复兴时代《蒙娜丽莎》是欧洲文艺复兴时期重要的代表作品。
欧洲文艺复兴的主要思潮和文艺理论就是“人文主义”，人文主义反对一切以神为本的旧观念，以“人权”对抗“神权”，从而使文艺作品从以神为描述对象转变为以人为描述、表达的对象。
达芬奇的《蒙娜丽莎》创造了人物肖像的典型形象，这种以歌颂人为主题的肖像画，一反过去宗教内容绘画的传统，是对欧洲中世纪压抑人性的神学和禁欲主义的一种反叛，是一场精神革命的开始。
正是这种新思潮、新观念使得该画成为文艺复兴时期人文主义的旗帜，有人说，“一个女子的微笑，唤起欧洲人性的醒觉。
”3，中西方绘画差异中西方绘画艺术犹如两座形貌各异的山峰，虽然同样具有令人回味无穷的艺术感染力，但却各成一体。
在全球一体化的这一特定历史时期，中国绘画艺术与西方绘画艺术之间的交流也日渐密切。
交流之中，我们也看到了这两座山峰的不同特点中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。
中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。
中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。
中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。
中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考。
中国画和西洋画不一样，可能这是一个很大的特点。
西洋画是表象的，非常的写实，讲究的是对自然的真实表现。
西方画家认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的方法主要是对景写生。
中国画重在写意，这个写意可不是大概其意，写的是意象、理想，写的是画境、意境。
所以有那么一句”诗中有画，画中有诗”的说法。
所以中国画光是技术好不行，你画得好还得有文化。
涉及到诗、书、画、印各方面的修养。
这也是中国画总是有着深刻的内涵! 中国传统的美学观念一直延续到今天就是以天人合一，自然、朴实、返璞归真为美，这个中国画里表现得非常突出。
另外中国人的禅学思想比较发达，形和意之间的关系不是弄得很实在的。
一开始虽然是从写实、描绘人物出发，但是渐渐地融进了中国人独特的思维方式，天人合一的价值观念、美学观念，和形意之间辨证的这思维方式。
所以在中国画中的色彩、构图、黑白、线条各个方面都表达了这种独特的哲学观念和思维观念，乃至人生的伦理观念。
而且中国人历来有一种运动的画面感，所以中国画里散点透视。
你一看它是运动着的，看着是活的。
西方的画中，写实派要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。
所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。
抽象派与严格地再现客观物象的写实派正好相反，创作方法是使自然物象变形，追求抽象的装饰性和视觉效果，或用光色和几何形态的抽象组合形式表现个人主观的思想体验，甚至是潜意识、下意识，以及种种隐秘的心理。
某些西方现代主义、后现代主义所标榜的前卫，实际是远离现实，逆反一切传统文化、道德观念，越来越趋向病态的自我表现还是让人担扰。
.中国画意象所体现的是人与自然的统一，强调的是主观与客观的统一，主张眼到心到、意到，意中有象，象中有意，主观情志外象化，客观之象情趣化，可谓物我交融，天人合一。
当然，中国画也要面对客观物象，但这些物象经与审美主体交融后，也就蜕变成一种精神状态的物化方式，绝不再拘泥于客观真实的度量标准。
对于自然物象，它不是不知，而是不必去知，更无意刻意去知，于是，中国画不讲焦点透视，而善散点构成；不讲三度空间，而求二度变化；不讲块面刻画，而取轮廓勾勒；不讲物理重心，而重主观感受。
它挣脱物理形象而获得提炼，变成一种具有主观意象的精神轨迹，发着远远超出客观形体本身的精神效应。
中国画的意象特性有着强烈的表现力和艺术魅力，它的艺术追求也是另辟蹊径，既表现客观，还强调主观。
作画时，要意在笔先，胸有成竹，笔简而意工，象约而境奇，不仅求之于象内、境内，更着眼于象外、境外。
中国画重神轻形、重意轻象，要求神形兼备、意广象圆、情景交融。
追求笔有尽而意无穷，象有限而意无边。
几千年来，中国画瑰丽多彩、绵延相继，即使是在世界文化大碰撞、大融合的今天，也仍显夺目光彩，这是与中国画意象特性的审美观分不开的，西方的画通过素描、解剖、透视和从方到圆那把对象的方法，明暗的调子、统一光源的明暗关系来进行制作。
它讲究焦点透视，三维空间作画，讲究面刻画，它是一整套像数字公式一样的模式来进行绘画。
在西画的色彩上也有一套基本公式。
科技不能代替人的思想感情，不能“含道映物”，与浪漫无缘，因此不能从深层进入艺术境界。
它与中国画有鲜明的对比. 中西方不同的思维方式决定了中西艺术内在本质的差异。
也许正是中西方对待自然态度的不同使中西绘画放生了如此大的差异。
尽管它们有着很大的不同,但当今社会都是各取所需,不同的人有着不同的审美观,有着不同的爱好,因而他们选择的画风也不同.我在此的分析,也只是把两个不同区域的不同画风说出来.总之是,中国画有着其丰富的内涵;西方画有着其的客观真实写照与逃避现实的狂想曲2013年6月20。