浅谈中国画之走向
1 浅谈中国画之走向
申泽文
中国画艺术是我国文化宝库中的一颗璀璨明珠，从古至今，它一直在向前发展，犹如一条长河，虽有时狂暴湍急，有时滞流平缓，但从来没有发生断流，它一直在向前，向前，终于汇成今天这样一条浩浩荡荡的艺术大河。在中国画的发展中，凝聚了一代又一代艺术家的探索和奋斗。中国画在它的发展过程中汲取过多方的养分，如印度佛教壁画，民间绘画，木版画，西方油画等等，但它的思想根基仍是源于中国的儒家，佛家和道家的思想体系，中国画讲求“意象”思维方式与“写意”的造型观，追求情趣和意境，天人合一的理想境界，在中国画的笔墨上则追求虚实意境，神韵、气势在绘画材料上则始终是以毛笔、墨和宣纸为三大要素，探求线条的绵延，水墨的渗化以及抽象的意境，而它对作品优劣的评判也基本上从品格、意境、笔墨三方面来判断，千余年来基本如此，正因为它的评判标准，追求方向，思想根基都比较恒定，故中国画在千余年的历史长河中才能较为平稳地呈线性地向前发展。
中国画创作是一项综合性、系统性极强的艺术工程，它反映了一位画家的文化素养、生活基础、专业功底、艺术观念等全方位的修养。这其中包括了中国传统文化儒、释、道思想的影响，以及东方人的造型观、审美观、社会观、哲学观、物我观、价值观。而创作则有着几层含义，“创作”是创新，是创造，创造和创新是在传统的基础上进行的，没有优秀的民族文化艺术传统根脉，艺术将成为无根之木，空中楼阁。
首先，临摹是学习古人的表现手法，艺术处理乃至创作方法等，从笔墨运用到造型处理，构图意匠，设色方法都可以通临摹细细体会古人的用心之处，特别是那些仅仅通过“外师造型”的写生方法不容易解决的东西（即“中发新源”的一些东西）。更要注意即要注意其精华部分，也要注意其糟粕部分。学习古人作品，持全盘否定或全盘肯定都是错误的，因为任何古人的作品也不是十全十美的，所以我们临摹古人作品，首先要选者较好的稿本进行临摹，因为一个稿本往往也
2 不是每个方面都好，例如笔墨很好，但构图不佳等等，遇到这种情况，思想上要弄清楚，吸收时有所侧重就可以了。
在对我国两千多年以线为主要造型手段的学习基础之上，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出一定的品评标准，如南朝画家张僧繇提出：“笔才一二，像已应焉”、笔不用而意周”的观念，他画人物吸收了天竺的晕染法，形成了张家祥的风格特征，以谢赫《画论》中的六法为主要规范，超越形似追求传神的传统方法为后世绘画奠定了发展道路，这种追求神似和气韵的方法，就是中国画意象和写意的表现，在此基础上方可谈创作。
中国画的创作，从古至今强调“立意”。“立意”就是立下创作意图，有这个意，才能够考虑一系列表现手法问题。在整个绘制过程中，笔墨的运用，设色的意匠，构图的安排乃至格调的要求等，无一不是从这个“立意”派生出来的。例如,古人画松树，有人取其刚正不阿的挺拔气势，有人强调它四季常青，冬夏如一的气质，有人喜欢把松树表现成冒雪顶风的“勇士”„„画荷可以把它画得浓郁丰茂，可以画得淡雅清幽，可以画得富丽鲜艳，也可以画得水墨淋漓„„同一松树，同一荷花，为什么画起来有这么大的不同呢？这主要是由于“立意”不同，作画如同作文，要有所感而发，所谓“发吾所受”就是说画家把生活感受变为“意”，然后再去“发”。
“立意”不是凭空设想出了的，是需要从生活中感受出来的，生活是艺术创作的源泉，感受、发现、品味、选择升华生活，是中国画创作不可缺少的，只有我们被生活所感动，才能激发我们的灵感，创作出独具艺术特色感动别人的好作品。艺术作品要有“物”有“我”，有“客观”也有“主观”，是主客观的统一。这个主客观统一的艺术形象就是“意境”。“意境”是我国绘画创作思想中的一个关键问题。
我在长期的绘画创作实践中，对中国画创作中的写意特点的精神作用，心性作用，性格作用，以及个性特点的体现都有一些心得。但对先立意后作画，意在先笔在后的创作原则越来越感觉到了一种束缚，故此对中国画的创作一直遵循的
3 “意在笔先”的指导思想产生了怀疑。我也查阅了古代的一些相关画论，认真阅读了一些传世画家的作品资料，我认为，“意在笔先”与“笔在意先”的任意性、自由性更强，对情感的发挥，情绪的投入，个性的展现会更加充分，。用“意在笔先”为指导思想进行创作的画家，一般都因“意”的束缚而使画欠生气，因为“意”而出现了无论是题材、画法、还是个性特点千篇一律的雷同现象，因为此而代代相传，使中国画的发展进展缓慢，有时甚至因后人抄袭前人而停滞不前。“意在笔先”给中国画的创造上了一把枷锁，束缚了画家情感的自由发挥，也束缚了中国画笔墨方法的不断演进和发展，更束缚了中国艺术精神的不断升华。
中国画的写意的提出很有道理，强调了一个“写”字，“意”字是写出来的。先“写”而后出“意”。而何为“写”？，怎样“写”？是有规矩的写，还是放浪形骸的写，这个问题大家的意见是一致的。要无拘无束的写，要放情的写，要写出性格，要写出情趣。长期的创作实践，使我悟出了一点，即无形放笔，直抒情怀，然后寻找意趣理性整理，完成构图。处使作画，只是线条电墨，追求纯形式之美，其笔所下，根本无“意”，横涂竖沫，全不经意，而墨色的浓淡干湿，线条的长短虚实，其淋漓痛快，酣畅自然，不经易而自然成趣，时或偶的奇效，往往出手意料之外。在这样的笔墨基础上渐而整理出画面之中朦胧欲见形象，附上其意。此时往往一组线条，一组笔墨，既可变成梅，又可画成松，既可画成鹰，又可变成石，可择其优而作之。无绳墨之矩，无形象所缚，笔之到处，其意自成，岂不妙哉。
郑板桥题出竹有言：“其实胸中有之竹，并不是眼中之竹也。固而磨墨展纸，落笔倏作变相，手中之竹又不是胸中之竹也。”这自然是一个由眼到胸到手的一个转换过程，若再加上宣纸的渗化性能则胸中之竹到纸上又大打折扣。既然如此，则“意在笔先”何存？又讲什么“意在笔先”者，定则也“岂不前后矛盾。”郑板桥何尝未能想到这样一个问题，他早就提出了“意在笔先”的意思，他说：“文于可画竹，胸成有竹，郑板桥画竹，胸无成竹。浓淡疏密，短长肥廋，随手写去，自尔成员，其神理具足也。”他所讲的“胸无成竹”其实是“意在笔先”。只是他
4 本人并没有真正做到“意在笔先”。
清代张庚有《浦山论画》，在“论气韵”中讲道：“何谓发于意者，走笔运墨，我欲如是而得如是，若疏密，多寡浓淡干润，各得其当是也。何谓发于无意者，当凝神注想，流盼运婉，不意如是，而忽然如是也。谓之为足，则又无可增加。独得于笔性墨趣之外，盖天机之勃露也。”这里对“发于意者”和“发于无意者”进行了比较，孰长孰短，孰高孰低，张庚讲的很清楚。但我认为，发于无意者，连“凝神注想，流盼运碗”都不需要。
中国画在继承中发展和创新。随着近现代社会的变革，对中国画适应社会审美的需要提出了更高的要求，一是从西学出发，以西画作为参考对照得出的认识；二是从社会生活需要出发，从现实主义创作方法提出的要求，在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念以及继承民族绘画传统的文化环境中，出现了流派纷呈，名家辈出，不断改革创新的局面。中国画面对传承与发展，刘海粟提出要“发展东方固有的美术，研究西方艺术精英”，林风眼则主张“调和中西艺术，创造时代艺术，他调和中西，并吸取民间美术的质朴与刚健，形成自己意境深遂，形式新颖的独特风格。
从历史的角度我们可看到，实际上在每个朝代和每个时期，中国画都在发展和创新，都在适应这个时代的需要。不可否认，时代对中国画的影响是巨大的，而当下中国画的发展是不以人的意志为转移的，正随着时代的步伐挣脱以往较为统一的发展方向，呈现丰富的面貌，向着多元方向发展，这是一个不争的事实，也是中国画从传统向现代转型过程中所产生的必然现象。从长远来看，这种现象将会极大地丰富中国画的发展和创作内涵，使中国画艺术最终能成为东方文化的艺术代表，而与西方艺术共同辉煌于世界艺术之林。但就目前来说，这种现象也使得中国画以往的评判标准失去了作用，多元化的发展空前反而使我们变得迷茫起来，我们不知道应该怎样去发展。在这种状态下，我们的艺术家们应该站在更高的视点上，在这纷乱的艺术世界中守住自己的主张，否则就会在这五花八门、形形色色的潮流冲击下失去思辩的能力。
5 总结语
中国画的发展经历了千百年的历史，其传统博大精深，源远流长。早期以工笔画为主，唐以后工笔写意，文人画兴起并发展成熟。中国画发展的多个历史时期，为我们研究学习中国画的表现形式审美标准提供了大量的艺术精品和宝贵经验。它一直能够长久发展和不朽的艺术魅力在于他集中了中华民族传统文化的“意象”思维方式与“写意”的造型观，这是中国画发展的核心。
我们现在正处在一个瞬息万变的信息时代，在这个万事万物飞速发展变化的新时代，中国画家也必然会产生出新的思维、新的意识，其中包含着对文化的新认识，对艺术的新感悟，对生活的新体验，以及思维形式的新变化，这些都是促进中国画发展与创新的基本要素。中国画只有在这种新的变化之中，才能走出面前的困境，才能够使中国画的发展出现新的生机。这是中国画发展的需要，是历史的必然，只有这样才能代表一个中国画艺术的新时代。对中国画的发展而言，传统不能丢，但也不能死抱住传统不放，只有以辩证的态度面对新世纪的变化，才能创造出代表新时代的中国画艺术。中国画的创新，并不等于只是追求形式的变化，追求表现语言的创新，也不意味着要抛弃传统，抛弃艺术中那些恒久性的元素：人性、爱、和谐、永恒。新，关键要求作品要有时代感，，新的意义和气度。这才是当今中国画家为之努力的方向。
浅谈中国画的构图特点
浅谈中国画的构图特点
中国画是中国传统的绘画艺术之一，具有灵活多变的构图特点。浅谈中国画的构图特点，不仅能够让更多人了解中国传统绘画的魅力，还能够帮助我们更好地欣赏美术作品。
一、对称构图
中国画中对称构图占据着重要的位置。对称构图是指画面分成左右或上下的两个部分，在视觉上产生一种平衡感和整齐感。对称构图在中国传统绘画中的呈现方式非常多样，有左右对称、上下对称、轴对称等等。其中最常见的是左右对称和上下对称。在设计上，对称构图也经常用于表现正式、庄重的主题，比如宫廷画和宗教画等。
二、平衡构图
中国画中的平衡构图是指画面在视觉上的重心达到平衡。在不使用对称构图的情况下，画家可以通过巧妙地运用色彩、线条、形状等元素，来达到平衡构图的效果。平衡构图更多地体现了画家的审美能力和创作技巧。在平衡构图中，画面的重心不一定要在画面的中心，有时候画家会故意将重心放在画面的某个角落，达到视觉上的平衡，同时又能够呈现出独特的美感。
三、前后构图
中国画中的前后构图是指画面的前景和后景之间的关系。在前景中，画家可以加入一些细节，以提高画面的真实感和丰富性；而后景则可以体现画面的深度感和空间感。在前后构图的设计中，画家需要注意选择合适的线条和颜色，突出前景的重点，同时让画面的后景更柔和、更模糊，以突出前景。
四、透视构图
透视构图是一种可以让画面呈现出三维感的构图方式。在透视构图中，画家需要在画面中添加一些特殊的线条，以营造出真实感和深度感。透视构图的设计非常考验画家的技巧和审美能力，需要画家能够准确捕捉到物体的形状和轮廓，同时也需要画家在处理细节时有较高的敏锐性。
五、无中构图
无中构图是指画面没有中心点或中轴线的构图方式。在无中构图中，画家需要将画面各个部分的元素平均分配，以达到视觉上的平衡。无中构图在中国画中不常见，但是在一些现代艺术作品中，比如抽象画、现代主义等领域中很常见。
六、虚实构图
虚实构图是指画面中虚与实的关系。在虚实构图中，画家可以运用虚线、空间的拉长和短缩等手法，以达到画面虚实的平衡感。虚实构图在中国画中也常被使用，特别是在山水画中，画家通过精密的变化和处理，让画面呈现出五彩缤纷，富有层次感的效果。
走近作品——浅谈中国绘画赏析
● 张 同阿 星 艺 术欣赏既是教化和审美的过程，也是形象思维、创造思维开发和培 养的过程
。如今一些艺术院校特别是美术院校的学生，在注重实践
时往往忽略了理论方面的修养，尤其是艺术欣赏方面。面对名家名作无
所适从，不知如何去解读，体味不到名家的创作思想及艺术特色，也就
无从进行欣赏活动。本文以中国绘画为例，从中国绘画与中国文化的关 系入手，探求中国画的真正价值并谈谈如何对中国绘画进行赏析。
一、中国绘画与中国文化
艺术作品是特定时期思想、文化、道德、风俗、制度以及行为方式的
反映。解读这些文化现象的生发——绘画，不仅要从其思想意识上入
手，而且要将其放于社会的横向联系中，观察各种关系在绘画中的渗 透。赏析中国绘画，了解中国文化所孕育的绘画基本精神是首当其冲
的。 中国绘画是具有理性精神的，讲究内容与形式的协调，色法、墨色 的节律变化和统一，追求天趣。中国绘画在观念上侧重于抒情表意，重
写意而不重写实。“画意不画形”，“深于画者，得意忘象”是它的创作法
则。受“天人合一”哲学观的影响，画面呈主观世界与客观世界的统一，
追求“物”“我”合一的境界。中国绘画是精神性和表现性的绘画，是中国
艺术家对主客观统一的追求，形神统一的追求。因此，要想真正走进中
国绘画，得通晓绘画的历史和演变过程，了解中西绘画的不同，加强广
泛的艺术修养。
二、欣赏中国绘画应因材施“赏”
美术作品是视觉艺术，其欣赏方式是看。因此，要提高对美术作品
的欣赏能力，首先就得多看。怎样去看，究竟有哪些欣赏方法是可行又
比较立竿见影的呢？我觉得对中国绘画进行欣赏，必须进行分类，因材
施“赏”。 １、以内容为主的中国绘画，重其内容与历史
对一些以内容为主的、有故事情节或文学色彩浓的作品，必须对其
历史背景及内容有深刻的了解。例如，魏晋时期的绘画，就受玄学的影
响。魏晋时期，社会衰微，政权更替，国家解体。汉末腐朽经学束缚逐渐
被；中破，玄学应运而生。玄学不仅促进了逻辑思辨和理论探索，还是一
浅谈中国画的留白艺术
浅谈中国画的留白艺术
中国画除了讲究色彩笔墨之外，或多或少的还会留下一定的空间，称之为“留白”。“留白”是中国画独有的特色，能够体现出中国画所独有的艺术魅力。本文主要从留白的特点、意义等方面出发，论述了中国画留白的创作原则和艺术魅力。
标签：中国画;留白;艺术魅力
从我国众多的中国画作品中能够看出留白的艺术特点。留白是绘画者在绘画过程中特意留下的空白，也是中国画的特色所在，它通过无中生有、虚实结合的情境，充分展现了中国画所特有的艺术境界。
1中国画留白的特点
中国画在构图上不同于油画，也并不遵循黄金定律，但是却可以充分展现绘画者的情绪。而留白是中国画中所特有的一种表现形式，它可以和笔墨进行相互的渗透，展示出作品独特的魅力。中国画的绘画者主要想表达主观情绪，一般都是用最基本的符号来表达作品的内容，对于和主题没有直接关系的内容，通常都是直接删除，这样就产生了留白。但留白不等于空白，留白也是构图中非常重要的组成部分，它看似无形、其实有形，是一种能够充分表达意境的独特手法。随着艺术形式和内容的不断变化，中国画也在反应相应的变化，不断吸取西方绘画中的精华。而留白作为中国画所特有的内容，随着中国画的发展与变化，也要继续弘扬和发展留白的艺术魅力，使其不断应用到中国画中。
2中国画留白的意义
留白是指在画面中没有笔墨进行填充，就像是音乐中的休止符，通过留白可以突出画面的主体，提升画面的意境。例如，南宋画家马远在绘画中往往都是简单的几笔，画面中存在大量的空白，给人无穷的想象力，从而提升画的意境。留白在中国画中的应用有着较强的表现意义。首先，通过留白能够突出画面的主体，强调艺术形式，使画面中产生虚实结合的联系，对于留白之处，往往会使人引发联想，给人以想象的空间。其次，留白使画面更加清晰和谐，是艺术形象的重要构成因素，是一种虚化的处理方式和手段。再次，留白是整幅画的妙境空灵所在，能够使整个画面都得到一定的升华。留白能够充分体现出中国画的独特和文化精髓。最后，留白作为一种具体的表现形式，能够充分体现出画作的形式美，形式美就是绘画作品的生命之美。
浅谈当代工笔花鸟画画家江宏伟
浅谈当代工笔花鸟画画家江宏伟
当代中国工笔花鸟画出现和发展，为当代工笔花鸟画的发展提供了价值取径，相较于传统意义上的工笔花鸟画，当代工笔花鸟画可谓出现了基因的变化，但基于古老的传承，当代与传统之间又有着相似的家族特征。当代工笔花鸟画画家江宏伟推动我国工笔花鸟画进一步发展，本文就中国工笔花鸟画发展概况、江宏伟工笔花鸟画艺术特色和江宏伟对当代工笔花鸟画发展的影响和启示进行简要阐述。
1.中国工笔花鸟画发展概况
工笔花鸟画在我国历史悠久，魏晋南北朝时期工笔花鸟画就已出现独立发展的趋势，唐朝经济文化的繁荣兴盛和人们审美的变化，此时的花鸟画做为独立的画科登上历史舞台。五代时期花鸟画会话题材开始丰富，出现众多花鸟画家，主要是以“黄家富贵，徐熙野逸”为代表的两种风格流派。黄筌因是宫廷画家，所见多珍禽异兽，绘画手法细致写实，敷色细腻，绘画风格精丽典雅。徐熙绘画题材多为常见的鸟兽家禽，画面以线条墨色为主，呈现出野逸之风，因其二人师承、绘画题材和绘画风格等有不同之处，被称为“徐黄异体”。随后，工笔花鸟画在两宋进入鼎盛时期，设立宫廷画院，受儒学理论和当朝统治者的审美观的影响，花鸟画进一步发展了黄家绘画之风，刻画入微、注重写生，注重对花虫鸟兽的生长规律及结构特征表达与再现，宋代花鸟的发展为当代工笔花鸟画的振兴奠定了基础。元代废弃了宫廷画院，文人水墨画逐渐取代宫廷精细的工笔画风，至此，工画花鸟画逐渐走向衰落。
至现当代，冷战的终结改变了艺术世界的性质，中国艺术家也在此历史阶段出现在全球当代艺术舞台上，1990年代中国大陆开始出现“当代艺术”一词，这一时期，城市化成为中国社会经济发展的主要动力，既加速了社会的变迁，又使社会结构发生改变。随着改革开放，人们的价值观和审美观受到外来文化的冲击发生了巨变，创作理念、表现技法、图式结构等方面的变化使得当代工笔不同于传统工笔，由此工笔花鸟画步入当代并由衰转兴。江宏伟的工笔花鸟画创作在这一时期发挥着重要的作用，他在继承中国传统绘画的笔墨技法同时，又融入西方色彩美学于创作之中，其绘画创作兼有宋画的精丽典雅和西画丰富的色彩变化，画面古朴且诗情画意，又非常符合当代审美要求。可以说江宏伟的花鸟画创作是由古代向现当代的转化，使得当代工笔花鸟重新绽放生机与活力。
浅谈对中国画构图的几点认识
浅谈对中国画构图的几点认识
作者：杨培检
来源：《东方教育》2017年第04期
摘要：中国画在世界美术领域独树一帜，有着无法比拟的历史地位。要想创作出好的中国画作品，构图起着十分重要的作用，本文对中国画的构图，提出自己的几点看法，供大家参考。
关键词：中国画；构图；认识
中国画主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画，是中国的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分具象和写意。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认知。对于美术学习的学生来说，中国画绘画是必须要掌握的一门技能，了解和把握好中国画构图的内涵，对于中国画创作有着至关重要的作用。
一、中国画构图的理念
构图是艺术创作的基本环节，是画家展现艺术形象、体现个人情思、表现创作理念的重要手段。构图的英文为composition，名称来源于西方美术，有“构思于图”或“结构成章”之意，中国画随着西方绘画思潮、技法理念的引入，近现代绘画创作多将画面经营称之为“构图”，犹如文章构思立意间的结构组合与构架经营，是完成绘画创作的“总要和枢纽”。 中国画论里称构图为“布局，，“章法”，绘画创作的任何个体、局部形象都必须经过画家整体构思、立意、成象以及表现的全过程，其中的构思、立意即是构图。构思的精拙，立意的高妙，直接关系到一幅作品意境的高低。
绘画者为了更鲜明地表达事物的本质，通过对客观事物的提炼加工并加入自己的文化修养和情绪心态，构图就是这一过程的具体体现。在中国传统绘画中，为了达到某种艺术效果，画家会选择与自己心性相对应构图方式，因为阅历、气质、修养、环境不同，所以都有各自表达性灵的构图形式。
二、中國画构图的意义
浅谈现代中国画意象造型多元化表现之“抽象性”
襞如秀￡，商 开充 浅谈现代中国画 意象造型多元化表现之“抽象性” 口赵丽艳杨子勋 摘要：文章通过对传统中国画意象造型表现的阐释，探究现代中国画意象造型较之传统 中国画意象造型变化丰富的原因，根据现代中国画创作中的“抽象性”作品，对现代中国画意象 造型变化之一的“抽象性”表现进行整理和分析，论述现代中国画创作中的“抽象性”有别于西方 绘画的抽象表现造型艺术，成为现代中国画独有的一大特点，是传统中国画意象造型的发展和 延续。 关键词：现代中国画意象造型多元化抽象性 一、传统中国画意象造型的表现 １．传统中国画的观察方法 中国画的观察方法是既注重“应目会心”，又强调与观察对象 的“悟对神通”，将客观与主观相互交融的观察方法，与中国画在 传统人文观念影响下所形成的写意性艺术观是相对应的，是一种 意象的观察方法。意象观察方法强调观察透过客观的表象去捕 捉物象的本相——本来面目，它不只是单纯地观察物象，而是调 动全部的感受力和精神力量去触摸客观、体验客观，最终将观察 力变为物我两融、“天人合一”的境界，正所谓“外师造化，中得心 源”。 ２．传统中国画的构图、透视与空间 画家在创作作品时主观地将需要的情、景、物等安排在画面 之中，按照形式美原则，分类变形，再将客观物象做主观处理，进 行取舍，最后形成意象造型。中国画的散点透视是主观意象的一 种表现，即一幅画中有多条视平线和多个视点，故而既可对山“重 重悉见”，又可“见其溪谷间事”。中国画中的空间感构造并不是 如西方油画一样注重光影的烘托渲染达到写实的空间效果，而是 通过各种表达方式，如利用“空白”“虚实”、线的排列、笔墨的轻重 建构艺术空间感，由此中国画形成了独有的韵味——意象空间。 ３．传统中国画的用笔、用墨、用色 传统中国画讲究骨法用笔，以线造型，在用笔、用墨、用色方 面有比较传统的程式。笔墨的趣味变化、书法用笔入画成为传统 中国画崇尚的艺术特点，是中国画意象造型独有的标志。例如在 勾线方面，传统工笔人物发丝的勾勒线条的空隙较宽等，又如写 意花鸟画的墨竹、墨梅等艺术形式中对墨色的运用，注重“以少胜 多”“以形写神”“物我交融”。在用色方面，中国画不讲究光和阴 阳，颜色的使用也有很传统的顺序和程式，这是传统中国画意象 造型的表现。 二、现代中国画意象造型向抽象性变化的原因 中外古代绘画都始于勾线，中国画以线造型，线条的平面性、 线条的粗细变化、线条的墨色深浅变化、线条的质感丰富性等为 现代中国画意象造型向抽象性变化提供现实基础。另外，中国画 意象造型受传统“人文”通达“天文”的精神影响，将客观物象做主 观处理，进行夸张和取舍，最后形成意象造型。其特征为朴拙、简 洁、新奇、粗犷等，是一种形武构成，其中代表创作者的情感隐喻 或精神的象征，是介于具象和抽象之间的造型艺术。传统中国画 发展到近代，其审美意识进一步发展，正如石涛在一首诗中写道： １４ “名山许游未许画，画必似之山必 怪；变幻神奇懵懂间，不似之似当下 拜。”“不似之似”“妙在似与不似之 间”等审美意识为现代中国画意象 造型向抽象性发展提供了营养丰富 的文化土壤。以上是现代中国画意 象造型向抽象性发展的内因。 中国画发展到近代，特别是改 革开放以后进入２１世纪，受西方的 现代绘画艺术以及现代绘画理论影 响，传统中国画造型艺术发生着重 大改变。西方现代艺术体系中的平 面构成、色彩构成等绘画理论对现 代中国画意象造型产生着微妙的影响。例如受康定斯基、蒙德里 安、克利、夏加尔、毕加索、米罗、达利、波洛克等艺术家作品的影 响，一部分现代中国画造型向抽象性方向发展，通过自由变化自 然对象的形态、尺寸、远近等方法，借助平面构成和色彩构成等形 式美法则，奇妙地融合了抽象与本能、必然和偶然，进而更加注重 抒发人的情感、观念和思想，是借物抒情，更注重表现个性的、精 神的、随性的、本质的美感。在全球文化大交融的今天，绘画材 料、绘画技法、绘画依托的媒介及收集素材和处理素材等方面向 多元化方向发展，为现代中国画意象造型向抽象性发展提供了无 限空间。以上为现代中国画意象造型向抽象性发展的外因。 三、现代中国画意象造型向写实性变化的表现 现代中国画创作在人物、山水、花鸟方面都有较明显的抽象 性变化。如李孝萱、刘庆和等画家的写意人物作品，人物造型在 注重人物的骨骼肌肉结构的同时进行相应的夸张变形，在空间、 颜色、透视上都运用了抽象性的处理方法。又如贾又福、韩敬伟 等的山水画作品在继承传统山水画笔墨方法的基础上融入平面 构成、色彩构成等形式美法则，注重画面的点、线、面的布局与分 割及颜色的对比，包括山水画中点景的作用都发生了改变，变成 画面中构成的一部分。最有代表性的画家吴冠中先生的绘画作 品及他的艺术理论——著名的“笔墨等于零”的观点，在艺术界引 起了轩然大波，他的中国画作品巧妙地利用不同质感、不同大小、 不同颜色的点、线、面之间的构成关系，使画面形成介于具象和抽 象之间。而就偏于抽象性的现代中国画特有的意象造型来说，诸 如此类的绘画作品与理论不断涌现。与西方绘画中的抽象表现 有本质区别的具有现代中国特色的意象造型，并非局限于客观物 象结构形态“表面”的夸张、变形，而是表现事物的本质美，融入特 有的情感寄托，是传统中国画意象造型的发展和延续。 参考文献： ［１］唐秀玲．重彩技法语言解析．江苏美术出版社，２００８ ［２］何楚熊．中国画论研究．中国社会科学出版社，１９９６ ［３］钟家骥．水墨画新论．人民美术出版社，２００２． （作者单位：佳木斯大学美术学院） 编辑
浅谈中国山水画
浅谈中国山水画
【摘要】中国山水画简称“山水”其主要以自然景观为题材的描述对象。形成于魏晋南北朝时期，到了北宋日趋成熟。明代董其昌将山水画分为南派与北派。中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，反而是长宽比例是”失调”的。但能够表现作者的情趣与意境。用笔方面讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感，常常以深浅来凸显物体的特点，达到浓淡相生相融，浓中有淡，淡中有浓，这就是中国画灵活用笔的方法。
【关键词】山水画 山水中国山水画以其独立的姿态登陆中国艺术舞台是在魏晋时期。社会需求的增长，江南大好河山的风光，以及玄学的兴起，都为山水画与人物画的分离做好了铺垫。山水画以自然风景为主要描绘对象。题材有风景佳胜、名山大川、城市园林、村野乡居、舟桥楼宇等。现今最早的山水卷轴画为唐代展子虔的青绿山水《游春图》。
至隋唐时期，大小李将军，即李思训、李昭道父子的青绿山水继承和发展了屉子虔一系的山水画，从而形成了我国山水画中具有特色的青绿山水画派。董其昌以禅宗的南北，将中国山水画分为南派和北派，北派山水画用笔工致严整，傅色浓烈沉稳，画面格局宏伟、堂皇华丽，装饰性很强，确立了山水画“青绿金碧”一派的风格面貌，李思训父子正是北派山水画的始祖。唐代后期，中国山水
画有了富于成果的水墨山水运动。南宗以王维为开山始祖，始用渲淡，一变勾斫之法。
到五代两宋时期，院体画正式形成，而院外的文人画也开始萌芽。院体画也称行家画，行家的追求功利，正如北宗的渐行，苦练细致但却缺乏灵气；而追求笔墨趣味的文人画，正如南宗的顿悟。
到了元代，山水画在画史上占据相当的地位。此时的文人体系正式宣告完成，文人画家追求笔墨风趣，也借此抒发胸臆。著名的元四家——黄公望、王蒙、倪云林、吴镇在画法上继承了赵孟頫的水墨山水，以水墨为主，加以诗文题跋，直接表现出作者的可闷心绪，南派山水在元四家达到鼎盛。此时的院体画逐渐衰落，董其昌的《南北宗论》崇南贬北也与禅宗如出一辙。
浅谈中国画创作的意境表达
浅谈中国画创作的意境表达
中国画是中国传统艺术的重要组成部分，它是中国人民长期生活和劳动实践的产物，承载着中国人对自然、生活和情感的理解和表达。在中国画创作的过程中，意境表达是其中一个重要的方面。意境是通过画面所抒发的情感或含义，它不仅包括作者的情感、心境，还包括了画面所要表达的主题和内涵。中国画的意境表达不仅仅是美的表现，更是一种思想的体现。
中国画的意境表达还强调画家对内心情感的表达。中国画家在创作过程中，往往会将自己的情感融入作品之中，通过笔墨和色彩的运用来表现出内心的情感和心境。比如在山水画中，画家会通过对山水的描绘来表达自己对自然的热爱和向往，以及对生活的感悟和感情。这种情感的融入使得中国画作品更具有人文情怀和审美价值。
中国画的意境表达还包括了对中国传统文化和哲学思想的体现。中国传统文化中蕴含着丰富的哲学思想和人文精神，这对于中国画家的创作有着深远的影响。中国画作品中常常可以看到对诗词、书法和传统绘画的引用和借鉴，这些都是中国画意境表达的重要组成部分。画家通过对传统文化的吸收和理解，使得自己的作品更具有时代感和深邃的内涵。
中国画的意境表达是一种综合的表达方式，它既包括了对自然的描绘和情感的表达，又包括了对传统文化和哲学思想的体现。在中国画的创作过程中，画家需要通过对自然界的观察、对内心情感的抒发和对传统文化的吸收，来实现意境的表达。这种表达方式既包含了具体的艺术技巧，又包含了抽象的思想境界，因此值得我们深入探讨和思考。
中国画意境的表达是一个深邃的课题，它既包含了观念境界，也包含了具体的表现手法。中国画家在创作时需要具备用笔墨和色彩捕捉自然的能力。中国传统绘画强调以“意态写生”，画家需要通过对自然界的观察和感悟，运用自由灵活的笔墨和色彩，描绘出自然界万物的气质和形态。只有这样，才能使作品充满生气和灵性，表现出丰富的意境。
中国画的意境表达还需要画家通过笔墨和色彩的运用，表现出自己的情感和心境。画家需要通过画面的布局和构图，以及用墨与水、深浅厚薄等变化来表达自己的情感和心境。这种情感的融入不仅使作品更具有个性和艺术魅力，也使得作品更具有观赏性和感染力。
返本开新—浅谈“复古”之于新时代语境下的中国画
返本开新—浅谈“复古”之于新时代语境下的中国画
随着时代的变迁，艺术也不断地在发展与变革，而其中一个很受关注的主题便是“复古”。复古，是指回归传统，寻找过去的美感和灵魂，将其融入当下的艺术创作中，形成一种既有传统美感，又贴近当代风格的新形态。
在中国画的发展历程中，也出现了一些复古的现象。如清代“四王”、“八大山人”等名家作品的再现，或是近年来有些艺术家的创作中，出现了强烈的复古风格。
在今天，当我们谈及“复古”之于中国画的语境下，也许可以从以下两个方面来探讨：
一、承传传统美学
中国画源远流长，其中蕴含着丰富的传统美学思想，如“意境、意蕴、意象”，“笔墨、枯骨、轻重”等。这些思想对于中国画的发展和创作至今仍具有很强的指导意义。
在创作中，艺术家们通过运用传统美学思想，不断地探索和提升自己的艺术表现能力，使得作品更加具有艺术性和韵味。例如，通过对传统山水画的研习和理解，艺术家们可以将传统元素与当代观念相结合，创作出既有传统美感，又有现代气息的作品。
二、开拓新时代的表现方式
随着社会的发展和人们审美意识的改变，艺术也在不断地变革和更新。在这个新时代的背景下，如何用当代的表现方式去承传传统，创造出符合时代需求的作品，是中国画发展的重要课题之一。
可通过对于新时代的审美与文化的渗透，探索更加符合当代视觉需求的表现手法。深挖文化内涵，融入现代元素，用更加新颖的表现方式去诠释传统艺术，这即为新时代语境下的中国画复古。
总的来说，中国画的复古之路仍需广大艺术家不断探索和尝试。在承传传统美学的同时，用开放的心态去接受新事物，创造出更加具有时代感和现代性的艺术作品，这是我们将要不断向前迈进的方向。
浅谈中国画的审美特征
浅谈中国画的审美特征
中国画，是中国传统文化中非常重要的绘画形式之一。它源远流长，已有几千年的历史，从先秦时期的壁画、绣品、木刻、铜质日用品等到唐宋时期的山水画、人物画、花鸟画等，再到现代的油画、水彩画等，中国画一直为人所喜爱和推崇。那么，中国画的审美特征是什么呢？
一、“诗、书、画”三者相融
在中国传统文化中，诗、书、画被称为“文人三绝”。“诗者，志之所之也；书者，形之所形也；画者，神之所神也；诗、书、画三者所表现的都是人的内心感受、心灵体验和意境印象，它们通过对于意境的刻画来达到表现手法的自由化，这也是中国画的鲜明特点之一。
二、艺术手法自由
中国画不像西方绘画那样近乎一成不变的画法，而是在表现手法方面要求非常高的自由化。对于水墨运用、色彩处理、笔法表现等，都具有很大的自由空间，可以体现出不同艺术家的风格和特色。中国画很重要一方面是因为它能够把现实世界非常完美的转化为虚幻形态，表现出非常自由、流动和丰富的神秘性。
三、强调“有境”
中国画从山水画到人物画，都注重表现一种清新、自然、深沉的意境，对于中国人所钟爱的精神世界，不过一种聚焦而已。这也是中国画审美特征的核心，即“有境”。通过艺术家的艺术表现，旨在营造出一个充满神秘、自然、安稳和平静的境界。
四、笔墨手法的独特性
中国画最为独到的地方是笔墨的运用，笔墨的变化、丰富程度可以掌握一张画的味道和艺术品位，而且针对于不同的题材、特点或风格、场景，快笔慢笔的运用也寓意着不一样的艺术阴影。
五、题材广泛
在题材方面，中国画也非常的广泛，从山水画、花鸟画、人物画、风景画到历史画、民间画等，几乎涵盖了人们生活的各个方面。它可以表现具体的事物和形象，也可以表达抽象的情感和氛围。因此，中国画成为我们特有的艺术文化珍品。
总体来说，中国画最为珍贵的还在于它可以渗透到中国文化中，具有独特的文化韵味和内涵，更重要的是它有着独特的审美特征。我们不仅能够从中领悟到中国绘画的精髓，还可以更好的了解中国人的审美观念和价值态度。