试论中国画色彩之美
一、中国画色彩语言的特点中国传统绘画作为一种线性绘画形式，其主要通过笔、墨、绢、纸等绘画工具刻画线条，在传神写照、追求神韵的同时，向欣赏者展现作品的气韵。受我国传统审美思想中蕴含的儒、道等传统哲学思想的影响，线作为画面的主要组成元素，在中国画创作中发挥着不可替代的作用。而色彩作为画面的语言表达形式之一，具有独特的魅力。1.色彩进行情感的传达色彩对于艺术家而言，是内心的体验、情感的表达，在绘画艺术中具有重要的作用。画家无论是站在关注生命状态的角度，还是站在崇拜生活、热爱自然的角度，色彩都是生命与生活中的重要元素之一。同时，色彩自身也具有内在的情感，并能够通过刺激人们的感官使人们感知到。如，当人们处于灰心、失望、消极的状态下，灰暗色的环境会使人不自觉地产生心灵上的共鸣，进而导致情绪进一步消极；暖色调的环境则可以有效调节人们的消极状态。这种特性是画家在传达画面情感时可以充分利用的。2.充分利用墨的浓淡之色经过数千年的发展，中国画所追求的宁静致远的意境，通过其独有的色彩语言表现得淋漓尽致。中国画的色彩是通过笔墨的浓淡展现的，具有独特的韵味。中国画表现的色彩是一种广义上的色彩，黑色、白色是色彩表达最重要的手段之一，这种表达方式能够体现出一种“无声胜有声”的效果，也将中国画的色彩充分地展现出来。墨是中国画创作的基础工具，也是中国画不可缺少的元素之一。唐代张彦远在《历代名画记》中言：“运墨而五色具。”“五色”有着不同的说法：有人认为指焦、浓、重、淡、清；有人认为指浓、淡、干、湿、黑；也有人加上“白”成为“六彩”。这些说法都表达了墨色的丰富变化。3.色彩具有意象性充分重视主体对于客观对象的感受，是艺术家在创作过程中关注的重点之一。艺术家在绘画创作过程中，通过强化主观意念的方式，将所要表达的意境、情感表现出来，追求画面韵律。艺术家运用主观思维进行色彩的组织加工，通过作品表达情感、展现状态，这种以人为本的表现手法，是中国传统绘画重要的表现方式。二、中国画的色彩之美1.色彩之美是中国画形式美的重要组成部分相比于西方油画，中国画的色彩设置较为单调，但具有极为震撼的艺术表现力。究其根本，是中国画线条的勾勒、敷色、烘染复杂多变，笔触的浓淡、疏密、粗细千变万化。从表面上看，墨色较为单调，但其变化后显得较为复杂且耐看，这正是中国画独特艺术美的优势所在。这种矛盾统一协调的变化关系，满足了人们在视觉上对审美感的追求。如，《唐人宫乐图》展现了宫廷女性的姿态，画中人物围坐在一张方桌旁，姿态各异，有的品茗，有的行酒令，中间四人在吹乐助兴。方桌周围站立着两名侍女，其中一人击打拍板，为吹乐者打着节拍。画作中人物神态陶醉，从侧面展现了音乐的优美。从用色上看，画面以黑、白、红、褐、石绿等色为主，虽然实际运用的颜色较少，但画面显得丰富、艳丽。2.色彩之美是艺术家主观情感表达的重要载体色彩之美不仅是客观事物在运动过程中体现出的一种重要属性，也是一种符合规律的周期性变化的运动方式。这种美不仅存在于现实生活中，而且会随着人们心理情感活动不断变化。色彩通过刺激人的感官，使人产生生理变化，进而使人的心理活动随之发生变化。艺术家在运用艺术作品中的色彩之美时，不仅使整个画面出现了规律性的运动变化，也充分展现出其内心的思想情感，从而使欣赏者在情感上与艺术家产生共鸣。结语中国画的色彩之美是中国画一种独特的语言，在绘画创作中发挥着至关重要的作用。因此，加强对中国画用色精髓的研究，对于中国画的发展而言具有重要的意义。
参考文献：[1]马媛媛.中国画色彩基础教学改革的探索.艺术教育，2017（23）.[2]徐立新.传统中国画色彩的当代审美.艺术科技，2017（7）.（作者单位：北京中国画创作研究院）见习编辑缪健编辑杨婷试论中国画色彩之美
□钟伦理摘要：中国画在我国的传统文化中具有举足轻重的地位。从中国画的艺术表现上看，其色彩千变万化，具有丰富的表现力，为中国画艺术情调与艺术风格的构成奠定了良好的基础。人们的色彩审美观随着时代的发展而不断变化。随着色彩在中国画创作中的应用范围越来越广，中国画体现出的色彩之美，作为绘画语言形式的重要组成部分之一，显示出无与伦比的艺术魅力。该文针对中国画的色彩之美展开分析。关键词：中国画色彩
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论传统中国绘画的色彩观念
THE WORLD OF CHINESE PAINTING AND CALLIGRAPHY
2010年1月号 总第137期
82文/ 路 琼 内容提要：本文从绘画理论和创作两个方面，论述了色彩在传统中国绘画中的重要性，并以绘画品评中的“随类赋彩”为中心考察传统中国绘画中所特有的色彩观念，指出色彩在传统中国绘画中超越物类色彩的伦理观念，进而剖析了色彩与水墨在传统中国绘画发展历史进程中互为进退的交替过程。关键词：传统绘画；随类赋彩；色彩观念；水墨论传统中国绘画的色彩观念
相对于中国绘画研究中的水墨问题，色彩的问题却没能受到人们应有的重视。考察中国绘画发展的历史，我们方知，中国绘画的色彩问题远较水墨、笔墨等问题为早，并且曾经是中国绘画创作和品评中的一个非常重要方面。从绘画创作方面来说。在中国古代，中国画又叫作“丹青”。唐代诗人杜甫就在《丹青引赠曹将军霸》一诗中写道：“丹青不知老将至，富贵于我如浮云。开元之中常引见，承恩数上南熏殿。凌烟功臣少颜色，将军下笔开生面。”[1]可见中国画本来是很重视色彩的。从历史遗留物来看，远在石器时代的彩陶上就已经有了较为复杂的色彩，而战国时期和西汉时色彩斑驳的帛画、辽阳棒台子汉魏墓壁画如《车骑图》等，更是运用了朱、赤、黄、绿、白、赭、黑等多种色彩，可谓是五彩缤纷；隋代展子虔的重彩青绿山水《游春图》，唐代称为“大小李将军”的李思训、李昭道父子金碧辉煌的山水画，以及五代黄筌鲜艳夺目的花鸟画等，都是历代流传下来的中国绘画重视色彩的有力证明。传统中国绘画在不断的实践中形成了异常丰富的色彩系统，以至于到明代杨慎时提出了“画家有七十二色”说法。[2] 而从绘画品评而言，东晋顾恺之在其具有第一部划时代意义的、被誉为中国第一部系统的关于中国画创作和品评的理论—“六法”论中，就把“随类附彩”作为其中的法则之一提出来。“随”，当为“隋”，古代两字通用。隋，《说文》《广韵》均解释为裂肉，引申为“分”，“随类”就是“分类”。同时，“随”又可以解释为顺、依，“随类”也就成为依据不同的对象而进行归类的意思了。[3]“随类附彩”就是要求作画时依据所描绘对象的“类”来填充颜色，用颜色将不同“类”的物象区别开来。这里所说的“类”，一方面是指事物的自然属性，而另一更为重要的方面则是，将描绘物象先验地赋予其社会的、伦理的观念，然后依据对象的社会属性和被赋予的伦理意义对之进行赋色。中国绘画的色彩被赋予社会和伦理意义，至迟可以上溯到春秋时期的孔子。《论语》中就有这样的记载：“子曰：‘君子不以绀饰，红紫不以为亵服。’”[4]“子曰：‘恶紫之夺朱也，恶郑声之乱雅乐也，恶利口之覆邦家也。’”[5]这些论述都是色彩伦理化的具体体现。中国绘画色彩之用的这种特点，自有其历史文化和哲学的土壤。先秦的儒学，将理性引向现实的日常生活、伦理情感及政治观念之中。于是在色彩认知上就表现为这种对色彩的主观性格和伦理观念予以肯定：“子夏问曰：‘“巧笑倩兮，美目盼兮，素以为绚兮”。何谓也？’子曰：‘绘事后素。’曰：‘礼后乎？’子曰：‘起予者商也，始可与言《诗》矣。’”[6]在缣帛上施加彩绘的美丽女子之形象，之所以美，是因为这个形象统一在素色之中，以此比喻“礼后”。认为仁是礼节仪式的思想内容，礼节仪式是仁的外在表现，即强调外在的表现形式必须从属于内在的思想观念，重视的是正常情感的感受与理念的结合，而不是认识模拟功能，把中国画对色彩的处理引向带有主观性的表现轨道，在理论上则演化为谢赫“六法”中的“随类赋彩”说。这样一种要求，就使作画者不能单纯地模仿自然物象所呈现出来的表面色彩，更要求画家必须对丰富的客观世界的色彩进行高度概括，而这一要求和实施过程的本身就为主观心灵活动的审美选择既赋予了很大的空间，又创设了很大的限制。最典型的例子莫过于明代的戴进创作《红衣垂钓》的遭遇了。“一日在仁智殿呈画，文进以得意之笔上进。第一幅是《秋江独钓图》，画一红袍人垂钓与水次，画家惟红色最难着，文进独得古法之妙。宣庙阅之，廷循（谢环）从旁奏曰：‘此画甚好，但恨鄙野耳。’宣庙扣之，乃曰：‘大红是朝廷品官服色，却穿此去钓鱼，甚失大体。’宣庙颔之，遂挥去馀幅不复阅。”[7]中国绘画色彩的逐渐边缘化经历了一个与水墨此消彼长的过程。以汉代的墓室壁画为代表的“汉画”出现以后，传统中国绘画的色彩就朝着不同的方向发展，一个主要的方向就是注重线条和墨色的表达而运用浅施薄染的手法。而汉画所展示的趣味则成为一种传统，成为一种带有中国本土文化性质的传统而被唐宋时期出现的文人水墨画家所继承。晋画融入了许多西域画和域外佛教画的语汇，形成了所谓“积色”和“敷色”语言样式，初步奠定了中国传统绘画的色彩体格，唐画则是对晋画这一格法的进一步完备。而正是在这进一步完备的同时，传统中国绘画的色彩也呈现出衰败的初端。可以说，唐宋时期是中国绘画色彩与水墨发生深刻变革的时期，作为主流绘画，色彩绘画被水墨画所替代，特别是“安史之乱”的发生和“两税法”的实施，中国传统文明整体上由盛而衰，中国传统文化精神也由昂扬、激越、外拓、健康爽朗转为低沉、萎靡、内省和孱弱。无疑，后一种精神土壤更适合于以清淡、玄虚为特点和旨归的水墨画的成长和发展。水墨的发展在初唐花鸟画中偶尔尝试之后，便在盛唐山水画中全面展开。这种“水墨之变”实质上就是中国绘画色彩逐渐“撤退”和水墨渐次“前进”互为表里的过程。在互为此进退的过程中，绘画理论对于两者的态度也发生着变化。如果说初唐朱景玄《唐朝名画录》中将李思训推举为“国朝山水第一”[8]，还是当时色彩的山水占据着主流画坛格局的反映的话，那么，到了晚唐张彦远的《历代名画记》中，擅长破墨山水的画家张则更受推重。其中所论“草木敷荣，不待丹碌之采；云雪飘扬，不待铅粉而白。山不待空青而翠，凤不待五色而彩。是故运墨而五色具，谓之得意。意在五色，则物象乖矣。”[9]，可以将《历代名画记》视为第一部为水墨画张目的著述。传统绘画色彩的失落贯穿了整个唐宋时期并不因为朝代的更替而终端或改变方向。经过五代到宋，绘画中的色彩继续沿着唐代的方向进一步从主流位置上失落，特别是当唐代时还处于萌芽状态的“勾斫”法发展成为“皴法”当唐代时还主要是兰叶描的“描法”已形成多样的线条样式，当渲淡式的“破墨”发展成为各种墨法的时候，绘画色彩也就从它最后一块阵地退出，水墨画从此成为传统中国绘画的主流。在水墨、色彩交替过程中，理论也开始对色彩的主体地位产生疑问，并建构起以水墨为中心（下接第84页）Copyright©博看网 . All Rights Reserved.THE WORLD OF CHINESE PAINTING AND CALLIGRAPHY2010年1月号 总第137期84最容易给人一种随便涂抹的错觉。细细品读就会发现粗头乱服之中，笔墨嵌接非常严谨，笔致非常讲究，粗放而不粗率，看似漫不经心的点画完全在画家的操控之中。当然，每一笔都在计算之内的写意人物画是不可想象的。画家在落笔之后必然是随势生发，因势利导的。画的过程中有很多偶然因素会出乎画家意料之外，比如情绪波动，材料不称手等，这时候就要考量画家才能和修养等综合素质了。这种情况最具挑战性：要么功亏一篑；要么一幅佳作问世。这也是写意人物画魅力独具的地方。上文从笔要“写”，形要“写”，情绪也要“写”来谈，但为什么要“写”呢？我想是因为我们骨子里“道”的哲学思想在主导着我们的审美。“道”将纷繁复杂的宇宙万物归结为简明的“阴”“阳”两个字。“一阴一阳谓之道”。书法和中国画里面黑色的墨与白色的纸分别指向“阴阳”，一黑一白，一阴一阳。这就使得写意人物画在技术上力求简，材料上也求简。中国画在材料上 “简”到排除诸色，只用“水”和“墨”。与此相应的技术方面必然以“简”为指归，“简”到只用一个“写”字，形态上“简”到一笔不多一笔不少，甚至“一笔不可移易”的最纯粹的状态。画家凭借对技术技巧的驾驭，用最简单的工具，用最为简省的笔墨，表达丰满的人物形象，传达最丰富的情感。“负阴以抱阳”是写意人物画的整体观，而“写”是激活“阴”“阳”的枢纽。中国画讲究一幅画就是一个独立自足的小宇宙，画中的任何部分都须放在整体中观看，不能割裂。画中形象是画的部分，画中的空白同样是画不可分割的部分。“无画处皆成妙境”，“计白以当黑”，“虚实以相生”，“当其无，有之用”，都足以说明历代画家对“负形空间”（无画处）的重视。当蘸墨的笔点向素洁的白纸时，随着“写”的时间和空间动作，牵引着“阴”“阳”交互转换，“黑”“白”开始流动起来了。一幅画中充分“激活”了画面空白部分，才能让人觉得圆融饱满，有“画外之想”。“写”是“技”，也是通向“道”的津梁。综上所述，写意人物画是通过“写”来主导造型。“写”是造型的途径，也是完成造型的方法，在“写”的过程中表达画家对生活的体验，传承“写”的精神。我们把握住“写”这条主线，不论是整理画家个案、探讨风格演变、梳理画史，还是解答被弄得玄而又玄的“气韵”等问题，都可以清晰地发现它的脉络。在艺术多元的今天，锻炼造型的方法手段也从单一的书法造型训练变得多样，素描，速写，油画，水彩画等等都可以成为有效的造型手法。在多元化了的艺术环境里再重新认识“写”的意义就变得很特别了。我以为只有坚持“写”的精神，立定了“主心骨”才谈得上广采博收，丰富和发展写意人物画。参考文献：[1]芥子园画谱[M]．北京：人民美术出版社．[2]苦瓜和尚话语录[M]．上海：上海书画出版社．[3]吕凤子．中国画法研究[M]．上海：上海人民美术出版社，1989．[4]张安治，寿崇德著．中国画家丛书之吕凤子[M]．上海：上海人民美术出版社，1988. [5]潘修范．中国画家丛书之梁楷[M]．上海：上海人民美术出版社，1988. [6]孙祖白．中国画家丛书之米芾米友仁[M]．上海：上海人民美术出版社，1982.[7]陈金陵．中国画家丛书之罗两峰[M]．上海：上海人民美术出版社，1981. [8]黄宾虹画语录[M]．上海：上海人民美术出版社，1978.[9]张彦远．历代名画记[M]．北京：人民美术出版社 ，2005． [10]陈滞冬．陈子庄谈艺录[M]．郑州：河南美术出版社，1998． [11]刘墨．书法与其他艺术[M]．沈阳：辽宁美术出版社 ，2002．[12]巫鸿．美术史十议[M]．上海：上海三联出版社，2008． [13]林木．明清文人画新潮[M]．上海：上海人民美术出版社，1993 ．[14]钟跃英．气韵论[M]．上海：上海人民美术出版社，2000． [15]邱振中．笔法与章法[M]．上海：上海书画 出版社，2003． [16]沃兴华．书法技法通论[M]．上海：上海人民美术出版社， 2001．[17]许洪流．技与道—中国书法笔法论[M]．杭州：浙江人民美术出版社，2001 ． [18]浙江美术学院研究生论文选[M]．1991． 作者系南京艺术学院美术学专业中国画人物方向研究生在读的理论架构。荆浩的审美价值观应该说是延续了张彦远的“运墨而五色具，谓之得意”论调的。如果说谢赫的“六法”还是对当时的色彩绘画作为言说的对象的话，那么，荆浩在其《笔法记》中所提出来的“六要”是对当时日渐其盛的水墨画创作法则的总结。荆浩的“六要”用“墨”代替了谢赫的“随类赋彩”。这里的“墨”，按照荆浩的说法“高低晕淡，品物浅深，文采自然，似非因笔”[10]，实质上就是运用不同浓淡的晕染来体现出表现对象的阴阳凹凸的一种表现方法。它与“虽依法则，运转变通，不质不形，如飞如动”[11]的“笔”构成了中国绘画“笔墨”的初始内容。这个侧重于技法的初始内容的绘画“笔墨”观后来进一步发展成为中国绘画的一种极为重要审美标准。到了成书于宋熙宁七年的郭若虚的《图画见闻志》中，“笔墨”的概念的历历在目自然也就顺理成章了。[12]由此可知，中国传统绘画的色彩与水墨系统的交替，是一个历史的发展和演进的过程，不了解这个过程，就不可能正确地了解中国绘画色彩的特点，也就不可能正确地理解它独特的审美追求和表现规律，其后果之一，便是像有些论者一样轻率地指责中国绘画色彩的所谓不够丰富和缺乏视觉冲击力，在经意不经意中贬损了我国传统绘画色彩语言的价值，从而也就不利于中国绘画事业的革新与发展。本文提请关注中国绘画的色彩问题，其出发点和最终用意也正在于此。注释：[1]佚名．宣和画谱[M]．（卷十三）文渊阁四库全书本．[2]（明）杨慎．丹铅摘录[M]．（卷三）文渊阁四库全书本．[3]陈绶祥．六法辨析[M]/遮蔽的文明．北京：北京工艺美术出版社，1992：377-392．[4] [5] [6]论语·乡党[M]/论语译注．杨伯峻．北京：中华书局，1980：99,187,25．[7]陆深．俨山外集·春风堂随笔[M]．文渊阁四库全书本．[8]朱景玄．唐朝名画录[M]/美术丛书．（二集第六集）黄宾虹，邓实．（编）北京：北京古籍出版社，1996：20．[9]张彦远．历代名画记[M]．（卷二）北京：人民美术出版社，1964：26．[10] [11]荆浩．笔法记[M]/美术丛书．（二集第六集）黄宾虹，邓实．（编）北京：北京古籍出版社，1996：16，16．[12]此书中所用“水墨”一词达11次之多。郭若虚．图画见闻志[M]．北京：人民美术出版社，1964．卢辅圣．（主编）中国书画全书[M]．（第一册）上海：上海书画出版社，1993：465-496．作者系广西艺术学院中国画学院在读研究生约稿、责编：秦金根（上接第82页）
浅论中国山水画意象色彩表达
浅论中国山水画意象色彩表达
哈尔滨理工大学艺术学院/孙鹏昆靳玉海
摘要：中国山水画意境悠远、博大精深，在画面境界追求和个性表达上，色彩发挥了至关重要的作用。山水画家到大自然中去感悟山川河流，对大自然氤氲景象有了深刻体悟与领会，再通过高度凝练的意象色彩予以表达，它是情深意切的情感传达，是人与自然的和谐统一，体现了“天人合一”的哲学思想。本文通过对古代和现代经典山水画作品的色彩分析，阐述中国山水画意象色彩表达。关键词：中国山水画意象色彩自然山川
中国山水画意境悠远、博大精深，已经有一千多年的悠久历史。从古至今，画家在山水画境界追求和个性表达上，色彩发挥了至关重要的作用。中国山水画的色彩运用受中国传统文化的影响，抒情达意，寄托胸怀，形成了具有民族文化精神的意象色彩。中国山水画的意象赋色，是以意设色，得其精神，不描摹其客观之色，依据画家对大自然氤氲景象，对自然界峰峦的深刻体悟与领会，通过高度凝练的意象色彩予以表达，它是发自肺腑、情真意切的情感传达，是风雨明晦、烟云雾霭、四时变幻、充满生机的大自然和画家主观情思的交融互渗，是客体自然和主观精神的融合。中国山水画创作中，无论施以丹青之色，还是用水墨晕染，都是传神写意抒情的意象色彩，是画家个人艺术修养体现和主观情感的表达。中国山水画家在游走自然山川，体验意象万千的世界，用心灵感悟朝阳夕暮，峻岭深岩，幽泉秀谷，林木苍郁，烟岚隐现，体悟自然造化神韵的过程中，通过对自然山水色彩的观察，总结出山水画赋色之精髓。清代唐岱在《绘事发微》中也说:“春山艳冶而如笑，夏山苍翠而如滴，秋山明净而如洗，冬山惨淡而如睡。”这是画家观察自然后，使其悟化于心再进行提炼，画家对自然山川的色彩不是真实的描绘，而是画家心灵迹象的自然流露，是自我人格的真实再现。山水画设色最大的特点是———依物象原有的颜色，与笔墨相结合，加以主观意象的发挥。例如北宋范宽的《溪山行旅图》(如图1)，巍峨的高山耸立于画面的顶端，山势雄伟，山顶树木茂盛，葳蕤葱茏，山谷中瀑布飞流直下，泻入深山之中，山下烟林掩映，奇石嶙峋杂树丛生，老树枝干粗壮，盘根错节，显然生于坚硬的岩石间已饱经风霜。亭台楼阁隐约可见，一队商旅在山脚下缓缓而来，驴背上驮着货物。画面色彩淡雅，笔力坚挺，主要用墨渲染，墨色凝重、浑厚，沉雄的笔墨塑造
国画中梅兰竹菊的审美探析
国画中梅兰竹菊的审美探析
梅、兰、竹、菊被称为中国画的四君子，是中国传统文化中的重要元素之一，在中华文化中占有重要地位。用梅兰竹菊表现自然之美、人生之意，以及写意、抒情、意境等美学价值，深受人们的喜爱和推崇。本文将从审美角度对梅兰竹菊的艺术价值、审美风格、形态特征以及文化内涵等方面进行探析，并进一步剖析其在中国画中的审美意义。
一、梅兰竹菊的艺术价值
1.艺术价值
梅兰竹菊作为中国画的重要题材之一，具有浓郁的文化内涵和卓越的艺术价值。梅花傲雪的美、兰花清新的美、竹子挺拔的美、菊花朵朵的美，这些富有韵律美的元素都表现了中华民族深厚的审美情趣和审美追求。此外，在中国文化传统中，梅兰竹菊也带有丰富的象征意义，是中国文化中反映情感和精神文化的重要符号。因此，从审美的角度来看，梅兰竹菊的作品往往具有极高的艺术价值。
2.文化价值
梅兰竹菊在中国传统文化中是极具代表性的艺术元素，它代表了中国的审美传统、文化符号和人文精神，更代表了中华文化韵味。梅花象征着坚韧与刚毅，也可以表达清高寂寞的情感；兰花则具有清雅、高洁、远逸、寂寞之美；竹子则是遵循自然美、智慧美、道德美，具有百折不屈的精神；菊花则是代表忠臣、孝子、节操等君子品质。这些都反映了中华文化的僧侣精神。 二、梅兰竹菊的审美风格
1.笔墨风格
梅兰竹菊在中国画中是很特别的一种题材，它讲求的是写意、抒情、意境等审美风格，一是要强调笔墨概拆，通过表现寥寥数笔的在枝头或涧底的梅、兰、竹、菊，删繁就简，以极简的笔画表现极高的艺术要求，也说明了中国画笔墨的独特世界；最好的作品通常都是通过暗淡质感或淡墨山水技法表现在画布上，展现出独具一格的全新世界。
2.色彩运用
在色彩方面，梅、兰、竹、菊的色彩搭配不是很繁琐，要求简洁明快、清新、优雅，通常是以清冷的黑白为底色，点染适度的蓝紫、黄绿等浅淡的颜色作为点缀。色彩运用的关键是要注重明暗效果，强调天然白而结合层次变化提高深浅的区分，而增加画面的立体感和空间感，使画面产生强烈的视觉冲击力，墨色简洁而丰富，韵味深长。
中国画的艺术审美特征
中国绘画有数千年的历史，古人通过不断探索实践，成就了很多绘画理论著作和绘画技巧，这也给中国艺术带来不一样的审美特征和创造美的源泉。中国绘画以谢赫“六法论”，即“气韵生动”“骨法用笔”“应物象形”“随类赋彩”“经营位置”“传移模写”，来奠定绘画的理论基础，其中“气韵生动”是中国绘画中极为重视的理论。自然景物是真实的存在，从对象化中间独立出来，但所表达的是一种虚的气韵，是流动的精神心境。“虚实相生，无画处皆为妙境”，中国画以笔墨、形式、点线、虚实的情景交融，形成心灵与自然合一的心境才是艺术美学最为灵动的审美[1]。一、中国画的线条之流动中国画不同于西方艺术，是一种线性艺术，更多是线条支撑起来的，对比西方油画可以看出，西方油画用颜色的碰撞形成自然线条，注重对立体感的表达，而中国画的线条是故意描画，故意强调，在平面感的基础上更为纯粹，更为概括，更为提炼，注重线条语言的塑造，复杂景象中的取舍和裁剪，线性绘画有着背景留白、突出画面主体的特点[2]。人物画的线条，被中国绘画理论家总结为“十八描”。东晋顾恺之的《女史箴图》的局部线条就是高古游丝描，以流动之美的线条刻画衣服纹理和形体，构成一幅生动的画面，以线来表现性格与姿态，有着自己生命的情调，与西方立体描摹有很大不同。谢赫“六法”中的第一个“气韵生动”，“气韵”是指具有律动感，有韵律和节奏感，“生动”是鲜活、热烈、有生气的，画中的“气韵生动”更多是流动、写意、飞舞的生动，有着生命的节奏韵律感，不仅是中国画的绘画理论，更是一个美学的范畴。线条的描绘到了宋元时期的山水画和花鸟画发展得更加成熟生动，例如北宋范宽的山水画《溪山行旅图》里面奇石的线条表现形式与之前有所不同，其以各种类型抽象的点和具有象征性的线条进行描绘，使画面有种苍茫蓬勃之大气。中国画的线条离不开中国的笔墨，中国书法和绘画的技法有很多相似之处，很多线条在书法中也可以找到对应的参考。由于对物象刻画的感受契合了特殊的技法，中国画的线条更多追求真、美，有着独特的时代特征和审美精神。二、中国画的留白之虚实中国的艺术讲究虚实结合，留白手法的运用能够更好地创造艺术意境，中国画中的留白不是空白，而是以虚带实，以实带虚，以形传神，无形中有形，具有空间感，具有形式美感又会有真实感，协调画面，使画面虚实结合，是中国美学的重要原则，也是哲学探寻的重要问题。在唐代周昉的《内人双陆图》中只有人物没有任何背景，但观赏者可以看出人物与人物之间有着重要的联系，靠的人物神态动作产生的，绘画者给观众留下了想象空间。在书法中也讲究留白，在平面上运用一定的章法巧妙地连接纵列和每一个字。留白在中国山水画中出现居多，可以说是画家有意为之，用留白表现缥缈的雾气，表现水和天空等，使画面更具有想象空间，更有意味，有种笔不到而意到的效果，不需要刻意表现，结合每个人不同的内心世界和情感，所产生的艺术魅力也不尽相同[3]。“化景物为情思”，以留白空灵感映射心灵深处的精神世界，虚实结合，情景交融，把客观真实化为主观表现，主客相互照应。这样的绘画作品更具有生命力，让观众有空间去想象发挥，也是中国画的高妙之处。三、中国画的色彩之神韵中国画虽然讲究用墨，但色彩的重要性也是不可忽视的，是绘画的重要语言形式之一。在历史的长河里色彩所带来的情绪表达也是非常重要的，能够渲染视觉效果，很多中国古代陶瓷、雕塑、漆画、壁画、国画都会利用色彩来渲染画面。中国绘画在唐宋以前一直以色彩为主流表达，很多矿物质颜料出现在漆画、帛画、壁画中较多，唐代画论家张彦远对这一时期的绘画评价道“上古之画，迹简意淡而雅正”，赋色艳丽。如唐代张萱的工笔人物画《捣练【中国美术研究】中国画的艺术审美特征殷严宗芳摘要院中国古代绘画所传达的美学思想和艺术意境都带有民族性袁突破了自然与形式主义袁有着中国的独特的形式表达袁这种特色通过很多学者深入不同的生活环境创作出不同艺术形式袁学习了各种绘画理论和美的哲学袁对比西方哲学美学和辩证的思维模式而总结出很多关于中国绘画的艺术特征遥文章对中国古代绘画中艺术线条之流动尧艺术留白之虚实尧艺术的色彩之神韵尧中国画的艺术意境进行探析遥关键词院中国画曰审美特征曰艺术意境曰艺术审美
传统花鸟画色彩美对当代中国画色彩观念的启示
传统花鸟画色彩美对当代中国画色彩观念的启示
作者：关武军
来源：《美术界》 2012年第12期
TEXT / 关武军
作为绘画的色彩其实是一个很抽象的概念。所以西方出现了印象派和印象派的色彩。一个观念的改变会产生如此巨大的革命，而在一个习惯的背后却可以窥见一个民族的文化哲学。中国传统花鸟画对色彩的运用就体现着一个民族长期的文化选择。当代中国画色彩观念的形成也恰恰建立在这样的民族文化基础之上。
一
传统中国花鸟画的用色有着最贴近自然的特点，也最能够显示出中国画的用色技巧和色彩表现习惯。早在彩陶时期出现的花鸟彩绘就显示出古人对色彩认识，也标志着对色彩的艺术运用的出现。我们从出土魏晋南北朝时期大量墓室壁画中都可以看到以鸟禽、花卉、蔬果为题材的作品。用我们现在解读绘画作品的习惯可以看出，此时的花鸟画色彩带有一定的装饰性，也可以认为是一种程式化的赋彩，是根据一定的习惯规则来赋色，这种习惯性的色彩表达来源于劳动，是劳动中对自然现象的观察总结，它不求色彩繁杂艳丽，是在生活劳动过程中慢慢形成的程式化表现语言，可以说，程式化的色彩使用方法是传统中国画的重要特色之一。南朝谢赫在“六法”中提出的“随类赋彩”⑥就是中国画用色之法的总结。
花鸟绘画发展史清晰的阐释着中国画色彩运用观念的演变；隋唐时代的花鸟画以线造型法度严谨，色彩表现富丽用色单纯精致。《宣和画谱》记载中唐时期边鸾善画折枝花鸟，设色精细鲜艳，下笔轻利；唐末刁光胤的花鸟画造型缜密，精于赋彩。这种设色方法一直发展到五代，出现了“黄家富贵，徐熙野逸”⑤的审美分野。“黄家富贵”黄筌的作品多取材于宫廷珍禽、奇花怪石，其画法造型精微更着重于色彩运用，设色上富贵华美，浓艳的色彩富丽堂皇和画面特有的艳丽气息，容易使人产生富贵的感觉，当代很多寻求华贵之气的艺术家都从此处找到渊源。同时代的徐熙注重以墨代彩的表现，他以墨分五彩为法，尚墨，色彩辅之，色不掩笔，笔不碍色，墨迹与色彩互不遮盖，追求笔墨旨趣和朴实淡雅的“野逸”之风，为笔墨在中国花鸟画的运用和表现上的发展奠定了基础，当代很多画家都追求士大夫文人画中笔墨的格调，并视其为正统。
浅谈中国画的色彩观
具备了新语境。由于纤维艺术家们 在艺术创作中表现出超越传统规范 的新理念、新形式、新工艺，故而极 大地丰富与发展了２０世纪的造型艺 术。 在回顾２０世纪的纺织艺术历程 中，笔者常常想起西方艺苑宿儒桑 塔耶娜在 美感 一书中曾阐发过的 那句著名话语：“假如雅典的巴特农 神殿不是大理石筑成，王冠不是黄 金制造，星星没有火光，那它们将是 平淡无奇的东西。”在此，一代美学 宗师就材料对艺术造型的深刻影响 之肯定态度不言而喻。当我们面对 由千姿百态的纺织材料创作而成的 那些品貌温馨、别具匠心、美仑美奂 的现代艺术作品时，如此的感受也 会应运而生。在现代造型艺术的发 展史上，正是由于出现了一批毕加 素、三宅一生、克里斯托式的藐视成 规、勇于探索的艺术家，致使与人类 物质生活息息相关的纺织材料才被 赋予了崭新的精神内涵，其特有的 质地之美及独特的工艺制作方式也 受到举世瞩目。总之，纺织材料同造 型艺术于２０世纪的珠连壁合，其意 义不仅仅在于创立一种新的视觉艺 术表现形式，更重要的是在于人们 从中体味到了一些蕴涵，以及生活 在“钢筋水泥丛林”中的现代人久以 疏远的那份脉脉温情，这也是纺织 品艺术在上个世纪于造型领域能够 大行其道、令人刮目相看的真正根 由。作为纺织品艺术工作者，我们笃 信在新的百年里，伴随着科技的日 新月异带来的纺织材料的丰富多彩， 艺术家创作思维的日臻成熟以及人 们对生活品质的高诉求，承载着人 类诸多美好的愿望的纺织品艺术定 将前途广阔。 肖彬 （北京服装学院服装系讲师） ４０ ２００２年总第１ ９期 在世界绘画发展史上，中国画 以鲜明的面貌，形成了独一无二的 绘画体系。其中最能体现这种独特 性的因素之一，便是对于黑白色彩 的应用。黑和白的绘画形式不仅体 现了中国画独特的择色观，也构成 了中国画的某种本质和精华所在。 纵观中国绘画的发展历程，黑 白的绘画色彩观念并非在初始如此， 在我国上古，就有绚丽和素淡的画 风之分。这一点，历代画论中也有评 述。如明代画家文征明在 衡山论画 山水 中即述：“吾闻上古之画，全 尚设色，墨法次之，故多用青绿，中 古时变浅绛、水墨杂出。故上古之画 尽于神，中古之画人于逸，均之各有 至理，未可以优劣论也。”。如果将绚 丽和素淡的画风以时代概分，唐代 以前无疑是中国画色彩绚丽的主要 时期。如青绿山水、金碧山水等可谓 为中国画色彩发展的高峰。其主要 面貌是色彩在黑色轮廓线围成的各 种空间中争妍斗丽，画面呈现一派 绚丽斑斓的色彩景象，丹青这个代 表色彩的词完全可作为此时期中国 画的一种代称。而素淡的画风是从 唐代开始，并直至宋、元、明、清。 这一时期可谓为是墨驱逐色的时期， 各种灰色的墨色取代了诸多色彩的 位置，整个画面被统一在黑、白、灰 的无彩体系中。虽说这两段时期在 造型上的共同特征主要还是由墨线 来完成，但差别是前者为轮廓线内 由华丽斑斓的色彩来描敷填充；而 后者是黑从轮廓线向内扩展，直至 水墨几乎完全驱走了色彩。 要充分认识色彩在中国画里由 波峰渐渐滑 波谷的现象，仅凭中 国画使用笔、墨、绢、宣纸等这样一 些工具和材料的特性来研究；或纯 粹从绘画、从色彩的狭隘角度来解 释其原因是远远不够的。从唐代王 维泼墨作画起，到元代以后文人画 的不断成熟，历代画家们便以黑色 作画，通过借助水的稀释作用，使墨 色分解呈浓淡、枯润等效果，又利用 纸的本色，使墨色呈现在白底之上， 不仅致使中国绘画最终形成黑白水 墨一科，而且一旦产生，便世代相沿 不断，并成为中国绘画的主流。此种 现象确实奇特之至。为什么中国古 代画家对大干世界斑斓缤纷的色彩 视而不见，并大刀阔斧地删繁就简， 只选择单一色彩去表现万千物类。 这种重墨尚黑的传统，究竟源于什 么？分析这种择色观是困难和复杂 的，因为作为一种绘画艺术，一种绘 画美学思想，或者一种绘画形式的 形成，都是一定社会历史时期、民族 文化体系的产物，它的产生、发展、 除经济因素外，是同上层建筑中政 治、哲学、宗教、艺术等因素相交的 产物，而绘画美学思想同哲学、宗教 的关系更为密切。潘天寿先生说： “东方绘画之基础，在哲学”；徐复
美术欣赏：中国画的特点与艺术价值
美术欣赏：中国画的特点与艺术价值
一. 介绍中国画
中国画是中华民族传统文化的瑰宝之一，具有悠久的历史和丰富的艺术底蕴。它以墨、水、色为主要材料，通过笔墨渲染和意境表现来描绘自然风景、人物形象以及抽象主题。
二. 特点
1. 笔墨情韵
中国画重视线条的运用，以自然线条勾勒形象轮廓，注重表达器物与自然界间的联系。同时，挥洒墨汁也是表现独特情感和氛围的重要手段。
2. 色彩意蕴
尽管采用水墨为主要材料，但中国画并非单调无彩。它注重在有限颜色上进行变化和运用，并通过多个不同层数的水彩混合使色彩更加鲜明和丰富。
3. 境界超越
中国画追求“神似而不拘泥于形似”，力图通过极简而意味深长的表现方式传递更多含义。它强调观者对作品的联想和共鸣，通过笔墨和构图来营造意境和氛围。 4. 经典主题
中国画经常描绘自然景观、花鸟虫鱼以及人物肖像等主题。这些主题体现了中国文化中对大自然和人类生活的独特关注，同时也反映了传统美学的重要价值观。
三. 艺术价值
1. 文化遗产
中国画是中国古代文化的重要组成部分，代表着中华民族独特的审美观念和艺术表达方式。作为文化遗产，它承载着悠久历史与丰厚文化底蕴，并与中国传统音乐、诗歌等形成了密切的互动。
2. 艺术创作
中国画给艺术家提供了广阔的创作空间和丰富的表现形式。它不仅追求形象的真实性，更加强调情感、意境以及自由发挥。艺术家可以通过细腻灵动的笔墨表达独特内涵和个人风格。
3. 古今传承与创新
尽管中国画有着悠久的历史，但它并非停滞不前。在传承古典技法与主题的同时，艺术家们也结合现代元素进行创新，使中国画在当代艺术中保持活力和美感。 4. 艺术收藏与交流
中国画在艺术市场中一直受到广泛关注和热爱，成为众多收藏家追求的对象之一。通过展览、拍卖等方式，人们可以欣赏高质量的作品，并将其作为文化交流的桥梁。
四. 结论
中国画作为中华民族独特的艺术形式，以其独特的表现手法和丰富的内涵赢得了广大观众和收藏家的喜爱。它不仅代表了中国传统文化的精髓，还承载着深厚的历史积淀和人类情感表达。无论是其特点还是艺术价值，都使其成为全球范围内备受推崇与尊重的艺术形式之一。
浅谈中国画的审美特征
浅谈中国画的审美特征
中国画是中国传统美术的代表之一，在中国文化的发展中占据了重要的地位，具有丰富的审美特征。本文将从山水画、花鸟画、人物画三个方面来探讨中国画的审美特征。
一、山水画
山水画是中国画中最具代表性的一种，它通常描绘的是山水景观，但不仅限于描绘自然环境，更是一种对人类精神境界的表现。在山水画中，常见的审美特征有：
1. 用墨浓淡变化来表现山水的高低，远近和质感。画家追求准确的墨色变化，以表达山水的灵气和艺术韵味。
2. 运用“虚实”手法来表现空间和深度感。画家善于利用虚实关系来表现山水的深度和气息。
3. 讲究“意韵”和“气韵”，通过自然景观的再现来表达自己的感受和思想。山水画重视表现画家的才情和思想感悟，使得画面有更深刻的内涵和精神内涵。
二、花鸟画
花鸟画通常是指用笔墨来表现花卉、鸟类等小动物的美丽形态和生活情趣的一种绘画。花鸟画的审美特征有：
1. 追求精细写实的表现手法。画家要通过丰富的笔墨技巧和细致的表现手法来表现花鸟的细节和形态。
2. 和谐的色彩用法。花鸟画在色彩的运用上强调色调的和谐和色彩的嫩雅，以营造一种自然、清新、优美的画面效果。
3. 把握生命的脉搏，表现生命的韵律。画家要注意描绘花鸟的生命力和生命的韵律，表现自然之美的同时也表达出对生命的敬畏之情。
三、人物画
人物画是对人物形象的描绘，它是中国画艺术中最具代表性、最具表现力的一种形式。其审美特征有：
1. 追求具体生动的形象表现，突出人物形象的神韵和个性特征。画家必须掌握人物的神态、情绪和动作，通过细致入微和准确的表现手法来表达人物的精神内涵和形象特征。
2. 讲究构图的规律和按比例的关系。画家要注意人物的比例、空间关系和距离感的表现，以使画面更加合理、生动和美观。 3. 强调历史文化的表现和美学的价值。人物画强调人物形象的历史性和文化性，以及美学价值的表现，体现中国传统文化的博大精深和人文精神的价值取向。
中国传统民间美术的色彩观念
39Fashion Color人文
叶子Ye Zi江苏食品药品职业技术学院 江苏 淮安 223001Jiangsu Food & Pharmaceutical Science College, Huaian Jiangsu 223001The Color Concept of Chinese Traditional Folk Art中国传统民间美术的色彩观念
摘 要：色彩是中国民间艺术的一个重要构成因素，它能让人产生视觉上的愉悦，而色彩的搭配又能增加民间艺术的魅力，从而推动了民族艺术的发展。但我们必须清醒地认识到，民族艺术的色彩很大程度上受我们民族传统文化的制约，而外在环境的作
用也是巨大的。我国民间美术表现出鲜明的社会主义文化特征，并始终遵循着传统色彩的象征含义。从传统民间美术色彩的象
征性、传统民间美术色彩的视觉审美等角度，全面地剖析和理解民间美术色彩的观念，希望能为广大继续进行艺术创作的民间
传统艺术爱好者提供一定的借鉴。
关键词：传统文化；视觉审美；民间美术；色彩观念；象征性
Abstract: An important component of Chinese folk art is color, which creates visual pleasure, and the matching of colors adds to the charm of folk art, thus promoting the development of national art. However, we must realize
soberly that the colors of folk art are largely governed by our traditional national culture, while the role of the
external environment is also enormous. Our folk art shows distinct socialist cultural characteristics and always
中国绘画的风格与审美特征
中国绘画的风格与审美特征
中国绘画是中国文化中的重要组成部分，也是世界美术史上独特的表现形式。它源远流长，渊源流深，自成一体，独具特色。中国绘画的风格与审美特征深受中华文化的影响，历经千年不衰，成为中国文化的重要代表之一。
第一部分：中国绘画的发展历史
中国绘画的发展历史可以追溯至新石器时代，当时的绘画主要是用雕刻和刻画的方式表现。随后，随着青铜器和陶器的出现，绘画也逐渐发展出特有的风格和形式。在西周时期，绘画已经成为宫廷和贵族文化的一部分。秦汉时期，绘画技艺不断提高，且取得了很大发展。唐代，以李白、杜甫等著名诗人诗句为题材的中国绘画达到了巅峰。宋元时期，绘画更多地强调自然、清新、雅致的特点，成为中国绘画发展的重要时期。明清时期，中国绘画的门徒制逐渐形成，门徒的技艺不断提高，中国画的发展也保持着持续的趋势。现代中国画则逐渐走向世界。可以说，中国画的发展历史就是中国文化发展的缩影。
第二部分：中国绘画的风格
中国绘画的风格独特，它不同于西方绘画的明暗法、透视法、色彩法等，而是更注重笔墨、线条、造型等技法，更强调画家的个人感受和创意。它强调意境、氛围和符号，总的来说，中国画具有线描清秀、色彩含蓄、用笔流畅、意境深邃的特点。
首先，中国绘画的线条十分特别，用线描绘形体，线条的粗细和厚薄十分讲究，能够表现出画家对人物形象的理解和感悟。其次，中国画注重笔墨，通过用墨粉勾画出非常逼真的人物形象和物象形态，同时又往往能够以极少的笔墨勾勒出深邃的情感或者意境。另外，中国画最出名的风格就是色彩含蓄，其本质就是：隐含的美。再者，中国画有一个很大的特点——空白。在中国画的空白之中，“有岁月的沉淀和情思的升华”。
在表现形式上，中国绘画更多地强调自然、清新、雅致的特点。比如山水画，往往表现出崇山峻岭、清流瀑布和浓浓的云雾，这一切都是为了表现画家所想所感，保留下一些不那么精确的细节，这正是中国画的特色。
第三部分：中国绘画的审美特征