谈中国画的传统色彩美学和现代色彩意识
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中国画的发展中，需解决出现的一系列问题，理解中西绘画上色彩对话的问题，让当代中国画承担必要的责任，由于中国画在色彩发展上有自己的地位和特色，也取得了较高的成就，所以要在长期实践中形成独具特色的艺术美学观点。
一、中国传统画的色彩美学
中国绘画发展史中，最先看到的是新石器时代的陶纹，然后西汉时期马王堆有了自己的色彩画，这是色彩画开始的雏形，接着就是中国绘画史上的敦煌艺术，这是古今大观，其高超的绘画技巧让人叹为观止。完美结合墨与色，将艺术用最富有表现力的色彩描绘出来，运用墨彩和墨色绘制出绚丽的图案，不仅影响着我国的绘画色彩历史，更是影响着世界的绘画色彩历史，成为世界发展时尚用之不竭的艺术财富。中国的传统绘画被称为丹青，由于色彩是绘画的主体，因而在中国美学上面有着卓越的成就，代表中华文化的精髓。 ---------------本文为网络收集精选范文、公文、论文、和其他应用文档，如需本文，请下载--------------
---------------本文为网络收集精选范文、公文、论文、和其他应用文档，如需本文，请下载-------------- 我国在南北朝时期，文化艺术达到昌盛时期，中国的绘画，尤其在色彩方面得到极大的发展，其中具有代表性的有谢赫的《画品》以及刘勰的《文心雕龙》，这两部作品详细描述出色彩的相关内容，《文心雕龙》讲述人的心境随着物体颜色变化，产生相应变化，也就是说为什么看着红色喜庆醒目，看着蓝色安静祥和，另外也强调在色彩调弄中，需要配合自然本色，根据客观的物象做颜色绘制，进而达到应目会心的效果。
唐朝后期，墨色为主的水墨画得到进一步发展，也就将重墨和轻色看成另外一种美学发展形式，到达宋元时期，就形成崇尚水墨的主要绘画形式，它将色彩看成可有可无的地位，将绘画中神韵、描摹看成其它从属地位，因而这一时期的绘画变成黑白这两大颜色。文人画家能够创造出文人画的艺术形式，但是没有重视彩绘艺术形式，因而在这一时期中国的传统就是文人画为代表，而色彩丰富的民间画作就变成上不得台面的底层画作。
明清之后，文人画的地位被逐步削弱，艺术家们想要复兴民族艺术，所以认真研究学习东方与西方艺术，将西方的写实画融合到东方的写意画画内，创造出大批色彩斑斓的画作。例如张大千的山水画就有着硬性洒泼的感觉，东西文化的兼容，让两者在兼容并---------------本文为网络收集精选范文、公文、论文、和其他应用文档，如需本文，请下载--------------
---------------本文为网络收集精选范文、公文、论文、和其他应用文档，如需本文，请下载-------------- 济中形成新的艺术流派，超越古人更启迪今人，为中国画作史提供更广阔的发展前景。在70 年代中期，黄永玉一批青年画家，受到前人的启迪，在融合西方艺术构图的前提下，让造型语言结合色彩规律，形成中国民间艺术的新造型形式，在发展中融合中国色彩中水墨合一的态势，意象造型中，加入艺术家独具匠心的追求，多类表现手法的运用以及材料技巧的融合，将西方的“阳光”引入东方的水墨中，让中国的画作不仅保有民族特色，更具现代意识。
二、传统美学的现代意识
(一)现代中国色彩学的发展
改革开放后，中国画是民族艺术的精神象征，在与外界交流中形成新的文化认同形式。艺术作品的内容以及形式都不能局限在固有的范围内，要运用新的表现形式，单纯的画面效果让人的思想受限，不能更好地抒发出自己的情感，由于目前的审美更广阔，空间性更好，因而通过色彩的表现，成为情感表现的基础。
(二)东西方文化中的融会贯通
在中国古典风景画中更注重的是在风景画中融入自身的感受，表达出深远的意境，绘画者们追求的风景画最高境界是神韵深远，而不要求太像客观真实的---------------本文为网络收集精选范文、公文、论文、和其他应用文档，如需本文，请下载--------------
---------------本文为网络收集精选范文、公文、论文、和其他应用文档，如需本文，请下载-------------- 风景;而西方的绘画风注重写实，在现代艺术发展阶段，中国风景画逐步融合了中西优势，在中国传统文化神韵和意境之下不断更新艺术花样，既体现出西方绘画的科学性，也服从了中国传统民族绘画所彰显的精神。
目前风景画的创作在符合东方审美情趣下更加富有创新精神，超越了大自然主观抽象和客观的表现而又不脱离意境的表达，融入了绘画者自身的情感和审美情趣，体现了中西风景画完美的结合，例如绘画作品《月下玉龙山》、《山》、《荷》均充分展示了中西融合风格。
色彩不仅仅在传统的中国风景画上是重要的元素，在西方风景画中更是被重点关注的元素，在目前中西方结合的风景画创作中，合理的色彩可体现出不一样的效果和魅力。色彩搭配既具有一定的规律，又蕴含着创新的形式，可表达出多种内涵形式，满足东方审美情趣的需求，更可以满足视觉和思想上的震撼审美，赋予风景画创作恰当的艺术特征。
(三)色彩是绘画语言的活跃构成形式
色彩在绘画语言中最为活跃和丰富，能够发挥出色彩的情感，因而在绘画中色彩不仅被看成艺术的表达形象，也能被看成是色相、明度和纯度的变化形式，---------------本文为网络收集精选范文、公文、论文、和其他应用文档，如需本文，请下载--------------
---------------本文为网络收集精选范文、公文、论文、和其他应用文档，如需本文，请下载-------------- 尤其在对比中能形成不同的心理效应，被诸多的视觉主体关注，更能变成引人入胜的艺术魅力，所以其功能表现性是任何语言都无法比拟的，也是人类所愿意接受的。东方文化中的含蓄，将画作内涵隐藏在黑和白之间，也体现出太极的两个境界，黑与白，但是西方文化的引入，人们似乎更喜欢这种色彩张扬的表达形式，所以西方色彩的流入给中国色彩空间营造全新的理念，给中国画一个表现空间。
结语
色彩的表现形式具有多样性，可以利用色彩弥补笔墨上的不足之处，将传统文人的纤弱之情重现，无论是强烈或者是柔和，都能打造出清新亮丽的画面表达形式，因而也就更具时代发展气息，中国画也就更具时代性。由于中国画体现出中国的文明，因而要保有传统画作中的各类元素，并且借助中西合璧的方式，融合中西绘画要素，在学习中逐步渗入，从形式、方法上极大地增强艺术表现形式，拓展传统的中国画。
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中国画的留白艺术探析
中国画的留白艺术探析
【摘要】
中国画的留白艺术是中国传统绘画中一种重要的艺术手法，通过留白的运用，使画面更具韵味和空灵之美。留白在中国画中起源于古代绘画，表现形式多样，包括空白处的处理、色彩运用和线条表现等。留白不仅仅是一种审美表现，更是一种神韵和意境的营造，给人以深远的思考和美感。在不同画派中，留白的应用也有所不同，但都体现了中国画的独特魅力和审美观念。随着时代的变迁，现代中国画对留白的运用也在不断变革，呈现出更加多样和创新的形式。综合起来，中国画的留白艺术是中国绘画文化的重要组成部分，对中国画的发展和传承具有深远的影响和意义。
【关键词】
中国画、留白、艺术、探析、起源、表现形式、意义、画派、应用、变革、现代、结论
1. 引言
1.1 中国画的留白艺术探析
中国画的留白艺术是中国画中一种独特的表现手法，它通过留白的运用，将空白的部分与实物形成对比，使得作品更显灵动美感。留白不仅仅是一种审美手法，更是中国传统文化中对空间、时间、情感的理解和表达。在中国画中，留白常常被用来表现出一种超越物质的精神境界，传达出一种含蓄的意境和情感。通过对中国画中留白艺术的探析，可以更深入地理解中国绘画传统的精髓，感受中国文化中蕴含的深刻内涵。留白艺术在不同的画派和不同的时代中呈现出不同的风采，但其核心意义始终未变，即通过空白的表现形式，达到对画面的精神寄托和审美追求。在现代中国画中，留白艺术也在不断创新和变革，为中国绘画注入了新的活力和魅力。通过对中国画的留白艺术的探析，可以更好地理解中国画的深邃魅力和独特韵味。
2. 正文
2.1 留白在中国画中的起源
留白在中国画中的起源可以追溯到古代中国绘画的传统。在古代中国绘画中，留白被认为是非常重要的艺术手法，被称为“白描”。白描是指在绘画中通过留出空白的部分来突出主体，增强画面的美感和视觉冲击力。这种留白的技巧最早可以追溯到先秦时期的竹、木刻画中，艺术家们通过处理线条和留白的比例关系，创造出了独特的美学效果。
浅谈中国传统绘画构图对现代油画的影响
文史艺术２０１３年１０期（上）
浅谈中国传统绘画构图对现代油画的影响
王洋宋艺雯
（郑州轻工业学院易斯顿（国际）美术学院河南郑州４５００００）
摘要：本文通过对中国传统绘画构图的论述，探讨了其对现代油画创作的深刻影响，以更好的推动现代油画的创作。
关键词：中西方绘画构图形式物象位置经营安排现代油画构图及表现的多元性
中国传统绘画，是中国传统文化宝库中
的瑰宝，例如：中国画、中国传统年画等等
是许多人温馨的记忆，也在我们每个中国人
的心里深深的扎着根，但是随着时间的推移
和传统绘画的变迁，他们正慢慢淡出我们的
视线，中国传统文化需要在不断传承中发 展。所以我将借鉴中国传统绘画中的构图形
式应用到现代油画中，“构图”是绘画艺术
的专用名词，它是指画家在有限平面里，对
自己所要表现的形象进行组织和安排，形成
整个平面物象或空间位置的特定结构。通过 这样的艺术加工和构成，取得恰如其分的艺
术效果，使画面更加生动有说服力，籍以实
现艺术家的表现意图。有时候我们除了借鉴
国内外油画大师的作品的构图方法外，另外
需要结合中国传统国画和年画的构图特色 创作出符合自己画面的构图。当我们翻阅大
量各个时期的绘画艺术资料时，就会发现有
许多有价值的构图信息会隐藏在绘画作品
中，或者在为绘画作品做准备的创作草图
里，为了理解艺术家们在绘画中的奥妙，我 们通常从他的构图研究起。在绘画实践中，
重视感觉的成分往往多于对其理性的推断
和思考，这里的“感觉”是实实在在地画家
的综合修养，也是画家的一种独特敏感性，
而艺术性的构图基础恰恰建立在视觉直觉
之上，画者独有的敏感性和绘画艺术处理手
法。
中西方绘画构图在审美根源上的差异：
西方绘画把自然、宇宙、艺术因素都作为探
讨研究的对象，因而产生了光学、透视学、
色彩学等专门的学问。西方绘画构图就更加
倾向于比例、秩序等科学的研究和理性的分
析。“最求真实性”是西方构图审美的核心。
中国画的艺术审美特征
中国绘画有数千年的历史，古人通过不断探索实践，成就了很多绘画理论著作和绘画技巧，这也给中国艺术带来不一样的审美特征和创造美的源泉。中国绘画以谢赫“六法论”，即“气韵生动”“骨法用笔”“应物象形”“随类赋彩”“经营位置”“传移模写”，来奠定绘画的理论基础，其中“气韵生动”是中国绘画中极为重视的理论。自然景物是真实的存在，从对象化中间独立出来，但所表达的是一种虚的气韵，是流动的精神心境。“虚实相生，无画处皆为妙境”，中国画以笔墨、形式、点线、虚实的情景交融，形成心灵与自然合一的心境才是艺术美学最为灵动的审美[1]。一、中国画的线条之流动中国画不同于西方艺术，是一种线性艺术，更多是线条支撑起来的，对比西方油画可以看出，西方油画用颜色的碰撞形成自然线条，注重对立体感的表达，而中国画的线条是故意描画，故意强调，在平面感的基础上更为纯粹，更为概括，更为提炼，注重线条语言的塑造，复杂景象中的取舍和裁剪，线性绘画有着背景留白、突出画面主体的特点[2]。人物画的线条，被中国绘画理论家总结为“十八描”。东晋顾恺之的《女史箴图》的局部线条就是高古游丝描，以流动之美的线条刻画衣服纹理和形体，构成一幅生动的画面，以线来表现性格与姿态，有着自己生命的情调，与西方立体描摹有很大不同。谢赫“六法”中的第一个“气韵生动”，“气韵”是指具有律动感，有韵律和节奏感，“生动”是鲜活、热烈、有生气的，画中的“气韵生动”更多是流动、写意、飞舞的生动，有着生命的节奏韵律感，不仅是中国画的绘画理论，更是一个美学的范畴。线条的描绘到了宋元时期的山水画和花鸟画发展得更加成熟生动，例如北宋范宽的山水画《溪山行旅图》里面奇石的线条表现形式与之前有所不同，其以各种类型抽象的点和具有象征性的线条进行描绘，使画面有种苍茫蓬勃之大气。中国画的线条离不开中国的笔墨，中国书法和绘画的技法有很多相似之处，很多线条在书法中也可以找到对应的参考。由于对物象刻画的感受契合了特殊的技法，中国画的线条更多追求真、美，有着独特的时代特征和审美精神。二、中国画的留白之虚实中国的艺术讲究虚实结合，留白手法的运用能够更好地创造艺术意境，中国画中的留白不是空白，而是以虚带实，以实带虚，以形传神，无形中有形，具有空间感，具有形式美感又会有真实感，协调画面，使画面虚实结合，是中国美学的重要原则，也是哲学探寻的重要问题。在唐代周昉的《内人双陆图》中只有人物没有任何背景，但观赏者可以看出人物与人物之间有着重要的联系，靠的人物神态动作产生的，绘画者给观众留下了想象空间。在书法中也讲究留白，在平面上运用一定的章法巧妙地连接纵列和每一个字。留白在中国山水画中出现居多，可以说是画家有意为之，用留白表现缥缈的雾气，表现水和天空等，使画面更具有想象空间，更有意味，有种笔不到而意到的效果，不需要刻意表现，结合每个人不同的内心世界和情感，所产生的艺术魅力也不尽相同[3]。“化景物为情思”，以留白空灵感映射心灵深处的精神世界，虚实结合，情景交融，把客观真实化为主观表现，主客相互照应。这样的绘画作品更具有生命力，让观众有空间去想象发挥，也是中国画的高妙之处。三、中国画的色彩之神韵中国画虽然讲究用墨，但色彩的重要性也是不可忽视的，是绘画的重要语言形式之一。在历史的长河里色彩所带来的情绪表达也是非常重要的，能够渲染视觉效果，很多中国古代陶瓷、雕塑、漆画、壁画、国画都会利用色彩来渲染画面。中国绘画在唐宋以前一直以色彩为主流表达，很多矿物质颜料出现在漆画、帛画、壁画中较多，唐代画论家张彦远对这一时期的绘画评价道“上古之画，迹简意淡而雅正”，赋色艳丽。如唐代张萱的工笔人物画《捣练【中国美术研究】中国画的艺术审美特征殷严宗芳摘要院中国古代绘画所传达的美学思想和艺术意境都带有民族性袁突破了自然与形式主义袁有着中国的独特的形式表达袁这种特色通过很多学者深入不同的生活环境创作出不同艺术形式袁学习了各种绘画理论和美的哲学袁对比西方哲学美学和辩证的思维模式而总结出很多关于中国绘画的艺术特征遥文章对中国古代绘画中艺术线条之流动尧艺术留白之虚实尧艺术的色彩之神韵尧中国画的艺术意境进行探析遥关键词院中国画曰审美特征曰艺术意境曰艺术审美
颜色里的中国画读后感
颜色里的中国画读后感
读颜色里的中国画有感
中国传统颜色缤纷七彩，色泽涵盖领域宽广细腻，且各色又分别传递不同的思想和意义。《颜色里的中国画》在烂漫迷人的色彩世界中，挑选出一百种自古流行至今，依旧发挥极大影响力，以及仍活用于现代华人社会生活的重要颜色，并对每种颜色的源头出处、沿用历史、应用特色，以至在政治、社会、文化上的含义进行系统式解读。
色彩源于大自然。华夏先民从观察天地运行间日出日落和时序更迭的自然景色中，得出赤、青、黄、白、黑为衍生宇宙大地色彩的五种基本色调的观念，从而建构出“五色观”色彩理论。
我国的传统色彩文化是历代政治经济、社会风情、文学艺术、民俗节庆，以及思想观念与审美标准的反映，内涵多彩丰富，同时应用范围又十分广泛。千百年来，中华民族从服饰、建筑、绘画、书法、玉器、瓷器、工艺、家居摆设，以至生活饮食及中医药理等传统文化的各个方面，均与色彩沾上了关系，亦显示出前人对色彩的重视。
颜色里的中国画，与中国文化有密切关联的。赤：贯穿整部中华历史的深厚底色，象征吉祥、喜庆、婚嫁与热闹；黄：我国先民最早将其认定为盘古开天辟地时混沌天地的原始色彩，有严肃、隆重、正面的含义；蓝：是古代中国庶民阶级的色彩；绿：大自然里充满了恣意、比例调和的绿，在我国色彩史中，却曾经属于地位的颜色；紫：曾经为龙袍的专用色，也是道教尊崇的颜色；褐：是传统颜色系列中历史悠久且广泛流传的色彩之一，色感低调；白：白字最早出现在甲骨文中，本义为虚空，在古代指素色；灰：传统颜色名词，给人阴暗低沉的感觉；黑：是我国历史上单色崇拜时间长、含义多的一种色彩，也是传统书画中重要的用色。
颜色里的中国画，在中国人日常生活中得到广泛使用并被赋予了艺术和观念内涵的颜色。比如红色，能让人立即想到世博会的“中国红”、五星红旗、过年的红对联、红灯笼等等；比如黄色，你会想到皇帝的龙袍、皇冠、皇宫的屋顶、寺庙中的佛像……再比如紫色，有紫气东来、紫微星、金紫光禄大夫、印堂发紫等概念，靛蓝让人想到身穿靛蓝衣服劳作的云南下关人，这些颜色在中国人的心目中，不仅是艺术和设计的一部分，同时也是生活日常的重要组成部分，还唤起了中国人的历史感和文化感。
浅谈中国油画风景中的传统美学
２０１０年９月 ＳｅＤ．２０１ ０ 文海艺苑 ＬＩＴＥＲＡＲＹ ＧＡＬＬＥＲＹ 浅谈中国油画风景中的传统美学 汪辉张明远 （南昌大学艺术与设计学院，江西南昌３３００３１） 摘要：油画作为一种外来的艺术样式，在中国多元素的文化背景中生根发芽，但是在当下艺术形式大 繁荣的环境下，我们要取其精华，弃其糟粕，在深厚的文化积淀下，注入传统美学的思想理念，我们要注 重艺术本身的价值更要注重创造艺术的人格和品性。以中国当代油画家的油画作品来看传统美学的艺 术价值。 关键词：油画；传统美学；艺术 中图分类号：Ｊ２０１ 文献标识码：Ａ 文章编号：１００５—５３１２（２０１０）１８—００２２—０２ 自油画传人中国以来，中国油画已经发展到了一个自由 的阶段，从新中国成立到改革开放这一段历史时期，中国油画 艺术出现了空前的复兴，无论是从艺术的思想观念还是从艺 术的创作形式上都有了很深刻的变化，从传统的古典写实到 表达作者主观情感的个性表现，再到挖掘人的本性的精神性 抽象，接踵而来。当然这些形式或观念都是已经在西方的油画 发展历程中出现过了，然而现当代油画需要接受和发扬中国 绘画的传统美学，在中国油画中注入传统美学是今天所有的 油画家必须重视的问题。在二十世纪八十年代有很多的油画 家都引用西方油画的创作形式，注重模仿和再现，然而在中国 绘画的美学文化当中则是注重意境和神韵，也为现代中国油 画创作重视创新与表现的形式做下了铺垫。 油画虽然是中国的舶来品，有很多的技法是运用西方油 画的技法，但是西方油画已经和中国的传统文化发生了碰撞， 中国有了属于自己的油画创新。例如吴冠中先生的作品，是中 国油画风景创作的新突破，他把中国油画风景与传统美学相 结合，他坚持不懈地探索东西方绘画两种艺术语言的不同美 学观念，实践了“油画民族化”“中国画现代化”的创作理念，形 成了鲜明的艺术特色。他从“祖国、故乡、家园、自己心底”的真 切情感中，表达了民族和大众的审美需求，是中国传统美学的 再现；吴冠中的作品中体现了中国油画风景中的传统美学。吴 冠中在油画风景写生中，到处搜寻着自己的意象，他早期的作 品静谧山林、温馨田园、青瓦白墙、枯木逢春，在他的笔下显得 意趣盎然，别有一番诗意，给中国油画风景带来了新的气息， 从而彰显了中国油画风景中的传统美学，例如在他的作品中 油画和水墨画齐头并进，在两种绘画的不同文化基础之问，寻 求绘画语言的相互沟通。后来，吴冠中将油画色彩语言整合为 黑、白、灰三种色阶。在吴冠中的作品《忆故乡》中，他就是在黑 自之间传达着对故乡的眷恋。吴冠中就是在传统的点、线、面 以及色彩的油画风景艺术上的取得优胜。吴冠中经过多年的 探索与实践，在中国绘画史上开辟了一条跨越传统、融合中西 的艺术之路。他创作了具有中国民族特点的油画风景，体现了 中国油画风景中的传统美学，那么传统美学在中国油画风景 中有怎样的体现？ 中国传统文化最大的特点之一就是中国文化的概括力， ２２ 那么西方油画与中国油画的内在精神差异又是什么呢？“文化 的美学价值与该文化对待宇宙的终极态度密不可分，中国文 化的终极宇宙观是由儒、道、禅三家作为精神主干而共同构造 的，～方面它在艺术文化中体现为相互差别的美学倾向，另一 方面这些美学倾向又共同构造了中国文化的基本美学价值， 从而区别于西方人的美学追求。与人神悬殊的西方文化相比， 中国文化总体上持一种“天人合一”的终极宇宙观”，中国传统 文化注重人的内在精神的表达，注重意境的传递来吸引观者 的想象与联想，而达到与观者思想上的共鸣。 在中国当代的油画家中，张冬峰就是一位典型的代表。在 他作品《知足者》里描绘的是三几个农户在附近的水塘挑着水 淋菜的场景，画布上有着芭蕉叶的繁茂和和蒿草的清香，有着 劳动人的朴实和他们的那份知足。从而作品中也暗含了很多 传统美学方面的内容，例如构图、色彩、技法更重要的是他隐 含在画中的中国传统的人文情感和人文精神，这一点也证实 了他在绘画的艺术语言和人文理想和谐结合的完美体现。在 构图上，远处的树，徜徉的小路，中景的人物和菜园，近处的芭 蕉树和栅栏，张冬峰把它们巧妙的、有节奏的、有韵味的组合 在一起构成完美的画面，富有艺术个性和艺术魅力，主次分 明，虚实相生，整幅画的构图给人以和谐的视觉感受。在色彩 中，也传承了传统美学的特点，即不注意不同个体之间的微妙 变化，也不作画面表面的精确分析，只提示美的事物本质。远 处的矮山在银灰色天空的映衬下让人感觉是那么的和平与安 详，整个画面以黄绿色为主要色调，温暖中透着祥和，恰好符 合了中国绘画中的色彩特征，即意象化。在技法语言中，画面 中近处的芭蕉叶和泥巴栅栏都用中国画的用笔，随意中勾勒 又不失意韵，他将中国画的意、力、韵、趣与油画的诸多技法相 结合，张冬峰既表达了思想的意境，又展示了油画语言独特的 绘画性。传统美学的构图，色彩，技法给中国油画风景带来了 升温，让中国的油画风景在传统美上给人以视觉的享受。张冬 峰的画是“自然”之美的完美体现，更是自然生长在那片他热 爱着的土地上的故乡情感的体现。画布上那些让我们司空见 惯的平凡风景里，在他的笔下就有着一种祥和的“自然”生命 之美，他的画没有很鲜亮的颜色也没有那种刻意雕琢之气，只
“艳而能清雅,浓而能古厚”——中国传统工笔画之“水、墨、彩”
朱兴华视觉殿堂
色彩明艳绚丽是工笔画的特色，但明艳绚丽的色彩也易于流于浮艳甜俗，而在中国传统工笔画中，画家在设色中却能做到“艳而能清雅，浓而能古厚”、“重而不浊”、“滋而不燥，艳而不俗”。这都取决于“水、墨、彩”之幻化妙用。而这种工笔画所特有的设色方式的运用在宋代以前的宗教画、石窟壁画、人物画、青绿山水、金碧山水以及宋代花鸟画等艺术样式中都获得了集中地体现。一、传统工笔画之“水”儒家色彩观之“素”体现在传统工笔画中就以“水”、“墨”幻化五彩，使其形成鲜艳明澈、古厚娴雅的意境。老庄之色彩观的核心虽然不理会五彩斑斓，但是它极其注重“水”对“心”之幻化，庄子把“心斋”比作镜，喻作水，“水静犹明，而况精神。”那么这“用心若镜”之“水”在我看来不仅水墨画相伴，工笔画亦然。在传统工笔画中，水与墨会，黑白两极色便幻化成无限灰度，以展开无限可能的丰富色阶，使工笔画中的墨色更添古雅沉静的美学力量;水与彩会，则是色彩鲜艳明澈，干净有度。即，“华贵中见纯朴，厚重中见明快，达到薄而不漂，厚而不浊，重而不腻，浓而不艳，艳而不俗，色重气清”“表里俱澄澈”之妙境。其秘诀即在于如何运用水也。掀开中国传统工笔画这一连绵的历史画卷，灵气氤氲之“水”隐身于色彩之中，精灵般幻化着古人笔中的彩，当山取水后，山更显苍翠秀润、古厚幽淡;当人取水后，人更显浑厚丰润，内蕴娴雅;当花鸟、鱼虫、走兽取水后，其更显生气十足，活灵活现……传统工笔画的设色一般采用积染套色的方法，所谓“三矾九染”，即多遍施色，层层加深，数通之后染胶矾水以固定颜色，使得画面色彩厚重、沉着。这种独特的染色方法关键都在于水的用法。清唐岱亦言:“诸色之法贵乎淡，非为敷彩暄目，意取气也。青绿之色本厚，若过用之，则掩墨以损笔致。以至赭石合绿，种种水色，亦不宜浓，浓则呆板，反损精神。”可见这巧用水之奥妙色彩，才得以形成了精妙绝伦，美轮美奂的青绿画卷。擅画没骨花鸟的居廉、居巢作画善于用水，用粉，并创“撞水”、“撞粉”之法。如居巢的《红荔图》枝叶和红荔为没骨画成，在熟宣纸或熟绢上先着色，趁未干时，于其中用笔、点渍水或粉，经自然流动、渗化交融，使枝叶和红荔取得一种色彩变化丰富、明快而绚丽的效果。这种“水”化“粉彩”的画法对现代工笔花鸟创作产生了较大影响。“水”之运用亦添“光”彩，中国传统工笔画的表现不同于西方绘画准确的再现自然色彩之“光”。而是改变了自然色相，不受光源色和环境色的影响，独自发挥色彩作用的俯仰平面、单纯宁静之“光”。这种“俯仰自得”之“光”在“水”幻化晕染“墨”、“彩”中得以体现画面物象的凹凸起伏和形体结构以及空间距离。这在工笔花鸟画中多见，如:《红蓼白鹅图》是宋徽宗赵佶的作品。画面一枝红蓼离坡高起，一只白鹅临睡理羽。在“光”的表现上并非象西画那样以直接的方式表现，而是一方面落在纯粹的物体本身，主要以“水”幻化晕染“墨”、“彩”的方式予以塑造，在塑造过程中“看泽之谓，乃在浓淡明晦之间”，而风光之影便如绕前后了。另一方面，使“水”隐没于轻烟淡霭的“墨”、“彩”中的背景，于统一的色调中寻求远近虚实对比，以此产生光感，来突出红蓼与白鹅的主体。古厚娴雅的意境便也由着“水”幻化之“光”彩而在画面中跌宕跳动开来。二、传统工笔画之“墨”“设色必于墨本求工，墨本不佳，从而设之，是涂附也。墨本不足，从而设之，是工匠之流也。”[1]因此，墨对工笔重彩画意韵美感的形成具有十分重要的作用。在中国传统工笔画得设色中，以墨勾线并常用墨的不同色度，即浓墨、淡墨、轻墨、清墨来晕染物象凹凸结构关系，然后渲染色彩，在墨与色的矛盾冲突中达到画面色彩整体效果的统一协调。墨与水合则能产生丰富而微妙的黑白色阶;墨与彩合则产生许多具有中和品质的美妙色彩，这都是画家追求气韵与意境的有力手段。如在红色的花瓣上用墨分染暗部，依着花瓣底端的墨线，用薄染法层层分染墨色，花瓣呈现出自黑到红的渐变效果，既能显示出花瓣用色单纯丰富，雅而不薄，又能表现出花瓣的阴阳向背。反之用色与用墨同。由此可见，传统工笔画用色极其简练，单[摘要]中国传统工笔画以其独特的语言表达方式，即在“水、墨、彩”之幻化中演绎出“艳而能清雅，浓而能古厚”的气韵和意境，反映出了中国人所特有的审美理想和审美习惯。[关键词]传统工笔画水墨彩纯，其古雅效果的取得有赖于对墨色运用的重视。墨彩兼施，是传统绘画的根本方法，并力求做到墨不碍色，色不碍墨，使其相互辉映。正如潘天寿所说:“色易艳丽，不易古雅，墨易古雅，不易流俗，以墨配色是以济用色之难”。顾闳中的《韩熙载夜宴图》假若没有大小深浅不同的墨色块在中间起着对比和谐的作用，就不可能具有古雅而深沉的色彩效果。永乐宫三清殿壁画《朝元图》如果没有粗壮挺拔的墨线作为骨架，并在色块中起到中介和调和的作用，这幅宏大的画面就难以撑起来，也达不到如此明豁、沉着而富有装饰性的效果。古人根据墨的特性，创“五墨”、“六彩”之说。“五墨”，即“干、湿、浓、淡、黑;“六彩”，即在“五墨”的基础上加上白色。清唐岱在《绘事发微》中说:“墨有六彩。而使黑白不分，是无阴阳明暗;干湿不备，是无苍翠秀润;浓淡不分，是无凹凸近远也。”“六彩”具备，才能发挥“运墨而五色具”[2]的特殊效果。在我看来，“运墨而五色具”虽由水墨画而出，但同样适用于工笔画，在传统工笔画中以墨色为主，追求淡逸古雅的色彩格调是画家的首选。战国时期的《人物龙凤图》、《人物御龙图》中就已经显示出以墨色为主，略施彩色的画法，而营造出庄重典雅的幻化效果。“上古之画，迹简意澹而雅正，顾、陆之流是也。”[3]这在东晋顾恺之的《女史箴图》(唐摹本)中得以印证。唐代韩干的《夜照白图》、《百马图》以笔墨晕染为主，略施彩色的设色风格在唐代“热烈典雅”的氛围中更显淡逸古雅。宋以后，以墨代色的方式逐渐成为绘画设色的主流。如张择端的《清明上河图》画中的一切物象都是用简练的墨线勾勒而成，并着重运用墨的不同色度，即浓墨、谈墨、轻墨、清墨对物象稍加晕染，个别物象略染色彩，然而这素淡的墨彩却能以古朴、素雅的特殊韵味把北宋都城丰富多彩的景象表现得淋漓尽致。三、中国传统工笔画之“彩”从中国颜料学来说，“唐代以前以矿物颜料为主，唐以后因植物颜料随织染之发达而逐渐利用于绘画。”[4]因此，传统中国画颜料主要分为矿物色和植物色两种不同属性的颜色，矿物色和植物色在中国绘画中除了色相、明度、纯度等关系，还有着不同的质感。相对于植物色来说，矿物色往往更有厚重感，覆盖能力强，主要有赤色系(朱砂、朱磦、赭石)、黄色系(石黄、雌黄、雄黄)、青色系(石青—扁青、空青、曾青、白青)、绿色系(石绿、孔雀石、蓝铜砂)、白色系(白垩、铅粉)、黑色系(石墨、烟墨、漆);而植物色则更为轻盈和疏淡，主要有花青、藤黄、土黄、郁金黄、汁绿、胭脂、洋红等。这些颜料都是天然材料制成，色泽古厚、雅逸、持久，较易溶于水。在传统工笔画中，矿物色和植物色的色“艳而能清雅，浓而能古厚”——中国传统工笔画之“水、墨、彩”河北理工大学轻工学院王彬河北师范大学美术学院
中国画美学特征
- 1 - 中国画美学特征
中国画美学特征是中国传统文化的重要组成部分，具有独特的艺术风格和审美意义。中国画的美学特征主要体现在以下几个方面：
一、意境的追求。中国画注重表达画家的情感和思想，突破物象的表面，寻求更深层次的精神内涵，营造出具有艺术魅力和思想内涵的艺术形象。
二、笔墨的运用。中国画主张用笔行文，注重笔墨的变化和运用，追求“神似”，即通过笔墨的韵律和变化，表现出物象的特征和形态，呈现出艺术美感。
三、构图的处理。中国画注重画面的构图、布局和形式美，追求视觉上的平衡和和谐，体现出自然的规律和秩序。
四、色彩的运用。中国画重视色彩的意义和象征意义，注重色彩的运用方法和效果，通过色彩的相互制约和调和，表现出具有情感和思想内涵的艺术形象。
五、文化的积淀。中国画具有深厚的历史文化积淀，注重传统文化的借鉴和继承，表现出具有独特的文化内涵和审美价值。
综上所述，中国画美学特征是一种追求意境、注重笔墨、构图、色彩和文化积淀的综合性艺术表现方式，具有深刻的思想内涵和独特的审美价值。
传统美学色彩文化内涵及在平面设计中的价值研究
传统美学色彩文化内涵及在平面设计中的价值研究
【内容摘要】传统美学色彩是我国劳动人民在长期历史发展过程中对色彩审美的一种认知和积累，具有深厚的文化底蕴和区域特色，符合普通大众的美学观念与审美心理，因此，在当前以视觉传播为主的平面设计中具有极大的研究与应用价值，成为平面设计的核心元素之一。鉴于此，作者阐述了我国传统美学色彩的内涵意义、文化底蕴、艺术特色等，并从多个层面深入分析其在现代平面设计中的应用技巧与设计效果。一方面对我国传统美学色彩有一个初步的认识；另一方面为当前平面设计活动的色彩选择与应用提供一定的指导与借鉴。
【关键词】传统美学色彩 内涵意义 艺术特色 平面设计 设计技巧
传统美学色彩是一个庞大而神秘的色彩体系。作为我国传统文化的重要组成部分，传统美学色彩既是我国劳动人民长期审美活动与艺术创作的一种传承与积淀，同时也是我国传统思想观念在色彩领域的体现，因此，符合我国劳动人民的审美心理，对社会大众具有天然的吸引力。正如梁一儒先生在《民族审美心理学概论》中提出的：色彩文化是民族文化中最突出醒目的部分，对民族精神影响深远甚至记载着整个民族精神的全部过程。除此之外，传统美学色彩还具有符号性、象征性、装饰性等特征，使其与平面设计简洁、直白并具有深刻文化内涵的信息传播功能不谋而合，由此成为现代平面设计的重要元素之一。 一、我国传统美学色彩观
著名色彩理论家约翰内斯·伊顿曾在《色彩艺术》中说过：“原始社会就已经存在色彩的概念，是从无色光线及其相对无色的黑暗中延伸出来的。”①也就是说，在原始社会，人们已经具有认识审美色彩的冲动和本能，从而展示人类定位色彩美学内涵可能性的所有方向。在随后的历史发展过程中，由于地理环境、生活方式、宗教观念、艺术创作等诸多因素的影响，从而形成了各民族独特的美学色彩观念和表达方式。众所周知，我国传统的文化精神、思想观念、艺术创作、意识形态等自成体系，对传统美学色彩的形成与传承发挥着极为重要的作用。在长期的历史发展过程中，我国形成了儒家的五色世界观、道家的无色世界观、佛家的美术色彩观三种典型的美学色彩观。
浅谈中国画的色彩观
具备了新语境。由于纤维艺术家们 在艺术创作中表现出超越传统规范 的新理念、新形式、新工艺，故而极 大地丰富与发展了２０世纪的造型艺 术。 在回顾２０世纪的纺织艺术历程 中，笔者常常想起西方艺苑宿儒桑 塔耶娜在 美感 一书中曾阐发过的 那句著名话语：“假如雅典的巴特农 神殿不是大理石筑成，王冠不是黄 金制造，星星没有火光，那它们将是 平淡无奇的东西。”在此，一代美学 宗师就材料对艺术造型的深刻影响 之肯定态度不言而喻。当我们面对 由千姿百态的纺织材料创作而成的 那些品貌温馨、别具匠心、美仑美奂 的现代艺术作品时，如此的感受也 会应运而生。在现代造型艺术的发 展史上，正是由于出现了一批毕加 素、三宅一生、克里斯托式的藐视成 规、勇于探索的艺术家，致使与人类 物质生活息息相关的纺织材料才被 赋予了崭新的精神内涵，其特有的 质地之美及独特的工艺制作方式也 受到举世瞩目。总之，纺织材料同造 型艺术于２０世纪的珠连壁合，其意 义不仅仅在于创立一种新的视觉艺 术表现形式，更重要的是在于人们 从中体味到了一些蕴涵，以及生活 在“钢筋水泥丛林”中的现代人久以 疏远的那份脉脉温情，这也是纺织 品艺术在上个世纪于造型领域能够 大行其道、令人刮目相看的真正根 由。作为纺织品艺术工作者，我们笃 信在新的百年里，伴随着科技的日 新月异带来的纺织材料的丰富多彩， 艺术家创作思维的日臻成熟以及人 们对生活品质的高诉求，承载着人 类诸多美好的愿望的纺织品艺术定 将前途广阔。 肖彬 （北京服装学院服装系讲师） ４０ ２００２年总第１ ９期 在世界绘画发展史上，中国画 以鲜明的面貌，形成了独一无二的 绘画体系。其中最能体现这种独特 性的因素之一，便是对于黑白色彩 的应用。黑和白的绘画形式不仅体 现了中国画独特的择色观，也构成 了中国画的某种本质和精华所在。 纵观中国绘画的发展历程，黑 白的绘画色彩观念并非在初始如此， 在我国上古，就有绚丽和素淡的画 风之分。这一点，历代画论中也有评 述。如明代画家文征明在 衡山论画 山水 中即述：“吾闻上古之画，全 尚设色，墨法次之，故多用青绿，中 古时变浅绛、水墨杂出。故上古之画 尽于神，中古之画人于逸，均之各有 至理，未可以优劣论也。”。如果将绚 丽和素淡的画风以时代概分，唐代 以前无疑是中国画色彩绚丽的主要 时期。如青绿山水、金碧山水等可谓 为中国画色彩发展的高峰。其主要 面貌是色彩在黑色轮廓线围成的各 种空间中争妍斗丽，画面呈现一派 绚丽斑斓的色彩景象，丹青这个代 表色彩的词完全可作为此时期中国 画的一种代称。而素淡的画风是从 唐代开始，并直至宋、元、明、清。 这一时期可谓为是墨驱逐色的时期， 各种灰色的墨色取代了诸多色彩的 位置，整个画面被统一在黑、白、灰 的无彩体系中。虽说这两段时期在 造型上的共同特征主要还是由墨线 来完成，但差别是前者为轮廓线内 由华丽斑斓的色彩来描敷填充；而 后者是黑从轮廓线向内扩展，直至 水墨几乎完全驱走了色彩。 要充分认识色彩在中国画里由 波峰渐渐滑 波谷的现象，仅凭中 国画使用笔、墨、绢、宣纸等这样一 些工具和材料的特性来研究；或纯 粹从绘画、从色彩的狭隘角度来解 释其原因是远远不够的。从唐代王 维泼墨作画起，到元代以后文人画 的不断成熟，历代画家们便以黑色 作画，通过借助水的稀释作用，使墨 色分解呈浓淡、枯润等效果，又利用 纸的本色，使墨色呈现在白底之上， 不仅致使中国绘画最终形成黑白水 墨一科，而且一旦产生，便世代相沿 不断，并成为中国绘画的主流。此种 现象确实奇特之至。为什么中国古 代画家对大干世界斑斓缤纷的色彩 视而不见，并大刀阔斧地删繁就简， 只选择单一色彩去表现万千物类。 这种重墨尚黑的传统，究竟源于什 么？分析这种择色观是困难和复杂 的，因为作为一种绘画艺术，一种绘 画美学思想，或者一种绘画形式的 形成，都是一定社会历史时期、民族 文化体系的产物，它的产生、发展、 除经济因素外，是同上层建筑中政 治、哲学、宗教、艺术等因素相交的 产物，而绘画美学思想同哲学、宗教 的关系更为密切。潘天寿先生说： “东方绘画之基础，在哲学”；徐复
关于中国画色彩的探索与思考
关于中国画色彩的探索与思考
◎王莹莹
（河南工程学院，河南郑州４５００００）
中国画展示了中国传统文化的魅力。其色彩自
成一体，具有独特的艺术特质，是美学思想的重要表 现。在中国画中，色彩体现了绘画工具的价值，是
“彩”和“墨”的结合，对于中国绘画发展具有重要的
意义。本文主要从色彩、艺术、审美等方面，对中国画
的色彩及其发展进行探讨与分析。
一、耳Ｕ吾
中国画从古代发展至今，已形成了独特的绘画
体系，是我国传统文化的表现形式之一，具有独特
性、艺术性和审美性，对国外美术领域产生了一定的
影响。中国画的色彩主要建立在“彩”和“墨”之上，妙 处在于用墨技巧上，浓淡相融，浓而不滞，淡而不晦。
中国画的色彩颜料多采用植物粉末或天然矿物质制
成，色彩保持的时间较长。中国画色彩发展至今已有
几千年的历史，从着色方式分析，主要分为以下阶
段：早期绘画时期、唐宋时期、元代时期以及明代时 期。本文主要阐述了中国画色彩的发展及其演变史，
并分析了中国画的艺术性。
二、中国画色彩简述
色彩是绘画的语言。表现了画作的艺术风格。但
中国画中的色彩，主要表现在形神和水墨上。在当
代，很多人将中国画和水墨混为一谈，忽视了色彩在 中国画中的作用。在战国时期，中国画色彩主要以五
色系为基础体系，文化内涵相当丰富。随着时代及人
们审美的变化，色彩的重要性也逐渐在中国画中显
现。在古代，国画色彩表现方式独特，人们将中国绘
画命名为“丹青”，可见其在中国画中的重要性。在魏
晋南北朝时期以前，中国画的色彩主要分为黄、黑、 白、青、赤五色，画家的色彩观念强烈，但在魏晋南北
朝时期，由于佛教美术的引进以及青绿色的使用，使
中国画的色彩更加丰富［１］。到盛唐时代，中国画中的 色彩得到了广泛发展，画家在进行绘画创作时十分重
视色彩搭配。在宋代以后，由于文人画的发展，色彩的 比重也逐渐变小，画家在用色上更重视笔墨变化，水
墨晕色逐渐取代色彩在国画中的运用，并以墨为彩。